Novembre 1953, 1h49 ressorti en salles le 22 juin 2020 (diffusé actuellement sur Ciné+classic)
Six histoires par six grands metteurs en scène italiens sur la misère de l’amour à Rome au début des années 50.
Amore che si paga de Carlo Lizzani Tentato suicido, de Michelangelo Antonioni Un’agenzia matrimoniale de Federico Fellini Storia d Caterina de Francesco Maselli Paradiso per 3 ore de Dino Risi Gli italiani si voltano d’Alberto Lattuada
Ce film, vu hier soir sur Ciné+classic m’a fortement impressionnée et juste avant que notre WE du cinéma ne commence, aujourd’hui à 14h30 ! Ce sextuple portrait de la jeune fille italienne des années 1950 entre en résonance avec la société contemporaine. En 1953, l’Italie se reconstruit. En 1953, à Rome, autour de Rome, c’est la misère noire, très très noire … Le cinéma italien, lui, par les succès du courant néoréaliste, commence sa renaissance et Cesare Zavattini (scénariste avec Vittorio de Sica sur Ladri di biciclette, Miracolo a Milano …), initie ce film de six sketchs et autant de regards portés sur la condition féminine en 1953, à Rome et qui en 2020 nous étourdissent, certains plus que les autres, tant ils se catapultent avec la condition féminine d’aujourd’hui, cf le sketch final, Gli italiani si voltano d’Alberto Lattuada ! Ces courts métrages de 1953 sont à mille lieues des sketchs satiriques du cinéma italien des années 1960 et 1970 ! Dans L’Amore in citta, Federico Fellini, Dino Risi ou Michelangelo Antonioni racontent des « histoires vraies », caméra au poing, collée à la misère, dressant le portrait-type de la jeune fille pauvre italienne du début des années 50. Les cinéastes sont de reporters, leurs scénarios, des faits-divers. Pour Un’agenzia matrimoniale, Fellini filme déjà un journaliste faussement désinvolte qui plus tard se perdra dans La dolce vita, tandis que dans Paradiso per 3 ore Dino Risi promène sa caméra sur ses congénères au dancing en un tableau où jeunesse, beauté, laideur, fraicheur et transpiration se mêlent devant son regard sarcastique. en un bouquet entêtant.
L’Amore in citta, est à voir assolutamente !
L’occasion de renouer avec un cinéma exigeant et hyper réaliste et le temps du pain noir où rien ne portait à sourire … Mais le temps de la comédie italienne et son pain blanc allait arriver !
Un « Amore in citta » aujourd’hui serait noir et sans gluten
Film franco-algérien de 2 heures 13 minutes tourné en Algérie et dont la sortie a été retardée par le confinement. Réalisation, scénario et montage sont l’œuvre d’Amin Sidi-Boumediene.
Interprètes : Slimane Benouari (S.), Lyes Salem (Lofti),
Synopsis : Algérie, 1994. S. et Lotfi, deux amis d’enfance, traversent le désert à la recherche d’Abou Leila, un dangereux criminel. La quête semble absurde dans l’immensité du Sahara. Mais S., dont la santé mentale est vacillante, est convaincu d’y trouver Abou Leila. Lotfi, lui, n’a qu’une idée en tête : éloigner S. de la capitale. C’est en s’enfonçant dans le désert qu’ils vont se confronter à leur propre violence.
Amin Sidi-Boumediene avait 10 ans en 1990 quand la violence a commencé à frapper
en Algérie et il ne mesurait pas les tenants et les aboutissants de la
situation. Son grand frère lui a transmis son amour du cinéma. Il est parti en
France faire des études au Conservatoire libre du cinéma pour se former à la
technique. Il y a appris le métier d’assistant réalisateur et travaille depuis
10 ans en Algérie.
Amin Sidi-Boumediene ainsi que la script Sandra di Pasquale
ont répondu à l’invitation des Cramés de la bobine et ont participé à l’animation
de cette soirée.
