Blog des Cramés de la bobine – Page 56 – Pour les amateurs de cinéma à Montargis

Cinéma d’ailleurs, « Viva Il Cinéma » 5ème festival de Tours

Du 14 au 18 Mars, 4 cramés de la bobine se sont rendus à la 5^ème édition des journées de Viva il Cinéma de tours où 24 fictions et documentaires ont été présentés. Nous nous y sommes rendus.

Il y a quelques années nous pensions que ce cinéma était mal en point, il marque les signes d’un bon rétablissement. Il y a dans le cinéma que nous avons vu, une créativité, un bonheur de filmer qui rappelle les grandes années du cinéma italien. Nous avons pu voir 13 d’entre eux, inédits et avant-premières.

Les inédits n’ont pas encore de distributeurs, peut-être n’en auront-ils jamais en France et donc n’y seront-ils jamais diffusés, nous vous en toucherons tout de même un mot parce que nous espérons qu’ils trouveront leurs diffuseurs et de nombreuses salles pour défendre ce cinéma-là.

Il y a eu deux prix attribués, celui de la Ville de Tours et celui du Jeune Jury, nous les signalerons au passage

Ammore e Malavita « à Naples on ne vit que deux fois » de Marco Manetti.

L’idée de départ, un mafieu essaie de disparaître de la circulation. Un film drôle, qui tient de la comédie, de la comédie musicale, avec des meurtres en série, une histoire d’amour, du suspens et de l’invention. A voir s’il arrive sur les écrans en France, si vous avez envie de vous distraire, et si le cœur vous en dit. Davantage Pop Corn qu’Art et essai. (***)

In Guerra per amore, de PierFrancesco Diliberto,

« NYC1943, Arturo souhaite épouser Flora, mais son oncle qui en a la charge veut la marier au fils d’un chef mafieux. Alors pour obtenir la main de sa belle, Arturo décide d’aller directement demander sa main au père de Flora qui vit en Sicile. Comme il n’a pas de quoi se payer le voyage, il s’engage dans l’armée qui va débarquer en Sicile ».

Alors là, c’est du cinéma ! Ça a l’allure d’une comédie, il y a des passages drôles et jamais vus, et ça gagne en gravité sans jamais perdre l’humour. On imagine que le réalisateur a été séduit par la Vie est belle. Le sujet qu’il traite est grave : Comment les Etats Unis ont installé durablement la mafia en Sicile. Un film drôle et intelligent qui n’est pas sans rappeler une histoire fraîche. Nous espérons que ce film aura tout le succès qu’il mérite. (*****)

I Figli della Note (les fils de la nuit) d’Andréa de Sicca. ( le petit-fils de Victorio !). Ce film a obtenu le prix du Jury des Jeunes.

« Issu d’un milieu aisé, Giulio est envoyé dans un pensionnat strict qui forme les dirigeants de demain. Et tout est permis pour former l’Elite de la société »…Il y a non loin, un lieu d’évasion, un « lieu de plaisir nocturne » si on peut appeler ça comme ça. Giulio tombe « amoureux » d’une jeune femme qui s’y prostitue. C’est un film sur les étudiants, et les étudiants de Tours ont aimé voir des étudiants transformés en jouet par un monde adulte dominateur et dévoyé, ils ont aimé le climat complotiste manipulatoire et glauque qui nimbe le film. Film au demeurant peu inventif. (**)

Il Padre d’Italia (le père d’Italie) de Fabio Mollo.

Inédit. Espérons que ce film va être projeté en France. C’est un film original : « Paolo est trentenaire, il ne se remet pas de la séparation d’avec l’homme avec qui il a vécu durant 8 ans. Une nuit, il rencontre Mia, une jeune femme exubérante et fantasque, enceinte de quelques mois. Elle lui demande de l’aide. Alors commence un voyage plein de rebondissements à travers l’Italie ». C’est aussi un film sur l’attachement, qui interroge la nature de l’attachement. Les acteurs sont Luca Marinelli (nous l’avons vu dans 3 films, cet acteur est un vrai caméléon)et Isabella Ragonese. Retenons bien ces noms et ne loupons surtout pas ce film! (*****)

Una Questione Privata un film de Paolo et Vittorio Taviani avec Luca Marinelli (voir ci-dessus).

En présence de Paolo Taviani. C’est bien leur patte. Voici un film qui commence par un triangle amoureux et chaste, (c’est l’affaire privée) la toile de fond devient le fascisme et la lutte des partisans. Les deux garçons deviennent des partisans. Quelle sera l’influence de cette affaire privée dans leur engagement ? Un film élégant, classique et beau. (****)

Easy d’Andréa Magnani

a obtenu le prix de la ville de Tours.

« Easy (diminutif d’Isodoro), est ex-pilote de course, un gros monsieur déprimé, boulimique et solitaire qui ne fait plus rien. Son frère lui propose un job, transporter le cercueil d’un maçon décédé, en Ukraine- un voyage semé d’embuches-« . C’est énorme, drôle et grave, ça s’essouffle et se relance sans qu’on sache trop bien pourquoi. Nous n’avons jamais vu un road movie avec cercueil. Je n’aurai pas voté pour ce film, mais le burlesque (derrière lequel se cache un vécu) à bien le droit d’être à l’honneur.(***)

Il più grande sogno (le plus grand rêve) de Michele Vannucci.

Reconstitution à la manière documentaire d’une histoire vraie : « Mirko est de retour chez lui après avoir passé 8 ans en prison. Il veut une seconde chance, un nouveau départ qui lui permettrait de tourner définitivement le dos à la violence et la criminalité. Il souhaite reconquérir le coeur de ses deux filles, reprendre son histoire avec sa femme et rendre sa propre vie plus positive. Une opportunité inespérée se présente lorsqu’il est élu président d’une association caritative de son quartier, une zone abandonnée de la banlieue de Rome. » On ne peut pas dire que le film jouit d’un bon scénario ni d’acteurs exceptionnels, ni qu’il soit bien filmé, mais ce film a réussi le miracle de se faire oublier au profit du débat de l’équipe de tournage et du coup tonnerre d’applaudissement. Le jour où vous irez voir ce film, tâchez que la fameuse équipe soit là.(**)

Sicilian Ghost Story d’Antonio Piazza. Un autre film sur la Sicile

dont voici le synopsis : « Dans un village sicilien aux confins d’une forêt, Giuseppe, 13 ans, disparaît. Luna, une camarade de classe, refuse la disparition du garçon dont elle est amoureuse et tente de rompre la loi du silence. Pour le retrouver, au risque de sa propre vie, elle tente de rejoindre le monde obscur où son ami est emprisonné et auquel le lac offre une mystérieuse voie d’accès ». Attention histoire vraie qui commence comme une histoire merveilleuse, joue avec le fantastique, pour mieux nous ramener à une histoire qui se termine tragiquement. Tout comme « In Guerra per amore, de PierFrancesco Diliberto » ce film est fort et bouleversant. Il dénonce les méthodes mafieuse et les silences coupables. Comme c’est une avant-première, il va passer dans les salles. Allez-y ! Vous ne le regretterez pas.(*****)

Si returno Ernest Pignon-Ernest et la figure de Pasolini, documentaire en sa présence ainsi qu’une représentante du collectif Zikozel :

« Qu’est-ce que nous avons fait de sa mort ? » Quarante ans après l’assassinat de Pasolini, Ernest Pignon-Ernest, l’un des pionniers de l’art urbain international, entreprend un voyage en Italie pour poser cette question sur les lieux de la vie, de l’œuvre et de la mort du poète. À Rome, Ostie, Matera et Naples, l’artiste interpelle les habitants et les passants en collant sur les murs une pietà laïque dans laquelle Pasolini, au regard sévère, porte son propre corps sans vie ».

