Mois : janvier 2024

Le Grand Chariot de Philippe Garrel

Le Grand Chariot, connu au Canada francophone sous le nom de Grand Chaudron, est un ensemble de sept étoiles particulièrement brillantes, les sept plus brillantes de la Constellation de La Grande Ourse. 
Ce n’est pas rien et, Le Grand Chariot, c’est le nom que le grand-père a choisi pour son théâtre de marionnettes repris par son fils qui va le transmettre à ses enfants. Un fardeau dont il va s’agir de se défaire, ou tenter de se défaire. Le théâtre en l’état ne peut plus fonctionner assez bien pour faire vivre toute la famille dans la grande maison de leur enfance. 
L’époque a changé et même si un enfant d’aujourd’hui se plonge bien sûr aussitôt tout entier dans les aventures de guignol, polichinelle, la princesse, le gendarme, le brigand avec la même ferveur, pas sûr qu’autour de cet enfant qui a le loisir de  crier « il est là, là, il est là ! » pas sûr que beaucoup d’autres enfants y soient un jour menés. Le Théâtre de marionnettes ne fait plus recette. Les marionnettes n’ont pas traversé le périph.
Le Grand Chariot, c’est l’histoire d’une famille de marionnettistes, d’une fratrie, Louis et ses deux sœurs, Martha et Lena, de leur père qui dirige la troupe, de la grand-mère Gabrielle (magnifique Francine Bergé), qui a, dans le temps, fabriqué les poupées et qui inlassablement les répare, coud et reprise les blessures de leurs vies. 
Ses blessures à elle, celles qui sont impossibles à réparer, tues jusqu’ici, s’échappent  maintenant qu’elle est vieille. L’amour attentionné qu’elle a passé sa vie à donner à chacun, s’étiole. Elle est arrivée là où le chemin se resserre, où il faut se concentrer sur soi-même.
Elle est arrivée à ce point où la distance avec le drame n’a plus à être tenue. Oublier pour survivre. Gabrielle va passer le relais.

Métaphore d’un monde d’hier qui, petit à petit, s’effrite, cette famille de saltimbanques va devoir évoluer, se disperser pour préserver sa solidité. Réparer sans faiblir ce qui pourrait la briser, la consolider grâce à ceux qui arrivent, la douceur des amoureuses, Hélène qui a le trac et Laure, le regard d’un bébé, la fragilité d’un peintre, Pieter, symbolisant la précarité planant toujours au-dessus de la scène artistique. 
« Les autres » sont ici considérés a priori comme le début de quelque chose de plus beau et à qui il faut consacrer du temps et de l’attention. 
C’est comme l’art du  Kintsugi/Kintsukuroi : réparer avec de l’or une poterie cassée et ainsi l’objet prend paradoxalement toute sa valeur d’avoir été brisé. C’est l’histoire de personnages ornés de leurs cicatrices qui déploient autour d’eux la pudeur de leurs sentiments. 
Les enfants ont grandi et vont vivre leurs vies plus ou moins vite avec plus ou moins de succès. Louis ne fait plus danser les personnages au bout de ses bras, il répète Le Jour des meurtres dans l’histoire d’Hamlet de Koltès au théâtre, un autre théâtre où le personnage c’est lui désormais, lui tout entier. Martha (Esther) investie par son père adoré de la lourde charge de ce théâtre le voit, miraculeusement, par une belle nuit d’orage être anéanti. A quelque chose, malheur est bon ! C’est sa chance de se bousculer, de rencontrer « un allemand » qui l’emmène avec lui, ailleurs, sur une voie peuplée d’autres  marionnettes, à fil celles-là. Léna, la plus jeune va pouvoir se plonger dans l’écriture de sa pièce.

Le Grand Chariot est une oeuvre cinématographique très personnelle de Philippe Garrel, un grand metteur en scène, qui parle de la représentation, de bienveillance, d’entraide et de transmission. 

Une belle famille dans un beau film.

Marie-No

Oui, je sais …  
ça, c’est une autre histoire

Les Filles vont bien- Itsaso Arana

Avec le concours des Cramés de la Bobine, les filles vont bien atteignent presque les 5000 spectateurs en France, voici un film, dans la veine de ceux de Jonas Trueba, dans lequel il ne se passe presque rien. Presque rien, sinon un instant de vie.