Film – Révélé en 2019 à Cannes à la semaine de la critique, Abou Leila,
road movie halluciné à travers une Algérie cernée par la violence, est enfin
sorti en salles le 15/07/2020. Le réalisateur explique que son projet de long
métrage est né d’un court métrage qui relatait la chasse au guépard d’un homme
recueilli par les touaregs. Il est à rappeler que l’Algérie, un pays musulman,
a été la première victime du terrorisme islamique.
Abou Leila est, avant tout, un thriller policier par moment fantastique
et par moment un film d’horreur qui montre un pays imaginaire, qui nous fait
rentrer dans la sensibilité des personnages, dans leur regard, leur fiction.
C’est aussi une histoire de traumatismes qui ne sont ni guéris, ni pris en
charge. Ce film parle de l’humanité, au sens large, de n’importe quel pays
plongé dans la violence où l’être humain fait l’expérience d’une réalité
oppressante, qui peut être traumatisante jusqu’à la folie.
Le spectateur est plongé dans une confusion étrange et importante sans début ni fin et qui n’est jamais expliquée. Le film ne cesse de muter. Il débute au son du chargement d’un revolver, un homme ouvre le feu et tue un avocat qui sort de chez lui.
Loin de la ville une voiture fonce vers le sud, à travers le
Sahara algérien. A son bord, Lofti policier de la brigade anti-terroriste et
S., ami et ancien policier que Lofti a sorti de son asile psychiatrique, qui
poursuit de manière obsessionnelle un mystérieux homme : Abou Leila. Ils
quittent la folie urbaine pour une folie sans limite dans le désert.
Ce film à l’atmosphère anxiogène montre la fraternité de deux
hommes en fuite, désireux de s’extraire de la violence en traversant le désert.
Les hallucinations de S se superposent au réel et finissent par le
dissoudre : des hommes deviennent des bêtes sauvages, d’autres viennent et
disparaissent. Les illusions et la narration sont perturbées par des pistes
constamment brouillées.
Face à cette sauvagerie incontrôlable, les rapports peuvent
se renverser. En effet, dans l’immensité du désert les âmes et leurs lois ne
sont plus qu’animales.
Une chose est sûre : ce film ne laissera personne
indifférent.
Les Choses qu’on dit, les choses qu’on fait Emmanuel Mouret : On dit qu’il est proche de Rohmer et de Woody Allen, nous pouvons aisément partager ce point de vue. Mais il y a chez Emmanuel Mouret une touche qui lui est propre. Nous avons tous vu beaucoup de films dont les personnages amoureux ou désireux de séduire, vont de l’un à l’autre, dans la plus grande indécision, les deux réalisateurs à qui on le compare nous en donnent un exemple, on pourrait en ajouter bien d’autres. « Dans les choses qu’on dit », il y a autre chose qu’un simple marivaudage ou qu’une valse des sentiments, dans son film, l’amour y est chose heureuse et douloureuse à la fois. En contrepoint de l’attrait, du désir de l’autre, et du bonheur qu’on espère, il y a souvent la douleur d’aimer avec son cortège : Inquiétude, hésitation, culpabilité, renoncements, accommodements, regrets et souffrance. Mais la vie va, avec toujours ce désir qui brûle ou picote, lui au moins est aussi fidèle qu’une ombre. Très belle distribution pour ce film remarquable. A l’Alticiné de Montargis
Jinpa Conte tibétain de Pema Tseden, hier soir, bien heureux d’avoir vu ce premier film tibétain. Les grandes largeurs filmées avec du 1.33 ça donne de la hauteur, de vastes cieux, et de très belles images. Jinpa dans son camion hors d’âge, écoutant au sol e mio en radio cassette sur des routes cahotantes écrase un mouton qu’il charge dans son camion, puis prend en stop un voyageur un jeune homme, un certain Jinpa. Et ce Jinpa ne voyage pas pour rien, il a pour projet d’assassiner un homme qui a tué son père. Un film insolite qui nous montre un monde un peu onirique, entre la tradition et cette modernité qui pointe son nez. Avec humour, générosité, spiritualité et poésie . A l’Alticiné de Montargis