C’est un artiste humble qui nous expose sa démarche. Celle d’un art éphémère, celle d’un plasticien pour qui la rencontre du public et l’agencement de son œuvre comptent autant que l’œuvre. E.P.E bénéficiait d’une salle conquise et admirative.

La Tenerezza, (la tendresse) de Gianni Amelio, une avant-première, quelle chance ! il sera diffusé.

Encore un film remarquable. Le nouveau film du réalisateur calabrais aborde les relations familiales et le dédale de sentiments qui en découle et en même temps une rencontre de voisinage avec une gentille famille, une sorte d’ailleurs à domicile et c’est tellement autre chose ! Et pourtant! Encore un film remarquable, avec pour interpréte Elio Germano. Allez-y, si vous en avez l’occasion, vous ne regretterez pas. (*****)

Tutto quello Che vuoi « tout ce que tu voudras » de Francesco Bruni, Inédit,

quand je pense que vous riquez de ne pas voir ce film ! J’en suis consterné. Une comédie, intelligente, sensible, émouvante, et drôle et infiniment sérieuse. Alessandro 22 ans « branleur » excède son père qui lui impose de prendre un petit boulot « s’occuper de Giorgio, poète Alzheimer ». Les italiens connaissent le tragicomique mieux que quiconque.

Une rencontre. C’est un bon moment de cinéma, vous savez ces films dont on sort avec le sourire !(****).

Encore un Inédit, on ne va quand même pas être obligés d’aller à Tours pour voir ce bon film !

La Stoffa dei sogni de GianFranco Cabiddu (l’étoffe des rêves est un morceau de citation de la tempête de W.Shakespaere : « Nous sommes de l’étoffe dont sont faits les rêves, et notre petite vie est entourée de sommeil »

je vous livre le synopsis : Un bateau chargé de prisonniers et d’une petite troupe de théâtre fait naufrage sur l’ile d’Asinara connue pour son pénitencier. Les gardiens de la prison recherchent les rescapés mais ne savent pas distinguer les mafieux qui doivent rejoindre la prison, des autres. Passionné de théâtre, le Directeur leur demande de jouer la Tempête de Shakespeare. Ça ne manque pas de sel ! (C’est le cas de le dire). (***)

Lasciati Andare (laisse-toi aller) Francesco Amato

Inédit encore un inédit, une gentille comédie. Un psychanalyste peu empathique fait un malaise, on lui prescrit de faire du sport, il rencontre une excentrique coach de sport…Avec le grand Toni Servillo. On rit, il y a de bons gags mais c’est un peu long tout de même. (***)

Les italiens savent manier le tragicomique. L’humour italien au cinéma a une finesse qu’on ne retrouve guère dans les films français. Sur 13 films que nous avons vu 8 ont un caractère humoristique et cependant véhiculent à profusion et généreusement inventions, images étonnantes , humour sur des thèmes parfois graves, dont on peut discuter en sortant de la salle.

4 jours de ciné, en sortant des salles, un instant, on s’étonnait de ne pas être en Italie. Bravo à Tours et Viva Il Cinéma !

Georges

« L’insulte » de Ziad Doueiri

1 Prix et 3 nominations à la Mostra de Venise 2017Du 1^er au 6 mars 2018Soirée débat mardi 6 mars à 20h30
Film libanais (vostf, janvier 2018, 1h52) de Ziad Doueiri avec Adel Karam, Rita Hayek, Kamel et El BashaDistributeur : Diaphana

Présenté par Jean-Pierre Robert

Synopsis : A Beyrouth, de nos jours, une insulte qui dégénère conduit Toni (chrétien libanais) et Yasser (réfugié palestinien) devant les tribunaux. De blessures secrètes en révélations, l’affrontement des avocats porte le Liban au bord de l’explosion sociale mais oblige ces deux hommes à se regarder en face.

Notes sur les avocats dans le film

J’ai aimé ce film, sa présentation et le débat qui soulignent à quel point la question libanaise est douloureuse et compliquée. Je souhaiterais m’attarder sur le rôle des avocats dans cette affaire.

Disons d’abord que la forme du film a quelques rapports avec les cercles produits par un caillou jeté dans l’eau. À partir d’une injure, d’un conflit interpersonnel, le cercle des personnes concernées s’étend. Celui des amis et des proches, celui des groupes de pression, celui de la foule et de l’opinion, celui de l’institution représentée par le Président en personne.

La toile de fond : Beyrouth, une ville particulièrement dense. Un patchwork de communautés et de religions enchâssées. Selon wikipédia « Le Liban compterait 54 % de musulmans (dont environ 27 % de chiites et 27 % de sunnites), 5 % de druzes, 41 % de chrétiens (23 % de maronites,etc… » et les guerres…regarder la chronologie du Liban, c’est se plonger dans « guerre, guerre civile, invasions, attentats, etc. » D’où la propagande permanente et le déploiement facile d’idéologies meurtrières.

Aussi, dans ce monde-là ou la différenciation est la règle, quand deux personnes entrent en conflit, s’injurient, qu’elles en viennent aux mains, elles portent en elles leur système religieux et communautaire, les blessures de la guerre, celles qui les ont souvent opposées. Sans oublier les discours idéologiques et propagandistes haineux (politico-militaro-religieux) dont ils se laissent bercer, et c’est le cas de Toni et peut-être Yasser. Ils expriment l’un et l’autre d’une manière emblématique, par leurs blessures et leurs souffrances profondes, les blessures de leur pays et en même temps, « le prêt à penser » des préjugés et de la propagande. Ce qui se joue dans l’insulte tient à la fois du psychodrame et du sociodrame.

Toni poursuit Yasser en justice. Romanesque et intéressante, « l’invention » dans le scénario des avocats des deux protagonistes. L’avocat de Toni est un vieux monsieur, l’avocate de Yasser est une jeune femme. L’un est un défenseur des chrétiens, l’autre est défenseur de minorités opprimées, ici les Palestiniens. L’un est le père et l’autre la fille. L’un et l’autre ont été choisis ou conseillés par les entourages respectifs des deux protagonistes parce qu’ils sont les meilleurs. Un duel de champions en somme. On suspecte alors que ce choix de règlement du conflit, sera en même temps celui d’un conflit père/fille et qu’il risque de ne pas tendre vers l’apaisement, parce qu’il se jouera autre chose que le procès.

Et les interventions de ces deux personnages forment une sorte de récit dans le récit. On voit bien le double enjeu de ces deux avocats : S’opposer en dépit de leur parenté. Etre parents en dépit de leur opposition. Ça ne devrait pas être crédible, mais ça marche, on y croit. D’autant qu’ils démontrent par leur opposition tranchée que liberté de pensée existe encore dans ce pays. On imagine aussi que le concours de persuasion et de chamaillerie va commencer entre avocats que tout oppose et que tout réuni. Là encore on retrouve une métaphore du Liban, « être à la fois ensemble et séparés ».