Le cinéma d’Itsaso Arana est dans la veine de celui de Jonas Trueba, mais plus radical encore. Pas l’ombre d’un drame, ni d’un effet comique à l’horizon. Cinq filles viennent séjourner à la campagne, dans une vieille demeure, un ancien moulin de la région de Leon. Elles y font du théâtre, l’une est Metteuse en scène, les quatre autres sont des artistes, certaines sont déjà célèbres, d’autres moins, comme dans la vraie vie.

Elles décident de filmer les répétitions et leur vie, ainsi les dialogues de répétition se mêlent à ceux de leur vie ordinaire. (Nous avions vu une amorce de cela dans Vania 42ème rue de Louis Malle). Un film où il ne se passe presque rien donc, et de plus pour aggraver la situation, les actrices sont belles. Et s’il y a une chose qu’on ne pardonne pas à la beauté, c’est de l’être sans être exploitée. Alors, si l’on peut se demander par quel miracle ce film a été distribué, on peut aussi se demander pour qui ?

Hasardons un début de réponse : Pour ceux qui ont vu les films de Trueba, ceux qui aiment les belles images, la musique de Bach par Keith Jarret, pour tous les autres qui aiment également la grâce et l’aisance de ces filles. Ce film veut transmettre le simple bonheur d’exister, d’être et de faire des choses ensemble, la sororité aussi, (comme le dit Françoise)-. Je me demande ce que Vladimir Jankelevitch, le philosophe du « je-ne-sais-quoi et du presque rien » aurait dit de ce film, sans doute des choses positives, j’en suis sûr.

Dans « les filles vont bien », il y a cette mise en abyme, où des actrices jouent des actrices qui jouent. Itsaso qui assure la Direction d’acteur en est le comble. Elle quitte la réalisation (la réalité) pour devenir une actrice qui joue la réalisatrice. Et son personnage nous donne une leçon de Direction d’acteur, elle partage, laisse vivre, favorise l’expression des émotions de ses artistes. Elle crée des conditions pour que leur travail continu de construction et d’amélioration de leur personne comme de leur personnage advienne. Elle fait en sorte que chacune mette dans son rôle le meilleur d’elle même, et ce meilleur attendu, c’est la joie. Et en effet, les filles vont bien.

En fait ce film aux allures cool, sans la moindre provocation, qui semble plat, nous montre aussi à quel point nos attentes cinématographiques sont conditionnées par le drame et la comédie, par les passions en somme. Alors oui, ce film n’a pas de succès, il ne propose rien que de montrer des jeunes qui vivent et travaillent, tout au plaisir d’être et d’être ensemble…

Georges

La Vénus d’argent de Héléna Klotz

Pour se procurer le costume, « la panoplie », qu’elle n’a pas les moyens de s’acheter, Jeanne fracasse une vitrine et en sort mutilée.
Marquée dans sa chair pour avoir voulu franchir le plafond de verre.
C’est la 1ère scène de La Vénus d’argent et une des plus iconiques.