Adieu les cons, un film d’Albert Dupontel qui sortira le 21 octobre 2020 avec Virginie Efira, Albert Dupontel et Nicolas Marié. C’était en avant-première à Fontainebleau avec la présence de Dupontel himself. Voici le synopsis : Lorsque Suze Trappet apprend à 43 ans qu’elle est sérieusement malade, elle décide de partir à la recherche de l’enfant qu’elle a été forcée d’abandonner quand elle avait 15 ans. Sa quête administrative va lui faire croiser JB, quinquagénaire en plein burn-out, (et oubli du synopsis, viré de manière moderne) et M. Blin, archiviste aveugle d’un enthousiasme impressionnant. À eux trois, ils se lancent dans une quête aussi spectaculaire qu’improbable. C’est un film tragicomique, un peu fou comme tout ce que fait Dupontel, à y regarder de près, grave. Au moment du débat Dupontel était pressé d’en finir, il parlait vite en n’était pas toujours sympathique. En fait, ce soir-là, allez savoir pourquoi, il fut le plus mauvais promoteur de son film. Il y a des soirs, où il vaut mieux rester au chaud. Exceptionnellement Ciné-Paradis Fontainebleau
Dans un jardin qu’on dirait éternel de Tatsushi Omori. vivre sa vie comme une cérémonie de thé avec l’actrice japonaise Kirin Kiki, morte en 2018 que nous connaissions bien aux cramés de la bobine puisqu’elle est de presque tous les films de Kore-Eda, que nous l’avons aussi vu dans « les délices de tokyo de Naomi Kawase. Ici elle est la maitresse Takeda qui enseigne chez elle l’art de la cérémonie du thé. C’est en accompagnant Niriko (Mikako Tabe) que nous suivrons ce rituel. L’effort pour l’apprendre, la constance, la persévérance, nous paraissent presque absurdes, mais curieusement, on regarde, et on comprend que la cérémonie immuable du thé n’est que prétexte à autre chose de nature spirituelle, qui exige la perfection du geste, et une attention de tous instants. Le Zen nous échappe, on comprend que le geste change celles qui s’y appliquent et l’héroïne qui jamais n’a renoncé, deviendra Maitresse à son tour… Vox Château-Renard
Ondine est un Drame romance Allemand Français de Christian Petzold avec Paula Beer, Franz Rogowski,
Synopsis : Ondine vit à Berlin, elle est historienne et donne des conférences sur la ville. Quand l’homme qu’elle aime la quitte, le mythe ancien la rattrape : Ondine doit tuer celui qui la trahit et retourner sous les eaux…
Paula Beer l’actrice principale (et superbe) a 25 ans et elle a déjà 13 films à son actif, deux fois meilleur espoir, elle obtient avec Ondine, l’ours d’argent de la meilleure actrice. Et il faut bien le reconnaître, elle est belle et fascinante dans son rôle. Il y a aussi le fameux Franz Rogowski, (vous vous souvenez, Valse dans les allées). Ondine est la transposition d’une légende germanique. Et on ne peut s’empêcher de penser qu’un tel film aurait eu toute sa place dans une sélection des cramés de la bobine. Maïté nous aurait aidés à mieux le regarder. Si vous avez eu la patience de lire ces lignes, allez le voir. A l’Alticiné de Montargis
Encore un mot, avec ses salles grandes, hautes et spacieuses, avec son équipe professionnelle sympathique et rigoureuse, L’Alticiné respecte scrupuleusement les gestes barrières. Le ciné, un art à défendre!
Pour les scènes du couple Tabard, François Truffaut avait demandé à Michael Lonsdale la permission de tourner dans son grand appartement pour sa belle lumière et la vue sur la tour Eiffel.
On imagine Michael Lonsdale, alors, profondément heureux : il tournait avec Delphine Seyrig. Il s’appelait Georges Tabard, elle était Fabienne Tabard, et elle était là, chez lui, avec lui.