Le fil conducteur du film revient pour une large part aux avocats puisqu’il permet des éclairages successifs sur Toni et Yasser. Le scénario réparti bien les billes, plus avance le procès, plus on découvre à quel point les torts sont partagés, et que le match nul se profile. Et à chaque fois que l’un ou l’autre marque des points, la tension augmente d’un cran. Comment en sortir ? C’est le père qui découvre la voie étroite. Reformuler les termes de la plainte, la ramener à ses origines qui ne sont pas dans les passages à l’acte immédiat mais dans les vies et les actes passés. Et là on pense à « Carré 35 » de Caravaca ou à « en attendant les hirondelles » de Karim Massaoui. Soit le ressort comprimé d’un traumatisme, de la mort ou la guerre qui se dévoile à travers des passages à l’acte. Alors, le non-dit, le secret, s’incarne d’une manière sourde dans tous les actes de la vie de Toni et Yasser. Le présent sert d’alibi à un passé mal vécu qui cherche à s’exprimer par tous moyens. L’un et l’autre se pensent libres, ils ne sont que les jouets de leurs passés respectifs. Et les avocats, dans ce film, font advenir une vérité de ces personnages. Je ne m’en tiendrai qu’à ce seul aspect. Le film est bien plus riche que ça.

Alors, est-ce qu’être conscient d’un traumatisme aide à mieux vivre, à être plus heureux, à se sentir moins angoissé, moins peureux, moins coléreux ? Peut-être.

J’ajouterai que ce film a trouvé une manière de parler de simples quidams et en même temps de tout un peuple lui aussi si proche et si opposé. Lui aussi blessé, lui aussi baigné dans une propagande meurtrière. Et ce film dit à ce peuple : « Votre violence d’aujourd’hui, avant d’y céder, songez qu’elle s’est nourrie de l’écho lointain d’autres violences en partage…Remember. Ne la laissez pas gagner ». Il propose aux Libanais de vivre ensemble, ce qu’ils font déjà, disons alors de vivre ensemble lucides et vigilants, et donc en paix…

Georges

Ciné d’ailleurs,vu par Pauline

Trois petites critiques de très beaux films (je vous épargne donc celle de Wonder Wheel) que j’ai eu l’occasion de voir à Avignon et que je vous recommande vivement. Les voir, tous trois, passer à Montargis me laisse rêveuse…

Lady Bird

De : Greta Gerwing

Avec : Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Timothée Chalamet

Aller voir Lady Bird, c’est comme prendre place à bord d’une machine à voyager dans le temps. À voyager dans son propre temps…
Car même si les époques différent, on se retrouve à revivre notre propre adolescence, cette dernière année de lycée, ce moment si particulier où tout s’emballe. Les nouveaux amours, les amis qui comptent plus que les apprentissages et surtout, surtout, l’orientation. Rêver de rester, de partir, d’université, de culture, d’ailleurs…
Tout va se jouer, rien n’est fait, tout est encore possible et il s’agit de profiter de cet instant de félicité.
Le film nous entraîne dans l’univers de cette renommée Lady Bird qui a besoin d’affirmer sa singularité pour avoir l’impression d’exister, exister pour elle, et enfin, peut-être trouver le sens de son être au monde.
Mais y-a-t’il vraiment un sens ?
J’ai été cette Lady Bird. Et à entendre les critiques, je ne suis pas la seule. Nous avons tous un peu été une Lady Bird, dans cette recherche de soi. Quand il a s’agit de tout faire pour être unique quand parfois, souvent, c’était la seule chose rassurante à affirmer.

« Je veux que tu sois la meilleure version de toi-même. » dit la mère de Lady Bird.

Faute d’être la meilleure version de soi, être la plus singulière.

La Forme de l’Eau,

De : Guillermo del Toro

Avec : Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg

Plonger dans l’univers d’Elisa, une femme de ménage muette qui va faire confiance pour la première fois, aimer et aider la seule personne qui va la voir comme un être à part entière. Et qu’importe si elle n’est pas humaine.

La photographie et l’interprétation sont absolument sublimes, on est totalement immergé dans cet univers fantastique et aquatique, les décisions des personnages ne sont jamais hasardeuses ou scénarisées, elles sont le fruit d’un cheminement d’une rare richesse et justesse. C’est redoutablement efficace. Pendant deux heures, on est au cœur de cette histoire d’amour improbable qui semble pourtant incroyablement réelle quand elle est mise en scène par Guillermo del Toro.

Call me by your name

De : Luca Guadagnino

Avec : Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg

Ça faisait longtemps, très longtemps, que je n’avais pas été bouleversée comme ça au cinéma. Cette histoire d’amour, et qu’importe qu’elle soit homosexuelle, touche à une universalité de la passion tellement humaine…. Chaque souffle, chaque toucher, chaque regard nous couvrent d’empathie de manière incroyable. À travers Elio, c’est toutes les sensations qui traversent notre être lorsqu’on tombe amoureux, lorsqu’on vit une passion dévorante, que l’on revit avec une puissance fulgurante. Et c’est fascinant. Le cœur s’accélère, la gorge se noue, les yeux se chargent de larmes… Le réalisateur a su transmettre toutes ces émotions, non pas avec des mots comme dans le livre dont il est tiré, mais avec des sensations brutes. La caméra est proche de son sujet au point de toucher un point d’intime fabuleux. Et la performance de Timothée Chalamet tient à la virtuosité. Il fait exister Elio, et avec lui, tout ce que l’on ressent quand on sent grandir le feux dévorant des sentiments pour l’autre. C’est tellement fort. Du reste, le cadre du film (une Italie érudite et luxuriante), la vibrante musique de Sufjan Stevens et la beauté du personnage du père sublimement interprété par Michael Stuhlbarg nous font définitivement basculer dans cet univers. On aimerait que ça ne finisse jamais.

J’en tremble encore.

« Ni Juge, ni soumise »de Jean Libon et Yves Hinant

Nominé à la Quinzaine des RéalisateursSoirée débat lundi 5 mars à 20h30

Film franco-belge (février 2018, 1h39) de Jean Libon et Yves Hinant

Ni Juge ni soumise est le premier long-métrage StripTease, émission culte de la télévision belge. Pendant 3 ans les réalisateurs ont suivi à Bruxelles la juge Anne Gruwez au cours d’enquêtes criminelles, d’auditions, de visites de scènes de crime. Ce n’est pas du cinéma, c’est pire

Nominé à la Quinzaine des Réalisateurs

Soirée débat lundi 5 mars à 20h30
Film franco-belge (février 2018, 1h39) de Jean Libon et Yves Hinant

Présenté par Marie Noël Vilain

Comme je regrette de ne pas avoir assisté à la séance de ce lundi.

Je ne voudrais pourtant pas laisser passer l’occasion de dire tout le mal que je pense de ce film en forme de documentaire et qui ne documente rien, sauf à la rigueur, le cynisme, la bêtise et la méchanceté.

D’abord il y a cette juge, haute en couleurs pas seulement par 2 chevaux, maquillages et autres accessoires vestimentaires interposés mais aussi par son verbe, celui d’une histrionne. Cette dame joue avec ses « clients » (comme elle dit), comme un chat avec une pelote de ficelle, où peut-être joue-t-elle au rat et à l’escargot sans discontinuer. A-t-on entendu dans ce film un « client » s’exprimer ? Oui, un seul (sur la consanguinité) parce que ce qu’il a dit paraissait ridicule. Quant aux avocats, ce sont des éléments de décoration, sauf s’ils vont dans le sens du woman show de la juge. Alors bien sûr, demeure l’humour des situations, j’ai parfois ri ou souri, mais je n’en suis pas fier. Je crois que je me suis laissé avoir par la forme du montage en pseudo-zapping qui court-circuite la réflexion.