Ce film met en avant la difficulté de passer d’un univers social à l’autre, d’en transgresser les barrières, de la possibilité de changer de monde et de s’y intégrer. Il évoque les questions du genre, des premières amours, et du consentement.
L’existence de Jeanne se divise en 2 univers. D’un côté, son univers d’origine, la caserne, sa petite chambre d’enfant, sa famille et, de l’autre côté, l’univers visé : le quartier des affaires, La Défense, l’argent, la liberté.
La Vénus d’argent reprend les codes des récits de transfuges de classe, aborde la difficulté à se faire une place quand on ne baigne pas dans le milieu.
Dans la sphère hyper-masculine de la finance, Jeanne se veut « neutre comme les chiffres », soldat non genré, « quant » (trader algorithmique) en devenir.
A travers des dialogues travaillés de façon presque documentaire, le film réussit à montrer un monde de la finance virulent et acerbe, peuplé de « killers » stylés, avec signes extérieurs de richesse très codés.
L’une des trames narratives les plus intéressantes du film réside dans la relation entre les personnages de Jeanne et Augustin, incarnés par Claire Pommet et Niels Schneider.
Niels Schneider apparaît ici en militaire égaré et incertain, déjà bien cabossé. Un personnage ambigu et marqué par ce qu’il a déjà vécu dans sa jeune vie. Droit dans ses bottes de soldat avec dans la tête une chapelle dans le désert. Augustin Saint -Augustin.
Sur ce qui s’est passé entre eux il y a quatre ans, pas de scène explicite qui ferait toute la lumière. L’important pour la réalisatrice est de montrer qu’Augustin écoute et entend Jeanne quand elle lui rapporte la souffrance qu’elle a vécue par sa faute.
L’important c’est qu’il lui en demande pardon. Héléna Klotz choisit de montrer une issue inhabituelle au cinéma quand il s’agit de violences sexuelles : la réparation.
Les décors signés Olivier Lellouche et la photo de Victor Seguin (Gagarine) contribuent à nous faire entrer dans le monde de Jeanne : sa chambre, hors du temps à la fois chambre de soldat et chambre d’enfant, avec un plafond d’étoiles, seul refuge de ses nuits sans sommeil et dont elle apprend le chemin à ses frère et sœur. Pour les « affaires », les espaces sont métalliques, open spaces à la fois possibles et abstraits, l’hôtel particulier vide, sans âme, comme inhabité, avec de rares éléments de décoration, choisis et luxueux : un crâne, un bouquet de fleurs, quelques œuvres d’art comme une sculpture de Xavier Veilhan, une forme floue devant laquelle Jeanne se tient bien droite presque comme devant un miroir à cet instant là de sa vie. Le film oscille entre lumière bleue et lumière jaune.
Dans ce film tout est soigné, les dialogues bien écrits, les scènes parsemées de détails subtils (la main d’Augustin qui attend celle de Jeanne), les acteurs adultes et enfants tous convaincants, rien n’est laissé au hasard y compris la musique, signée par le frère de la cinéaste, Ulysse Klotz.
Héléna Klotz nous offre un univers cinématographique porté par le physique, pour interroger au mieux “le genre, l’ambition féminine et la violence” selon ses propres mots.
Et en effet La Vénus d’argent est un film qui se vit par le corps, une fable organique sur la classe sociale, le genre, le pardon et la réparation.
Un beau portrait d’une jeune femme du XXIème siècle.