On sait qu’elle fut la seule femme de sa vie : “J’ai vécu un grand chagrin d’amour et ma vie s’en est trouvée très affectée. La personne que j’ai aimée n’était pas libre… je n’ai jamais pu aimer quelqu’un d’autre. C’était elle ou rien et voilà pourquoi, à 85 ans, je suis toujours célibataire ! Elle s’appelait Delphine Seyrig.” Le dictionnaire de ma vie, 2016
Michael Lonsdale resta toute sa vie dans cet appartement. Et il vient d’y mourir.
Conservant toujours sa grande classe naturelle et cette voix si profonde, blanche et gutturale modulée d’accents fragiles et haut perchés, sa barbe et ses longs cheveux blancs ont fini par adoucir son physique imposant qui servit si bien tous ses rôles souvent inquiétants de hauts fonctionnaires, de bourgeois et d’hommes d’église.
Plus de 50 ans de cinéma et de théâtre !
Michael Lonsdale, s’il a joué dans de grosses productions et pour de grands auteurs internationaux comme Orson Welles, Manoel de Oliveira, Raoul Ruiz, Luis Bunuel, n’a jamais cessé d’offrir son talent au cinéma d’auteur français : Marguerite Duras, Jacques Rivette, François Truffaut, Jean Eustache, Alain Resnais, Joseph Losey, Jean-Pierre Mocky, François Ozon, Sophie Fillières, Nicolas Klotz et Xavier Beauvois. C’est pour Des Hommes et des dieux qu’il reçut en 2011 son seul et unique César.
Acteur de théâtre et de cinéma, metteur en scène de théâtre et d’opéra, récitant, peintre, adieu Michael Lonsdale
Synopsis : Nina et Madeleine sont profondément amoureuses l’une de l’autre. Aux yeux de tous, elles ne sont que de simples voisines vivant au dernier étage de leur immeuble. Au quotidien, elles vont et viennent entre leurs deux appartements et partagent leurs vies ensemble. Personne ne les connaît vraiment, pas même Anne, la fille attentionnée de Madeleine. Jusqu’au jour où un événement tragique fait tout basculer…Notes de débat sur Deux
Belle séance, les cramés de la bobine sont les plus fidèles parmi les bons spectateurs! On se rappelle que ce film est né de deux événements : » J’avais envie de raconter l’histoire de deux femmes qui s’aimaient en secret. Mais je ne savais pas comment la mettre en scène. Un jour, un ami m’a parlé de deux femmes âgées qui vivaient au-dessus de chez lui. Elles étaient veuves depuis peu et habitaient l’une en face de l’autre. Et pour se sentir moins seules, elles laissaient toujours la porte ouverte. C’est à partir de cette anecdote que le film a commencé à germer dans mon esprit.
Beaucoup d’interventions éclairantes au moment du débat : Parmi elles, notons l’intervention d’Henri qui explique ce premier plan déconnecté du reste, qui est un clin d’œil à Hitchcock. Cette technique dont il nous dit qu’elle est proche du « MacGuffin » qui est un élément de l’histoire qui sert à l’initialiser, voire à la justifier, mais qui se révèle, en fait, sans grande importance, ensuite il souligne le clin d’œil au film « les oiseaux ».
Probablement ce film fourmille d’autres connivences dont certaines nous échappent, ça commence dès le titre du film, ce Deux, est le troisième du nom. Il y a eu Claude Zidi 89 et Wherner Shroeter 2002. Il y a dans ce dernier film deux prénoms proches de ceux du « Deux » actuel : Anna et Magdeleina.
Si avec Hitchkcok, tout renvoie à tout, Filippo Meneghetti dans son propre style, lui aussi, apprécie les correspondances, les analogies, les renvois. Madame D. observait l’accompagnement musical du film. Dans une interview, Filippo Meneghetti fait observer le contraste entre l’espace clos étouffant, lieux du secret de ces deux femmes avec celui du CinémaScope plus généralement réservé aux extérieurs. Il joue également du contraste entre les deux appartements, celui de Madeleine et celui de Nina. L’un dépouillé, l’autre presque étouffant. Nous observons aussi que par un jeu de champ et de contrechamp, il s’amuse de la rondeur de l’œilleton de la porte et les yeux ronds de Murielle. (Et là, ce serait un peu un gag Tati).