Quant au scénario, un mot sur son fil d’ariane : Comment peut-on, à la suite d’une enquête déterrer un cadavre, le découper à la scie électrique pour faire du spectacle. Et dans le casting, ce qui me sépare définitivement de ce spectacle c’est le choix de filmer cette femme délirante, qui a tenté d’étrangler son fils avant de le trainer dans la salle de bain et de l’égorger. Peut-on un instant imaginer ce que va être la vie de cette personne après son état délirant ? Abominable. Et cette fine équipe filme cette pauvre femme, et le juge qui lui fait relire le PV-Morbide-

Question :

le titre du film évoque « ni pute, ni soumise »… Curieuse association. A quel moment ont-ils trouvé ce titre?

Georges

« Seule sur la plage la nuit » de Hong Sang-soo

Ours d’Argent de la Meilleure actrice

Du 22 au 27 février 2018

Soirée débat mardi 27 février à 20h30

Film coréen (vostf, janvier 2018, 1h41) de Sang-soo Hong avec Min-Hee Kim, Young-hwa Seo et Hae-hyo Kwon

Distributeur : Capricci Films / Les Bookmakers

Dossier de presse *** Bande annonce ***Présenté par Françoise Fouillé

Synopsis : Quelque part en Europe. Younghee a tout laissé derrière elle : son travail, ses amis et son histoire d’amour avec un homme marié. Seule sur la plage, elle pense à lui : elle se demande s’il la rejoindra. Gangneung, Corée du Sud. Quelques amis trinquent : ils s’amusent de Younghee qui, ivre, se montre cruelle à leur égard. Seule sur la plage, son coeur divague : elle se demande combien l’amour peut compter dans une vie.

« le cinéma, c’est mieux que la vie » François Truffaut

La fiction c’est mieux que la réalité, mieux qu’une réalité imposée, mieux que la vie. « Seule sur la plage la nuit » en est une illustration.
Illustration à la Hong Sang-soo, c’est un film mais aussi son histoire, donc bien compliquée dans de très belles images bien limpides, zoomées souvent. C’est clair comme de l’eau de roche sauf que quand les images commencent à s’ajouter, à s’empiler, on serre bien fort le fil conducteur et on finit cramponné pour être sûr de ne pas le lâcher. Et comprenne qui peut, qui veut.

D’abord il y a Schubert. Pourvu que le pianiste soit européen… ouf ! il l’est ! J’ose dire dans ce blog assez confidentiel que, autant j’admire la virtuosité technique des musiciens du soleil levant autant je trouve que pour interpréter les pièces classiques de notre vieille Europe, il faut en avoir reçu l’âme en héritage. Ca fait la différence. A coup sûr.
Hong Sang-Soo est de mon avis (ça fait drôle d’écrire ça !)
Une seule et unique phrase du Quintet en ut majeur de Schubert revient en leitmotiv encercler son héroïne Young-hee, toute à l’écoute de son enfermement.

1ère partie
Hamburg, Bratwurst, nature, extérieur et courtoisie. Et plage.
Young-hee (on ignore tout d’abord qu’elle est actrice) et l’homme marié adoré (on ignore tout d’abord qu’il est (son) réalisateur) se sont quittés et la jeune femme cherche à trouver la sérénité, à se débarrasser de ce poids sur le cœur. Elle explique sa détermination à son amie. Peut-être viendra-t-il par le vol de 06h30 … Elle est arrivée par ce vol. Elle dit qu’elle va le rejoindre. Il est peut-être déjà là. Peut-être sont-ils arrivés ensemble ? Dans une salutation au soleil impromptue sur le petit pont de bois, elle en fait le serment : elle va vivre sa vie. Sa vie à elle. Quitte à être seule. Elle est jeune, les hommes la regardent, l’un d’eux, l’aborde dans le parc où elles se promènent pour lui demander l’heure, en coréen. Lui rappeler que le temps passe, que l’horloge tourne. Mais elle ne veut pas le voir, fuit quand elle l’aperçoit, au loin. A Hamburg, elle se régénère, mange, parle beaucoup de nourriture. Ca commence par une Bratwurst (miam, miam), déplore l’absence de soupe aux légumes pour cause de fermeture du petit restaurant « de contes de fées »(!) et reprend de la pasta al sugo chez l’ami de son amie. A Hamburg Young-hee est belle, elle a faim, elle marche. Arrivée sur la plage elle s’éloigne, enlevée par l’inconnu du parc, sans connaissance, pliée sur son épaule. Extérieur jour.

2ème partie
Gyeongju, soju, bière, béton, intérieurs et colère. Et plage.
Young-hee retrouve ses « amis » enfin ceux qu ‘elle connaissait avant et ne reconnaît pas. Comme cet ami plus âgé revu à la sortie du cinéma, où on la voit d’abord seule, dans la salle peuplée de sièges vides, fixant un point, l’écran, de ses yeux rougis. Ces gens ordinaires vivent leurs petites vies étriquées alors qu’elle … Elle a rencontré l’Amour. Elle chante son air de reine de la nuit à elle debout devant le restaurant d’un autre ami où son amour à lui, lui fait trier des haricots. Ils ne peuvent pas comprendre. Elle les exècre, images de vies qu’elle rejette absolument. Elle se fane, boit, assise, a « le soju mauvais »et s’emporte. Elle n’est plus en marche vers ailleurs, elle tourne en rond. Dans l’apparthotel avec vue sur la plage et le bleu de l’océan, de l’autre coté de la bow-window, il est là, l’inconnu. Il frotte la surface vitrée, tente de lui ouvrir les yeux, gesticule mais elle ne le remarque pas. Les autres ne peuvent pas le voir pas : il n’est visible que d’elle seule. Il s’immobilise enfin, comme scotché à la vitre, la fixe, Schubert, est venu la re-cueillir et l’éloigne, encore. C’est un moment fort. Non, le commun des mortels ne peut pas la comprendre. C’était le Grand Amour, retourné à son mariage, à son enfant. Elle l’a dit à son amie à Hamburg « Il a même un enfant ! et contre ça je ne peux rien ». Seule sur la plage, dans un sommeil glacé, elle revoit en rêve les déclarations d’amour de cet homme encensé … Il pleure. Et là, c’était comment ? « Très émouvant » s’accordent à lui répondre les stagiaires et autres assistante et scripte qui tiennent à garder leur job. On est où, là ?
Seule sur la plage, l’inconnu, hors champ, la sort de ce sommeil glacé, la remet debout. Plantant là l’inconnu, l’ange gardien, un bel homme supposé de sa vie à venir. Resté hors champ. Elle s’éloigne, seule sur la plage, extérieur jour.

Ce film m’a happée. C’est compliqué. Sûrement. On a eu bien froid en Corée le jour … Il nous en dit beaucoup Hong Sang-soo sur l’amour, les blessures de l’amour, les mirages de l’amour et finalement nous laisse imaginer Young-hee seule sur la plage la nuit.
Réveillée.

A revoir (- de 79 fois)

Marie-No

« 3 Billboards, Les Panneaux de la vengeance » de Martin McDonagh

Durée 115 mn

.Nationalité : Grande-Bretagne – Etats-Unis

Avec Frances Mac Dormand (Mildred Hayes) , Woody Harrelson (Bill Willoughby) , Sam Rockwell…

Genre Drame

Nationalités : Britannique, Américain

Synopsis : Après des mois sans que l’enquête sur la mort de sa fille ait avancé, Mildred Hayes prend les choses en main, affichant un message controversé visant le très respecté chef de la police sur trois grands panneaux à l’entrée de leur ville.