Marie-No

Le ravissement- Iris Kaltenbäck

Le ravissement c’est d’abord l’histoire d’une grande amitié.
Lydia l’une des protagonistes pensent d’ailleurs qu’elles sont reliées par un long fil invisible. Ainsi elles se partagent une seule dose de bonheur pour deux. Cette Pensée est essentielle pour bien saisir l’enjeu du film.
Et c’est bien tout le problème de cette histoire d’amitié certes mais pas que… Histoires d’amour, de familles, de bébés, de mensonges, de manques…
Le film dès le début nous fait rencontrer Lydia que l’on suit à travers Paris et qui rejoint son amoureux pour aller fêter ensemble l’anniversaire de Salomé.
Mais le garçon souhaite rompre, ça ne fonctionne pas. Il faut réfléchir… Lydia se braque et part seule à la fête.
Nous rencontrons alors Salomé, nous les voyons s’amuser toutes deux, faire les folles puis se retrouver à l’écart des autres où va se vivre un moment qui fera peu à peu basculer l’histoire vers autre chose. Le test de grossesse positif de Salomé et ou l’on découvre le premier mensonge de Lydia qui chargé de lire le résultat l’annonce tout d’abord négatif avant évidemment de se rétracter. Que se passe-t-il chez la jeune femme à ce moment précis ? Cette petite ombre qui passe, imperceptible…
Lydia, sage-femme de profession, sera présente pour accompagner la maman tout au long de la grossesse. Très présente jusqu’à l’accouchement, moment intense car tout n’est pas facile dans cette naissance. Le bébé tarde, la maman est épuisée, le papa présent et impuissant. Lydia gère, Lydia dirige sous le regard de plus en plus inquiet de ses collègues. Lydia veut donner naissance à ce bébé jusqu’à lui donner vie une fois l’enfant sorti avec ce massage éprouvant ou nos propres cœurs s’arrête de battre tant l’inquiétude est présente. Puis le bébé crie et tout retombe. Peurs, incompréhensions des collègues, notre inquiétude sur le sort de la petite fille.
Petite fille évidemment… Les voici trois maintenant à se partager la dose de bonheur.
Ce sera Lydia qui trouvera le prénom du bébé. Edmée – celle qui est aimée. Ainsi elle lui donne vie et identité, telle une maman.
En parallèle, Lydia croise un soir Milos, conducteur de bus.
Milos un solitaire, comme Lydia. Deux esseulés se racontant, passant une nuit ensemble, se quittant car Milos explique à Lydia, qui s’accroche, que c’est terminé, qu’il n’envisage pas autre chose.
C’est un nouveau rejet pour la jeune femme si seule et cherchant l’amour et l’attention. Elle vacille mais sa peine est invisible aux yeux de tous.
Nous retrouvons Salomé, jeune maman, fatiguée, le baby blues la guette… Mais Lydia est là pour aider, s’occuper du bébé, le promener. Elle est si seule, de l’autre bord, celle hors famille, hors cadrage. Comme on pressent sa tristesse, sa solitude quand elle est chargée de prendre la photo des parents et grand-mère autour du bébé, dans la chambre de l’accouchée. Une nouvelle ombre…
Pour laisser la jeune maman se reposer, l’amie emmène le bébé, le promène, l’exhibe à la vue de tous.
Jusqu’à devenir enfin visible dans cet ascenseur quand cette femme attendrie la regarde, la félicite pour son bébé, les yeux brillants pleins de ravissement. Ainsi elle devient celle qui fera basculer l’histoire. En effet, Milos venu rendre visite à son père malade assiste à la scène et prend le relais. « C’est ta fille ? « Lui demande-t-il.
Alors Lydia s’autorise à répondre oui, à lui annoncer ensuite que la petite est sa fille. Rien de prémédité, les circonstances, le besoin d’amour toujours et tout devient possible.
La préméditation vient ensuite. Lydia s’enlise, déraille, s’organise… Milos voit sa fille le mercredi, jour ou Lydia prend le bébé pour soulager Salomé qui peine à reprendre pied.
Lydia s’empêtre dans le mensonge. De plus en plus gros. Jusqu’à cette scène où elle est présentée bien malgré elle à la famille de Milos. Famille si gentille, si heureuse de la rencontrer avec la petite. Pour nous spectateurs le malaise est présent. On a peur pour elle, on craint la chute…
La chute arrive avec, au retour chez les jeunes parents l’annonce d’un départ rapide de la famille pour Bruxelles. Plus rien ne va !
Lydia persiste. Elle a droit à sa part de bonheur elle aussi. Lydia rejetée à nouveau.
Et c’est là que tout bascule.
L’escalade n’est plus enrayable. Jusqu’à cette scène à l’hôtel ou l’on ne peut que souffrir avec elle. Certes on la condamne pour ses actes mais il est difficile de ne pas ressentir une grande empathie pour cette femme broyée par son manque d’amour.
Elle paiera… Et sa vie sera peut-être meilleure. La fin du film laisse ouvert le champ des possibles.
Ce bel ouvrage de cinéma nous laisse avec mille questions. Qu’est-ce que la maternité ? Faut-il mettre un enfant au monde pour naître parents ? Jusqu’où une grande solitude peut-elle nous mener ? Qu’est ce qui va soudainement faire basculer une vie ? Des questions sur l’illusion, le mensonge…
Le film est très fort et puissant par la façon dont il nous malmène avec une grande intelligence et une parfaite maitrise. Iris Kaltenbach et ses comédiens sont si justes, si réels que l’on pourrait se croire dans une docu fiction de grande qualité.
Les scènes à la maternité sont réelles et l’on ne peut en douter. Hafsia Herzi qui joue Lydia dans sa grande simplicité de jeu arrive à nous permettre de ressentir la tempête émotionnelle qui l’anime. Tout cela de façon subtile, avec un jeu très fin et efficace.
L’une des belles idées du film également est la voix off (celle de Milos) qui raconte les faits après le procès apprend – on très vite.
J’écris plusieurs semaines après avoir vu le film et il est encore très présent en moi. Bousculée, je le suis encore des semaines après et j’aime ce que ce film a laissé en moi.
Ces questions en suspens, ces doutes, le plaisir d’avoir vu un bon et beau film d’une réalisatrice qui risque de nous bousculer encore.
La joie et le plaisir de m’être laissé embarquer toutes émotions dehors et un nouveau film à ajouter à mes films de l’année.