Mais l’originalité du film, c’est tout de même cet amour secret, qui ne peut exister qu’en lieu clos, à l’abri du regard de tous, et plus particulièrement des enfants de Madeleine. Dans Gérontologie et Société, le philosophe Bertrand Quentin écrit que les vieux, aux yeux des plus jeunes, entrent dans une espèce de neutralité sexuelle : « Notre société ressent du dégoût devant l’idée d’une sexualité des personnes âgées. Celles-ci n’auraient plus ces beaux corps présentés en permanence à nos yeux par la publicité. Leurs corps seraient caractérisés par la douleur et la défaillance ce qui s’opposerait à tout désir ».
Cette question est sous-jacente dans « Deux ». Les enfants s’interrogent sur la sexualité de leur mère. Frédéric, le fils soupçonne sa mère d’avoir trompé son père et le lui dit agressivement. (Œdipe quand tu nous tiens !). Chez Anne, cette idée de neutralité sexuelle de sa mère la rassure (en attendant de faire d’elle un juge peu clément).
Le Paradis des deux amantes est Rome où elles se sont rencontrées et aimées. Leur projet, sortir de ce cocon étouffant pour Rome, de s’y envoler comme deux papillons et y vivre le reste de leur vie. Nina est libre, ce que montre son appartement, à peine habité, peu investi. Mado ne l’est pas. Elle est prise dans un conflit décisionnel insurmontable. Elle estime devoir protéger ses enfants contre une vérité impossible : leur avouer qu’elle aimait une femme, et vouloir partir… De ce conflit, elle souffre corps et âme, aussi n’est-il pas étonnant, dans ces conditions de tension interne qu’elle fasse un AVC. Ici, l’AVC devient un territoire qui n’est ni Rome, ni son appartement, mais qui nous le verrons, sera une autre prison.
A l’occasion de la maladie de sa mère, Anne va en effet découvrir qui elle est. Une femme qui en aime secrètement une autre, depuis longtemps, bien avant la mort de son mari. Et ce n’est pas tant l’homosexualité que cet amour caché qui cause son dépit, son sentiment d’avoir été trompée, et sa vindicte. Et c’est aussi à ce moment que pour ma part, pour la première fois, je vois dans un film qu’on parle de la prétention des enfants à intervenir frontalement dans la sexualité de leurs parents âgés. Le cinéma prend en charge cette chose pourtant si courante, bien connue en gérontologie, mais si peu abordée ailleurs.
Le rôle d’Anne est beau, et à l’égal de celui de Nina et Mado, il est bien servi. Anne chemine, elle est intelligente et sensible, elle bouge, elle comprend. Elle comprend d’autant lorsqu’elle voit la toute vive, la guerrière, Nina, celle qui s’est dépouillée de tout, qui a choisi de n’avoir rien d’autre que son amour pour Mado, venir l’enlever dans l’Ehpad. Cette scène est épatante.
Passons à la scène finale, dans l’appartement dévasté de Nina (après l’intrusion du fils de Murielle), Madeleine et Nina dansent. Nina pleure. Le scénario ne le prévoyait pas. Barbara Sukowa a laissé libre cours à son émotion. Et nous sommes gagnés par cette même émotion. Sur le pallier, on entend Anne qui crie, ouvrez, ouvrez! je n’avais pas compris!
« C’est la seconde fois que j’entends ce mot à la fin d’un film, la première n’est vraiment pas fraîche : Alec Guinnes, Colonel Nicholson dans le Pont de la Rivière Kwaï ! »
Synopsis : 25 jours en immersion dans la prison des Baumettes. 30 000 mètres carrés et 2 000 détenus dont la moitié n’a pas 30 ans.Une prison qui raconte les destins brisés, les espoirs, la violence, la justice et les injustices de la vie. C’est une histoire avec ses cris et ses silences, un concentré d’humanité, leurs yeux dans les nôtres.