Après avoir fait sensation au BAFTA en ne remportant pas moins de quatre prix, je ne voudrais pas que Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, renommé en français Les panneaux de la vengeance, échappe à un article sur le blog des Cramés de la Bobine, je veux dire un vrai article, un plein article. Un article où lui seul a la vedette. Car il le mérite.

Ce film nous présente les trajets de vie de trois personnages d’Edding, une petite ville du Missouri, essayant tant bien que mal de trouver des réponses et un sens aux éventements traumatiques qui les a touchés. Le scénario se cristallise autour de trois panneaux dont le rouge va faire saigner cette petite route déserte du centre des États-Unis, panneaux dont la violence va trancher avec la tranquillité des paysages brumeux et impassibles, panneaux incriminant la police, et notamment son chef, de ne pas avoir arrêté le bourreau d’ Angela Hayes, violée et assassinée sept mois auparavant.

Dans un film classique, les personnages de la petite ville se demanderaient : « Mais qui a bien pu poser ces panneaux ??? », une enquête serait menée et à la fin du film, on trouverait le coupable. Mais pour son réalisateur, Martin McDonagh, la question n’est pas de savoir qui est coupable, ni pour les panneaux, ni pour le meurtre, mais comment on survit au traumatisme.

Et en effet, pas la peine de se demander qui a commandé cet affichage funèbre, puisque la réponse est évidente, la police, les élèves du lycée, les médias qui viennent l’interroger le savent, seule la mère d’Angela, Mildred Hayes est capable d’un tel passage à l’acte. Et même elle, lorsqu’elle est interrogée ne s’en cache, elle veut faire avancer l’enquête, que le criminel soit enfin trouvé, arrêté et jugé et pour se faire, l’omniprésence médiatique est sa seule arme pour que l’affaire ne sombre pas dans l’oubli.

Cette femme, dont l’interprétation de Frances McDormand est absolument remarquable – on a eu la chance pendant le week-end de rétrospective des frères Cohen de la voir dans des films déjantés tels que Sang pour Sang et Burn After Reading, elle livre ici une prestation subtile et dramatique – a une révélation en empruntant sa route quotidienne, celle où sa fille a été violée pendant son agonie avant de mourir. Utiliser les vieux panneaux publicitaires abandonnés quand cette route a arrêté d’être fréquentée et mettre en valeur pour y inscrire les messages : « RAPED WHILE DYING », « AND STILL NO ARRESTS » et « HOW COME, CHIEF WILLOUGHBY? » (« VIOLÉE PENDANT SON AGONIE », « TOUJOURS AUCUNE ARRESTATION » et « POURQUOI, CHEF WILLOUGHBY ? ». Elle va donc faire une offre que le publicitaire propriétaire des panneaux ne peut refuser (pour l’argent mais aussi par empathie, cette histoire a vraisemblablement marqué douloureusement toute la ville).

C’est comme ça qu’elle se lance dans ce qu’on pourrait appeler la BillboardsGate, sans vraiment réaliser la souffrance qu’elle va occasionner, ou pire, en la faisant passé au second plan. Au second plan de sa douleur, de son désir de justice, de son besoin de savoir qu’on n’oublie pas.

Car, certes les policiers incriminés vont en souffrir, la ville va la détester, mais c’est sur les amis de Mildred, le publicitaire, et surtout son fils que ça va retomber.

Son fils, qui fait face à la mort de sa sœur, explique ainsi au révérend qui vient faire la morale à sa mère, que la journée a été difficile au lycée, que les élèves sont choqués du comportement de sa génitrice et lui font payer à lui. Mais là n’est pas le plus important, il souffre lui-même de ces panneaux. Il explique dans une magnifique scène de huis clos forcé par les trajets en voiture sur cette fameuse route, que leur présence, plusieurs fois par jour, le ramène aux conditions horribles dans laquelle sa sœur a été tuée, détails qu’il aurait préféré ne pas connaître. Sa souffrance est immense, mais contrairement à sa mère qui explose de violence, il se replie dans sa coquille et essaye de ne pas faire de vagues qui dévoileraient sa colère. Pour éclairer les rapports entre lui, sa mère et sa sœur une scène de flash-back nous donne à voir ce qui s’est passé juste avant le meurtre. Ce qui aurait pu être une scène de dispute banale avec l’éclairage que nous connaissons de la fin qu’elle va prendre, devient terrible. Difficile pour la mère de ne pas culpabiliser quand elle a laissé partir sa fille à pied en lui disant « J’espère aussi que tu te feras violer. » Cette phrase résonne. Pour le spectateur, pour cette mère, mais aussi pour son fils qui l’a entendu, qui sait, et qui sait aussi que la dernière chose que lui a dite sa petite sœur c’est « Pourquoi n’es-tu jamais de mon côté ? ».

Mais le réalisateur n’en rajoute pas, il laisse juste cette brèche ouverte. La violence de cette famille est autrement plus compliquée. Notamment par le père des enfants, un policier violent, qui a visiblement tâché de se racheter une conduite en s’amourachant d’une gamine et en convainquant sa fille de venir vivre avec lui. Et ces panneaux vont inévitablement le toucher et le ramener dans la vie de Mildred, ce qu’elle avait cru pouvoir éviter…

Pourtant, si des plaintes sont posées et que tous lui en veulent, elle n’est étonnamment pas inquiétée par le chef de la police qu’elle cite pourtant nominativement sur un panneau. Et c’est là, la grande force du film : ne pas tomber dans les clichés, jamais. Les choses sont toujours radicalement différentes de ce qu’on connaît, et de ce qu’on s’imagine, comme dans la vie. Et si c’est souvent une grande force, c’est malheureusement aussi de ce côté que le film pêche un peu. Certains lui ont trouvé des lourdeurs, je préfère penser que le film a un problème de rythme. Que trop de choses sont amenées et que le réalisateur aurait pu arrêter le film avant. Mais en étant tout à fait honnête, oui, on doit pouvoir appeler cette démesure lourdeur… À chaque rebondissement je priais pour que le film s’arrête tellement on avait atteint une justesse qui inévitablement retombera comme un soufflet si on continue à souffler sur les braises de cette tragédie déjà trop développée. Et pourtant, à chaque fois Martin McDonagh arrive à nous faire découvrir une réelle subtilité amenée précisément par cette démesure. C’est fort. Très fort.

Alors même si je n’ai pas été toujours d’accord avec l’ajout d’un événement, finalement, en comprenant la possibilité sous-jacente qu’il implique, je ne peux que m’incliner.

Et pour l’expliquer, il ne me reste qu’à développer les deux autres personnages principaux.

Face à ce personnage de Mildred Hayes, il y a donc la police, et plus particulièrement deux hommes : le chef de la police : Willoughby, respecté de tous et mourant, et le policier américain lambda (non ce n’est pas à souhaiter) : violent, raciste et alcoolisé : Dixon. On a donc le bon policier et le mauvais policier… – Ça aurait pu être un sketch des inconnus, le bon policier, bon il mène son enquête et il boit, alors que le mauvais policier, il fait son enquête et bon, il boit !

Mais non, aucune caricature. Il faut s’enfoncer dans le film pour comprendre les subtilités des rapports entre ces deux-là.