Sylvie Cauchy

Invasion Los Angeles-John Carpenter

« tu devrais mettre des lunettes ou changer de lunettes …..»

Entendu souvent dans des réunions politiques ou syndicales.

Convaincre quelqu’un « qui ne veut pas voir » ou « lui ouvrir les yeux » est un long combat, c’est pourquoi, contrairement à d’autres spectateurs j’ai apprécié ce long et beau combat de catch entre John et Frank : Frank qui ne veux pas mettre la paire de lunettes.
***
Ils se sont rencontrés sur leur lieu de travail, sur un chantier du bâtiment où ils sont manœuvres.
Frank propose à John un hébergement, dans cette ville symbole de la prospérité américaine, un abri dans un bidonville. Cette entraide, cette « solidarité prolétarienne » est immédiate, sans condition – il n’est pas anodin pour John Carpenter que l’un soit noir et l’autre blanc.
Nous imaginons facilement que Frank sait tout des injustices de cette société, il a été obligé de laisser femme et enfants à Cleveland, ville en ruine suite à la crise de la sidérurgie, mais il ne veut pas voir la réalité que pourtant il connaît, il ne veut pas être entraîné dans une lutte qu’il pense sans issue car il a la charge d’une famille.
John vient d’arriver à Los Angeles, il vient de Denver où il a travaillé pendant 10 ans avant d’être licencié, mais lui il est libre, il n’a pas charge de famille il peut prendre le risque de perdre son travail.

C’est John qui découvre que des émissions pirates de télévision appellent les gens à se révolter et qui découvre le groupe révolutionnaire à l’origine de ces émissions et qui fabrique des lunettes noires – le manifeste du parti communiste ? Le petit livre rouge?
Ces lunettes noires permettent de reconnaître les membres d’un groupe d’envahisseurs qui exploitent les travailleurs – allégorie de la lutte des classes.
Elles donnent aussi une autre vision des affiches publicitaires « Consommez » « Dormez », « Regardez la Télévision », « Obéissez »…
Après cette longue lutte John parvient à convaincre Frank de mettre ces lunettes et de l’aider à agir. Les deux hommes se rendent à une réunion clandestine de résistants tenant tête aux « envahisseurs », et apprennent que certains humains collaborent pour s’enrichir. Ils retrouvent Holly (1) jeune femme travaillant à la Télévision, et qui semble désormais gagnée à leur cause.
Mais après cela le repaire est investi par la police, qui massacre impitoyablement les rebelles – Holly serait celle qui a averti la police en plus d’être une « chienne de garde » (2)?
Traqués, Nada et Frank parviennent à la station où travaille Holly. Frank est tué par celle-ci, Nada l’élimine et parvient à détruire l’émetteur, avant d’être lui-même abattu, alors en ville, les envahisseurs apparaissent sous leur hideux visage…


John Carpenter a été « accusé d’être communiste » il fait une analyse marxiste de la société américaine mais il fait aussi une critique politique : John vient de découvrir la réalité de l’oppression capitaliste, révolté il est impatient il veut agir tout de suite, contrairement au groupe révolutionnaire clandestin qui fabrique et compte distribuer les lunettes noires, par son action il va certes démasquer les « envahisseurs » mais réduire en cendres le projet révolutionnaire.

Henri

Notes :

(1) qui m’a fait penser à la « Môme vert de gris » polar de la Série noire de Peter Cheney

(2) essai pamphlètaire de Paul Nizan