Tout d’abord, qu’est-ce qu’une prison en France ?
Les prisons françaises sont des lieux privatifs de libertés gérés par l’administration pénitentiaire, elle-même rattachée au ministère de la Justice depuis 1911. Le rôle de la prison en France est entre autres de protéger la société contre les individus dangereux. Au-delà de l’exécution de la peine de privation de liberté, cela passe également par la mise en œuvre de leur réinsertion afin de prévenir le risque de récidive.
Les maisons d’arrêt accueillent les prévenus ainsi que les détenus dont le reliquat de peine est faible (inférieur à deux ans) ou dont le jugement n’est pas encore définitif (procédure d’appel en cours par exemple), alors que les centres de détention reçoivent les détenus condamnés définitivement à de longues peines et les maisons centrales les détenus les plus difficiles.
Mais parlons maintenant du film
« Des hommes » qui nous narre le quotidien des prisonniers de la
maison d’arrêt des Baumettes, située dans le 9ème arrondissement de
Marseille, avant sa rénovation qui a débuté en 2017.
A mon avis, ce film est une perle
rare car point de violence, point de voyeurisme ou de sensationnalisme, juste une caméra posée, qui
fait la différence avec de nombreux autres films sur le sujet, qui enregistre la
vie, les espoirs, les désespoirs, le manque de vision pour pouvoir se
construire un éventuel futur et aussi la vie de détenus qui n’ont pas leur
place dans cet établissement mais dans un hôpital psychiatrique.
Les problèmes
soulevés par ces prisonniers sont ceux de jeunes citoyens français laissés pour
compte quant à leur scolarisation et leur insertion dans leur vie d’adulte. Malheureusement,
aux problèmes récurrents des maisons d’arrêt, est venu s’ajouter celui de la
radicalisation, tel que nous le montre ce prisonnier très calme et qui ne fait
pas de bruit. Trop peu de bruit ??
Dans « Des
« hommes », on est loin des détenus violents et du personnel
pénitentiaire sadique, comme cela est trop souvent montré mais nous voyons les
limites du système judiciaire lorsque la juge refuse une sortie à un détenu qui
a une promesse d’embauche, trop complaisante dit-elle, car il peut récidiver.
Il faut bien
admettre que ce film nous renvoie à une partie de notre société que nous ne
voulons, très souvent, pas voir mais est-ce que l’enfermement est la meilleure
réponse ?? Je ne le crois pas car elle crée des êtres enragés et des
récidivistes en puissance. Un plus grand nombre de travailleurs sociaux
aiderait à résoudre ce problème de récidive, car c’est là le cœur du problème.
La récidive.
Eblouissante construction en flashbacks, histoires qui s’emboitent dans le récit, tiroirs qu’on ouvre et qu’on referme pour éclairer le présent.
Remarquable choix des extraits musicaux qui accompagnent toujours à propos, sans surligner.
Justesse de l’analyse des sentiments amoureux. Jeux de l’amour et du hasard.
Qualité des dialogues, écrits, littéraires sans êtres châtiés, sonnant justes : ici, point de langage parlé, à la mode, familier pour faire, soi-disant, naturel.
Qualité de la diction : point d’acteurs qui marmonnent en mangeant les syllabes façon Vincent Lacoste. Ici on articule et je comprends sans effort tous les dialogues, c’est bien agréable et quand même pas compliqué.
Intelligence. Elégance. Délicatesse.
« C’est fin, La Fontaine », dit Fabrice Luchini. C’est fin, Emmanuel Mouret, ça, c’est moi qui le dis.
Emmanuel Mouret : le plus grand réalisateur français actuel ?