Le film s’attarde d’abord sur le personnage de Willoughby, le chef de brigade, celui qui est responsable de l’enquête qui n’aboutit pas. Mildred cite son nom sur les affiches sans pourtant sembler avoir vraiment quelque chose à lui reprocher. Alors, il va venir la voir, lui expliquer une fois de plus qu’il n’y a pas d’élément et que dans ces conditions, l’enquête ne peut aboutir. Il est à l’écoute, presque réconfortant. Il finit par lui dire qu’il est mourant, espérant ainsi trouver chez elle l’empathie qui lui fera enlever ces panneaux. Qu’il puisse mourir en paix, sans ombre au tableau, en tout cas publiquement parce qu’il aurait vraiment aimé résoudre cette enquête. Mais alors là, elle lui rit au nez en lui répondant que toute la ville le sait, et que ce n’est pas ça qui va l’arrêter.

Alors, pour que sa famille ne le voie pas décliner, il décide de mettre fin à ses jours, finir dignement, dans la joie d’une belle journée arrosée et en famille. Et dans un rebondissement génial, il explique dans une lettre à Mildred qu’il a payé pour que les panneaux continuent à afficher son inaptitude à boucler l’affaire. Il dit le faire avec beaucoup d’humour pour que tout le monde la pense coupable de son suicide, mais on sent bien qu’il l’a fait à la fois pour se racheter de son impuissance et parce qu’il a entendu la démarche de Mildred. Cette affaire lui tient à cœur, et plus elle fera parler, plus la police aura une chance de coffrer le meurtrier. Ce sera son dernier geste dans l’affaire, comme un coup de pouce posthume. Et en effet, par deux fois, titillé par la médiatisation, un odieux personnage va se mettre dans la peau du tueur pour titiller son ego et se faire mousser. C’est lui le vrai méchant de l’histoire.

Et non pas cet horrible policier, réputé pour avoir tabassé des noirs parce qu’ils étaient noirs – comme quoi, Détroit, bien que film historique résonne toujours fort dans l’actualité du pays. Mais petit à petit, la personnalité de ce Dixon s’affiche dans ses failles et ses faiblesses. On le pardonnerait presque d’être violent et raciste aux vues de cette mère castratrice, violente (c’est elle qui lui souffle presque toutes ses mauvaises idées) et elle aussi alcoolique. Les chiens ne font pas des chats…

À l’annonce du suicide de son chef, qui on le comprend, est plus qu’un simple patron mais un véritable mentor qui le tient et le maintient à son poste pour ne pas qu’il plonge définitivement, il décide d’agir, de prendre les choses en main, «d’être un bon flic, d’aider les gens.». Et là. À l’écran, chose géniale qui ne se passe que trop rarement, la voix off est totalement opposée à ce qui se passe sur l’écran. Le personnage explique qu’il va être honorable, et on le voit dans un débordement de violence défenestrer le propriétaire des panneaux. Il n’a pas besoin de le chercher bien loin puisque son bureau est en face du sien. Il est fier de son acte, il explique même à sa victime «Tu vois, j’ai des problèmes avec les blancs aussi…». Ensuite, en effet, ça déborde de tous les côtés, il est viré, quelqu’un brûle les fameux panneaux, et Dixon se retrouve dans le commissariat alors que Mildred y met le feu.

Mais, comme je le disais, cette lourdeur n’est pas totalement veine, parce qu’il lit la lettre que son feu mentor lui a écrite pour lui dire qu’il pouvait devenir un bon flic, et qu’il avait besoin qu’enfin quelqu’un lui fasse confiance. Et à partir de là il va se donner totalement pour améliorer les choses. Pour commencer, il sauve le dossier (en effet bien maigre pour un homicide sur une adolescente) des flammes. Ça aurait pu être niaiseux, plein de bon sentiment, mais non, quand Mildred le voit, le visage et le corps brûlé, et découvre qu’il a sauvé le document, on comprend, sans le moindre mot, sans le moindre regard, qu’elle lui pardonne. Le film aurait pu (dû ?) s’arrêter là. Mais non, il se retrouve dans la même chambre que celui qu’il a lui-même défenestré, et il s’excuse. Mais genre sincèrement. Et on a envie de le croire tant on a l’espoir que sa vie a basculé entre ces deux instants. Mais l’autre ne pardonne pas. Pourtant, en bon samaritain, sans le moindre mot, avec un mépris tellement compréhensible, il lui offre un verre de jus d’orange.

J’ai envie de m’arrêter là dessus, sur cette sublime faculté de l’auteur à faire évoluer ses personnages, à les rendre plus humains qu’il ne l’était au début, de nous surprendre aussi en toute subtilité, alors qu’il déployait précédemment la grosse artillerie.

Mais ce serait oublier l’humour… Les touches d’humour dans cet univers tragique sont incroyablement succulentes. La rupture avec le drame est finement mise en œuvre pour nous faire sortir de tout le pathos qui se joue à l’écran. Et immanquablement, on suit. Ça tient surtout à deux personnages, James, Peter Dinklage qu’on adore dans Game of Thrones et qui manie l’autodérision de manière sublime, mais surtout, surtout, par la magie de celle qui joue Pénélope, Samara Weaving, la nouvelle petite amie de l’ex-mari de Mildred (tout est devenu tellement compliqué depuis que le divorce s’est démocratisé…). Cette fille a une capacité à capter l’attention pour déblatérer des absurdités déconcertantes avec une aisance absolument fabuleuse. Même si son petit ami étrangle son ancienne femme, lui-même menacé par son fils avec un couteau, elle arrive avec ses histoires de zoo et de chevaux pour handicapés, et on rit. Espérons la revoir dans d’autres rôles car sa prestation est incroyablement prometteuse.

Bref, Trhee Billboards nous plonge dans un drame d’une puissance dévastatrice et le réalisateur arrive à nous surprendre par sa justesse et son sens de l’humour qui rompent avec une certaine démesure narrative, le tout est brillamment interprété. Martin McDonagh nous offre un regard complexe sur la violence qui entache les États-Unis et sur la manière dont chacun gère personnellement le problème.

« I am not a witch » de Rungano Nyoni

Nominé à la Quinzaine des RéalisateursDu 8 au 13 février 2018Soirée débat mardi 13 février à 20h30Film franco-anglo-zambien (vostf, décembre 2017, 1h34) de Rungano Nyoni
Avec Margaret Mulubwa, Henry B.J. Phiri et Nancy Mulilo

Distributeur : Pyramide

Présenté par Jean-Pierre Robert

Synopsis : Shula, 9 ans, est accusée de sorcellerie par les habitants de son village et envoyée dans un camp de sorcières. Entourée de femmes bienveillantes, condamnées comme elle par la superstition des hommes, la fillette se croit frappée d’un sortilège : si elle s’enfuit, elle sera maudite et se transformera en chèvre… Mais la petite Shula préfèrera-t-elle vivre prisonnière comme une sorcière ou libre comme une chèvre ?

Rungano Nyoni à TV5 Monde *** Article de Jean-Pierre *** Dossier de presse *** Bande annonce ***Horaires

Jean-Pierre n’a pas manqué de signaler le côté original, curieux, inattendu, poétique et parfois drôle de ce film dramatique. Qui en effet a déjà vu quelque chose qui s’en rapproche ? « Je ne suis pas une sorcière » est un conte, celui de Shula, une petite fille venue de nulle part et désignée comme sorcière, promise à vivre comme telle, et ainsi stigmatisée, parmi elles. Du coup je vous livre une brève et arbitraire incursion sur internet et dans mes souvenirs brumeux autour de cette question.