16 septembre 2020 / 2h02 avec Camélia Jordana, Niels Scheider, Vincent Macaigne, Emilie Dequenne, Jenna Thiam, Guillaume Gouix, Julia, Piaton, Jean-Baptiste Anoumou
Synopsis : Daphné, enceinte de trois mois, est en vacances à la campagne avec son compagnon François. Il doit s’absenter pour son travail et elle se retrouve seule pour accueillir Maxime, son cousin qu’elle n’avait jamais rencontré. Pendant quatre jours, tandis qu’ils attendent le retour de François, Daphné et Maxime font petit à petit connaissance et se confient des récits de plus en plus intimes sur leurs histoires d’amour présentes et passées…
Alors, je l’ai vu. Hier. Alors … Alors, Emmanuel Mouret c’est bien, l’homme travaille beaucoup, il sert des films léchés, bien éclairés, bien écrits et il a un style. Ça, oui. Oui, mais. Mais je reste sur le côté, je n’entre pas vraiment dans son monde. A part Mademoiselle de Jonquières, non, le cinéma de Mouret ne me transporte pas. A vrai dire, Les choses qu’on dit, les choses qu’on fait est tellement bien préparé, ficelé, si bien bardé de dialogues et truffé de morceaux de musique pour être forcément savoureux, qu’il rassasie (pour ne pas dire « gave »). Tout est fait pour régaler et c’en est un peu écœurant. Il y a un truc dans la sauce … Trop riche et puis certains ingrédients au lieu de transcender le goût, en atténuent la saveur. Ça manque de piment. D’abord, puisque la musique est là et bien là, les airs choisis auraient pu être un peu moins convenus, entendus, rabâchés, un peu moins fades, quoi. Mais, surtout, le jeu des acteurs pose problème. Mis à part Emilie Dequenne (excellente) et Louis-do de Lenquesaint et peut-être, à la limite, Guillaume Gouix … Tous les autres sont plutôt assez mauvais. A commencer par Camélia Jordana. Dire qu’elle manque de générosité dans son jeu est un euphémisme ! On a sans cesse envie de lui dire de se lâcher, de laisser suinter les sentiments, de teinter son texte d’un peu d’empathie, de jouer Louise, quoi ! de ne pas être « que » Camélia Jordana. Niels Schneider est très embarrassant, il se bride tant, s’efforçant pendant tout le film d’entrer dans l’enveloppe étriquée du gentil et timide Maxime, qu’il en perd sa puissance de jeu, qu’il gomme son talent. Quel dommage que le dosage ne soit pas plus subtil ! Pour Vincent Macaigne, on l’a à l’oeil, redoutant qu’il parte en vrille mais non, ça va, il se tient à carreau dans son rôle de François, l’homme un peu mûr, un peu lâche, un peu pleutre. Quant à Jenna Thiam, n’en parlons pas ! insupportable dans le rôle de Sandra l’insupportable qui (donc) fait tomber tous les hommes ! Pas léger, léger … Le gros problème, pour moi, chez Emmanuel Mouret, c’est la direction d’acteurs. Et les personnages aussi quand même ! A part Louise (Emilie Dequenne) qui m’a émue ? Les choses qu’on dit, les choses qu’on fait, j’ai eu plaisir à le voir mais pas vraiment apprécié. Un cinéma très délicat, très VIème, très entre-soi, très comme il faut, pas tout à fait comme il (me) faut. S’il ne m’a pas impressionnée comme je le souhaitais, j’aime bien le message du film. L’amour, c’est une loterie, un jeu de « qui perd, gagne », un jeu de « qui gagne, perd », un jeu de hasard, une volonté, une lutte, un caprice, une persévérance. L’amour fait vivre.
Film documentaire français 19 février 2020 1h23 Présenté par Marie-Annick Laperle soirée mardi 15 septembre 2020 à 20h30
Sujet : 25 jours en immersion dans la prison des Baumettes. 30 000 mètres carrés et 2 000 détenus dont la moitié n’a pas 30 ans. Une prison qui raconte les destins brisés, les espoirs, la violence, la justice et les injustices de la vie. C’est une histoire avec ses cris et ses silences, un concentré d’humanité, leurs yeux dans les nôtres.