Dans « médecins et sorciers »(1), Tobie Nathan et Isabelle Stengers ont écrit un essai sur cette question dont voici la 4^ème de couverture : « Nous croyons savoir ce que font les guérisseurs : ils s’appuient sur les croyances (irrationnelles) des patients et agissent de manière « symbolique » ; s’ils obtiennent des résultats, c’est grâce à leur capacité d’écoute. Nous croyons aussi savoir ce qu’est la médecine moderne : une médecine très technique, rationnelle, mais trop peu à l’écoute des patients. Dans ce livre, Tobie Nathan et Isabelle Stengers montrent que cette opposition est trompeuse. Selon Tobie Nathan, les guérisseurs sont intéressants justement parce qu’ils n’écoutent pas les patients : les techniques de « divination » s’opposent à celles du « diagnostic ». En interrogeant l’invisible, en identifiant ses intentions, ceux-ci construisent de véritables stratégies thérapeutiques dont les guérisseurs africains sont des virtuoses. La médecine moderne se caractérise, elle, par son empirisme et non pas par sa rationalité. Le thème de la rationalité sert à combattre les autres techniques de soin ».

S’il y a de bons guérisseurs il y a aussi de mauvaises sorcières (comme le souligne Marie-Annick, c’est son féminin) :

Le même Tobie Nathan, dans « L’Étranger ou le pari de l’autre »,(2) paru aux éditions Autrement, revient sur le phénomène des enfants sorciers apparu il y a moins d’une trentaine d’années. Faisant partie intégrante des sociétés africaines, la sorcellerie, qui vise aussi bien les albinos que les jumeaux, les enfants ou les handicapés, reste un élément indissociable du pouvoir ». Ça c’est pour le côté bon sorcier. Je crois me souvenir que dans un article, Tobie Nathan a ajouté que les accusations portées aux enfants de sexe féminin d’être des sorcières apparaissait de manière nouvelle dans les familles recomposées immigrées africaines, souvent évangélistes. Ce serait un moyen, dans une situation économique donnée, de se débarrasser sans trop pêcher, des pièces rajoutées en les renvoyant dans leur pays d’origine. Il y aurait en quelque sorte un bon usage de la sorcellerie enfantine.

On voit bien que cette petite Shula est une figure du bouc émissaire, c’est une petite fille errante de 9 ans , au regard pénétrant, ce qui la désigne, dans la circonstance où elle se trouve. On attachera une importance au sexe de l’enfant. (idem Marie-Annick). La circonstance particulière, l’identification de la sorcière se produit dans une communauté pauvre, qui ne doit pas voir d’un bon œil une bouche à nourrir. La circonstance plus générale c’est aussi des institutions et leurs représentants véreux, qui sont disposés à « accréditer » des sorcières pour des besoins divers, économico-touristiques.

Mais au fait, qu’en est-il de la sorcellerie en Europe ?

« Des chasses aux sorciers ont eu lieu en Europe avec des hauts et des bas jusqu’à la fin du XVIII^e siècle, principalement entre 1580 et 1630, faisant au total à travers les siècles un nombre considérable de victimes, qui reste cependant très difficile à estimer puisqu’on a peu de traces écrites des lynchages spontanés. Certains historiens l’évaluent entre 40 000 et 100 000. Ce qui représente en moyenne quelques individus par an, dans un pays comme la France, avec des flambées temporaires en Lorraine ou dans le Bordelais vers 1600 ».(3)

« À Bournel en France une femme accusée de sorcellerie fut brûlée par des paysans en 1826 et une autre sorcière jetée dans un four en 1856 à Camalès canton de Vic-en-Bigorre ».(4)

En 1977, (hier!) Jeanne Favret Saada publie « les mots, la mort, les sorts ». (5) Jeanne Favret-Saada, ethnologue de culture psychanalytique, enquête sur les sorciers et les jeteurs de sort du bocage mayennais. « L’idée du sortilège s’impose quand le malheur se répète : « vache qui meurt, fausse couche, pain qui ne lève pas… Aucune interprétation raisonnable ne peut alors prétendre résoudre l’énigme de la série qui n’appelle qu’une seule question : qui a jeté le sort ? Les vecteurs des sortilèges sont les mots. La parole maléfique doit être renvoyée à l’expéditeur pour qu’il en meure ».

Proche de nous, dans la profusion des romans sur la sorcellerie certains ont aimé ceux drôles, étranges, superbes de Marie NDiaye (6), «Loirétaine de naissance » par surcroît.

Tout ça pour dire que dans notre confort civilisé, la pensée magique et la sorcellerie (comme le furet qui coure de la chanson) ne sont jamais bien loin. Hier chez-nous, et curieusement aujourd’hui juste à côté de chez nous.

…Et dans la profusion des films sur la sorcellerie, demeure ce film qui comme l’a indiqué Jean-Pierre est original, beau, et profond. Et cette petite Shula est magnifique.

(1) Tobie Nathan et Isabelle Stengers « Médecins et sorciers » la découverte 2012

(2) Tobie Nathan, »l’étranger ou le pari de l’autre » Autrement 2014

(3)www. Wikipédia chasse aux sorcières

(4)www.lacauselitteraire.fr

(5) Jeanne Favret Saada, les mots la mort et les sorts Gallimard 1977

(6)Marie Ndiaye, plaçons- nous dans les brumes « d’un temps de saison » par exemple, continuons par le suivant, « la sorcière » etc.

« Les Bienheureux » de Sofia Djama

réalisation et scénario : Sofia Djama

Image : Pierre Aïm

Montage : Sophie Brunet

Interprétation : Sami Bouajila (Samir), Nadia Kaci (Amel), Amine Lansari (Fahim), Lyna Khoudri (Feriel), Adam Bessa (Reda)…

Distributeur : Bac Films Date de sortie : 13 décembre 2017 Durée : 1h42

Synopsis : Alger, quelques années après la guerre civile. Amal et Samir ont décidé de fêter leur vingtième anniversaire de mariage au restaurant. Pendant leur trajet, tous deux évoquent leur Algérie : Amal, à travers la perte des illusions, Samir par la nécessité de s’en accommoder. Au même moment, Fahim, leur fils, et ses amis, Feriel et Reda, errent dans une Alger qui se referme peu à peu sur elle-même.

Alger éblouit encore. On y passe quelques heures, une fin d’après-midi, une soirée, store relevé par Samir sur l’air devenu moins chaud, plus respirable, une nuit d’errances et de menaces.
Le matin revenu, Amal face à Alger fera coulisser le store à deux mains vers le bas, définitivement. Rideau.
La jeune réalisatrice, Sofia Djama nous présente ses personnages avec le brio qui caractérise les films choral limpides et instille par petites touches l’inquiétude. On ressent la peur installée saturant progressivement l’air ambiant. Ca poisse. L’espérance a depuis longtemps commencé sa fuite en arrière et enserre tour à tour dans ses filets ses derniers fidèles qui renoncent à lutter et se laissent emporter ou s’éjectent par une maille lâche pas encore réparée dans l’ailleurs, amputés.
Ce qui m’a frappée aussi c’est la maîtrise étonnante de la direction d’acteur dont fait preuve Sofia Djama. C’est un premier film !
Samir/Sami Bouajila est fatigué, fragile mais continue à donner le change, souriant, la tête haute.
Amal/Nadia Kaci, très belle, est magnifique en mater dolorosa, forte de sa détermination, de son obstination. Sa vie à elle ne compte plus depuis longtemps. Morte à petit feu avec les massacrés qu’elle n’a pas même pas eu le droit d’accompagner au cimetière, devenue fantôme, elle a posé les armes et ne rassemble les forces qui lui restent que pour « sauver » son fils. Malgré lui.
Feriel/Lyna Khoudri (prix d’interprétation à Venise dans la section Orizzonti et pré-sélectionnée aux Césars pour la révélation féminine 2018), est l’incarnation d’une génération en sursis. Elle doit négocier en permanence, batailler pour exister en tant qu’être humain à part entière, jeune fille encore libre de sortir, d’étudier, de courir, de conduire, de tomber amoureuse, de dire qu’un tapis, c’est un objet. Les règles changent et sa liberté devient conditionnelle. Elle sait bien que la lutte a commencé.
Le flic, personnage flou, flouté par l’Histoire, et Feriel ont un lien ambigu. Il a perdu ses femme et fille dans le même massacre qui les a, elles, tuées et a laissé pour morte Karima, la mère de Feriel. Karima, qui a choisi de succomber juste après, de se défenestrer, ne pouvant vivre avec la torture gravée dans sa chair. Ce flic qui n’a pas pu sauver sa famille, a-t-il sauvé Feriel, rescapée de l’horreur mais marquée à la gorge par les mêmes sauvages qui ont laissé sa mère morte-vivante ? Feriel condamnée à passer sa vie à essayer de combler des vides, à cacher des traces. bientôt déclarée responsable de ces marques qui dégoûtent ! Feriel se rend chez ce flic, elle a les clés, et ils peuvent vivre leurs douleurs ensemble dans la quiétude de l’appartement. « – je m’ennuie mais j’aime bien comment tu m’ennuies – moi aussi, j’aime bien m’ennuyer avec toi » . Il y a une douceur autour d’eux jusqu’au jour où il la serre trop fort. Ayant eu recours à lui pour secourir Fahim, ils se retrouvent dans la rue. Il l’invite à boire un café, dans un lieu public. Elle marche, cinq pas derrière. Déjà.
Et Fahim, Reda, Amine … rôles travaillés, personnages, tous, intéressants.
Toutes les scènes composent et tissent ce film intense, si beau.

Alger, 2008, sans voile, montrant ses blessures.

Marie-No

« Western » Valeska Grisebach

Du 1^er au 6 février 2018Soirée débat mardi 6 février à 20h30
Film allemand (vostf, novembre 2017, 2h01) de Valeska Grisebach avec Meinhard Neumann, Reinhardt Wetrek et Syuleyman Alilov LetifovDistributeur : Shellac

Présenté par Maïté Noël

Synopsis : Un groupe de travailleurs allemands débute un travail difficile de construction sur un site de la campagne bulgare. Cette terre étrangère éveille le sens de l’aventure de ces hommes, confrontés à leurs préjugés et à la méfiance des locaux à cause de la barrière de la langue et des différences culturelles. Les hommes vont alors tout faire pour tenter de gagner la confiance des habitants.Dossier de presse *** Bande annonce *** Horaires

Voici un film qui présentait le double avantage d’avoir un sujet original et d’être présenté par Maïté, elle nous a fait bénéficier d’une brève histoire du Western, jusqu’au « spaghetti », harmonica compris… ce qui n’est pas si fréquent.

Western donc, comme s’appelait Western un sympathique film de Manuel Poirier, vu en 1997 avec Sergi Lopez, et dont l’action se déroulait en ..Bretagne. Ici, vous avez lu le synopsis, il s’agit des travailleurs détachés allemands en Bulgarie, il n’y a pas que préjugés et méfiance, il y a aussi la barrière de la langue et de la culture…

Il y a ce jeu de la sympathie et de l’antipathie, des malentendus et des connivences. Il y a quelques bagarres et une sorte de duel entre le chef de chantier et Meinhard un ouvrier, un cheval, quelques paysages en plans larges, quelques gros plans…Bref, des ingrédients du Western.

Meinhard c’est le nom du personnage, du rôle principal et premier film de l’acteur Meinhard Neuman. Un personnage singulier, un ancien légionnaire, solitaire, revenu de tout, sans attache et sans toit. Il est allemand parce qu’on est toujours de quelque part, et qu’on en parle la langue. Légionnaire là-bas, travailleur mercenaire ici… Meinhard est étranger à tous, y compris à ses collègues, et il s’efforce de s’insérer parmi les gens de ce village bulgare, vivre, partager, quelque chose avec eux, qui ne serait pas simplement de circonstance. Et il semble y réussir parce qu’il est tenace et qu’il commence à compter pour eux. Une histoire simple celle d’un double cheminement, celui d’une communauté, et celui d’un homme.

…Et à la fois western et anti-western puisque le héros ne part pas à la fin, mais cherche au contraire à demeurer.

Ciné d’ailleurs, vu par Marie

LA DOULEUR

Mélanie Thierry livre une remarquable interprétation de l’incarnation de la douleur qu’est cette femme (Marguerite Duras) attendant le retour de son mari arrêté par le Gestapo.

Douleur de l’attente dans l’interrogation de revoir l’homme qu’elle aime ; douleur d’imaginer ses souffrances ou sa mort. Douleur devant l’ambiguïté de ses sentiments alors qu’elle se donne à un autre homme ; qu’elle en séduit un autre qu’elle utilise.

C’est la douleur qui lui permet d’exister durant ces longs mois d’attente. Mais la plus poignante douleur n’est-elle pas celle qui la submerge en découvrant que celui qui revient n’est plus celui qu’elle a tant attendu ?

STRONGER

Victime de l’attentat du marathon de Boston, Jeffrey est amputé des deux jambes, traité en héros par la foule qui l’ovationne. Ce que ne perçoit pas cette foule, c’est le regard empreint d’un insondable désespoir de ce héros bien malgré lui.

On se prend à exécrer la mère, alcoolique, tellement fière d’être la mère de ce héros, qu’elle reste indifférente aux réels besoins de ce fils sévèrement handicapé au point de se transformer en manager des relations publiques plutôt qu’être à l’écoute de la souffrance de Jeffrey.

Il n’y en a qu’une pour lui apporter l’aide véritable qui lui permet de gagner le combat : Erin, sa compagne, pleinement consciente qu’un « héros » mutilé est avant tout un homme à reconstruire.

Très beau film où l’interprète de Jeffrey (Jake Gyllenhall) est bouleversant d’humanité.

3 BILLBOARDS

Un film dur, le personnage principal en est une femme obsédée par la volonté que soit retrouvé l’assassin de sa fille. Parmi ceux qui l’entourent, deux policiers, de personnalité très différente, alimentent l’intrigue.

Le film ouvre la réflexion sur le désir de vengeance, ses ressorts inavoués, ses aveuglements et ses outrances ; sur son inanité aussi ; sentiment, profondément humain, auquel nous risquons tous d’être confrontés.

Frances McDormand est exceptionnelle de vérité dans ce rôle de femme implacable.

PENTAGON PAPERS

En 1960, aux USA, le poids du pouvoir exécutif sur la liberté de la presse sous forme de thriller haletant et passionnant. S’y ajoute la place accordée aux femmes ! Meryl Streep, qui incarne la présidente du Washington Post, révèle en finesse les doutes, les hésitations que lui imposent son statut de femme dans ce monde éminemment masculin. Les pressions et les tentatives d’influence dont elle est l’objet font douter jusqu’à la fin de sa décision… maintenant ainsi le suspense.