« toutes les villes ont des particularités : ses remparts, son église du XVIIe, (…). À Marseille, on pourrait dire : son stade, son musée, sa prison. » J.R.Viallet Achevé en 2018, quelques semaines avant la fermeture du bâtiment, Des Hommes a pour cadre la prison des Baumettes, dont les conditions de détentions ont été jugées inhumaines en 2012 par le contrôleur général des lieux de privation de liberté et a été fermée en 2018. Les deux réalisateurs se sont plongés en immersion totale pendant 25 jours dans le quotidien infernal des détenus, « dans ce lieu de privation de liberté où l’objectif est de punir ». On a l’impression que tout est mis en place pour qu’ils ne puissent rebondir. Une plongée saisissante et fascinante dans l’enfer de cette prison insalubre, surpeuplée et mythique, pour esquisser le portrait de détenus à la vie suspendue, englués dans un système judiciaire obtus. Les Baumettes semblent constituer un cadre pour les jeunes détenus : ils y vont, sortent, reviennent, repartent. Et reviennent. « Quand la prison commence à devenir un cadre pour la jeunesse, ça interroge, c’est problématique » dit A. Odiot . « Quand on cherche dans les détails, dans les recoins et dans les petits moments de relations humaines, on voit que l’humanité peut resurgir » confie J.R. Viallet. Jamais montrée, la violence est omniprésente. Les morts en promenade, à la douche. Un homme condamné pour sept ans dit joliment « la prison, c’est la cuisine du diable – soit t’es le couteau, soit t’es la fourchette ». La caméra baladeuse chope le quotidien, saisissant autant ce que les détenus veulent dire, essaient de dire, que ce qu’ils laissent échapper, et ce qu’ils veulent taire. Si l’innocence peut être surjouée le temps d’une commission disciplinaire, la souffrance, elle, n’est pas feinte et transpire à chaque plan. Des moments de grande lucidité suivis de regards dans le vide,, comme si mieux valait de ne plus penser. On y repère un Benni au masculin. Un documentaire exceptionnel sur des enfants devenus des hommes. Des hommes qui nous regardent. Terrible.
J’ai hésité à écrire cette critique tant la grande majorité des spectateurs a accueilli favorablement ce film.
Je ne vais pas m’appesantir sur la forme : j’ai trouvé le son (les cris de Benni, la musique) assez difficile à supporter et j’ai peu apprécié les gros plans, les images floues et d’une manière plus générale la construction du film.
C’est surtout le fond du film qui m’interpelle : la gentillesse du personnel, l’amour qu’il semble porter à Benni sont-ils les ingrédients nécessaires et suffisants pour soigner cet enfant violent ?
La tolérance dont elle fait l’objet est insupportable : la violence qu’elle exerce sur un enfant plus jeune qu’elle entraîne de graves blessures qui auraient pu entraîner la mort mais des conséquences de cette violence on n’ en dit rien, les parents de cet enfant victime n’apparaissent pas, pire le lendemain Benni reçoit un cadeau et des signes amicaux des autres enfants et du personnel pour son anniversaire. Accueillie après une fugue, chez son éducateur – qui ment en disant qu’elle n’est pas chez lui, des dizaines voire des centaines de policiers vont être mobilisés toute la nuit à sa recherche ! – elle s’empare du bébé de la famille et le met en grave danger, le père a, me semble-t-il, beaucoup d’hésitations avant d’enfoncer la porte !
Pourquoi tant d’amour, tant de tolérance? Est-ce dû à sa beauté, souvent filmée en gros plan de face ou de profil ? Si c’est le cas, cet amour est plutôt dégoûtant !
Pour conclure l’institution veut régler le problème en l’exportant au Kenya comme on exporte des ordures ménagères ou des déchets industriels.
J’ai entendu un commentaire d’un spectateur disant que ce n’est pas en France que l’on donnerait autant de moyen pour l’enfance : Je l’invite à regarder le film « Pupilles » qui traite de la protection de l’enfance dans un département breton.
(excellente) et Louis-do de Lenquesaint et peut-être, à la limite, Guillaume Gouix …
