« De l’autre côté de l’espoir » d’Aki Kaurismäki

Meilleur réalisateurDu 27 avril au 2 mai 2017Soirée-débat mardi 2 à 20h30
Présenté par Marie-Annick Laperle

Film finlandais (mars 2017, 1h38) de Aki Kaurismäki avec Sherwan Haji, Sakari Kuosmanen et Ilkka Koivula .
Titre original : Toivon tuolla puolen

Synopsis : Helsinki. Deux destins qui se croisent. Wikhström, la cinquantaine, décide de changer de vie en quittant sa femme alcoolique et son travail de représentant de commerce pour ouvrir un restaurant. Khaled est quant à lui un jeune réfugié syrien, échoué dans la capitale par accident. Il voit sa demande d’asile rejetée mais décide de rester malgré tout. Un soir, Wikhström le trouve dans la cour de son restaurant. Touché par le jeune homme, il décide de le prendre sous son aile.

Poignardé, avant de lâcher prise, de franchir cette dernière porte qui ouvre sur l’autre côté, Khaled espère encore : sa blessure n’est pas grave, d’ailleurs le pansement n’est pas souillé, il est « le meilleur des frères » et se rend au rendez-vous avec sa sœur Miriam
Puis il va se reposer, s’adosser à un arbre et il contemple ce paysage d’usines, de cheminées d’usine, de travail, de salut, d’espoir, là, juste là, sur la rive, de l’autre côté de cette eau, en compagnie  de la petite chienne, indésirable comme lui, qui devait se planquer comme lui.

Pourtant, la-bas, avant, de l’autre côté, il avait fait aussi de belles rencontres.
Dont Mazdak, le réfugié irakien qui espère depuis plus d’un an qu’on débloque sa vie, qui partage tout avec lui, les peurs aussi, qui l’aide à retrouver sa soeur et à s’arranger pour les papiers en 2 clics et quelques billets. Mazdak le conseille aussi sur le comportement à adopter pour être un « bon » demandeur d’asile : sourire, toujours, mais pas n’importe quand, n’importe comment. Surtout pas dans la rue, le métro ! pas devant tout le monde ! on le prendrait pour un fou ! Sourire quand alors ?
A Mazdak, Khaled, bon élève, se dira tombé amoureux de la Finlande … et pressé d’en partir !

On apprécie les dialogues bien écrits, on rit aux répliques caustiques semées  tout au long du film, on rit plutôt intérieurement, vite fait car, juste après, on est replongé dans le quotidien et ses tourments.
L’absence totale de sourires est frappante. C’est, paradoxalement,  dans les yeux de Khaled, qui vient de l’enfer d’Alep, qu’on voit poindre parfois une amorce de joie et qu’on voit sourire quand il tient sa soeur dans ses bras.
Les personnages finlandais, pourtant, jusqu’ici, de fait, du bon côté de l’espoir, ne sourient pas du tout.

Il n’y a aucun enfant.

De nombreux personnages, travaillés, étonnants, captivants, certains loufoques, peuplent ce film :

La femme en bigoudis attablée devant un beau gros cactus tout rond auquel elle a fini par ressembler, fumant devant le cendrier plein de mégots , la bouteille de Koskenkorva à portée de main, quittée par son mari, ailleurs

Calamnius, le portier, toujours resté célibataire mais, attention, par choix ! Vrai ? On en doute.

Mirja, la serveuse, droite comme un I, impeccable, en kimono aussi

Nyrhinen, le cuisinier de formation basique tendance conserves, sachant néanmoins s’adapter et élaborer des mets cosmopolites « revisités » avec beaucoup de fantaisie, qui a cette faculté rare, de dormir debout avec la clope au bec (tout le monde fume beaucoup dans le film) et ne rate aucune occasion de poser une louche sur son épaule gauche comme pour en écouter la douce musique ou bien pour la protéger des salissures …

les musiciens d’un autre temps

les joueurs de poker

l’infirmière qui, pour avoir su ouvrir une porte, au bon moment, devient salvatrice.

Et puis il y a Wikhstrom, Waldemar de son prénom, qui a voulu changer, qui a bazardé ses chemises, qui a quitté sa femme pour mieux la retrouver, qui a cru en sa bonne étoile et a tout misé sur l’avenir. Il gagne parce qu’il est lui, qu’il est généreux et qu’il a tout à perdre. Personnage magnifique, désemparé et bienveillant, main tendue à Khaled à qui il donne l’essentiel : la dignité en lui ouvrant son restaurant pour manger, y travailler, en lui donnant un toit, son local de stockage devenu donc un « palais ».

Mais, voilà, la peur de l’étranger, du « chamelier » est là, dehors, qui guette et qui terrasse.

La vie de Khaled, plein d’espoirs, s’ouvrait pourtant en grand angle sur le port noir d’Helsinki illuminé …

Ari Kaurismäki est entré dans le cercle pas fermé de mes Hommes préférés.

Marie-Noël

« Certaines femmes » de Kelly Reichardt

Soirée-débat mardi 25 à 20h30
Présenté par Eliane Bideau

Film américain (vostf, février 2017, 1h47) de Kelly Reichardt avec Kristen Stewart, Michelle Williams et Laura Dern

Synopsis :Quatre femmes font face aux circonstances et aux challenges de leurs vies respectives dans une petite ville du Montana, chacune s’efforçant à sa façon de s’accomplir.

 

Cette Amérique-là, on la suppose mais on ne la voit quasi jamais comme ça, de si près. C’est très intéressant.

On y est à Livington et à Belfry, Montana, dans le « far north west »où les Chrysler et les pick up Ford ont remplacé les chevaux, où des indiens, vêtus de copies flashy de leurs costumes traditionnels, se donnent en spectacle dans une galerie marchande et ça ne choque plus personne depuis longtemps, où la junk food a envahi les restaurants.
Les vastes étendues et les montagnes alentour n’y changent rien : la vie, ici, est d’une tristesse poissante. Certaines femmes et les autres y vivent pourtant, sillonnant cette contrée en long, en large et en travers, sans issues, bloquées.
Laura est avocate de routine sans passion, sans compassion, désabusée. Laura a un amant Ryan, avocat aussi. La belle scène de la chambre éclairée de la lumière de la mi-journée, par un jeu de portes, de cloisons et de miroirs, nous dit la situation : ils ont deux visages et sont dissociés. L’homme, qui se rhabille, est son amant et il est marié. De retour de son « lunch meeting », elle doit se coltiner William Fuller, son client, qui fait le siège dans son bureau, revient toujours pour tenter d’entendre ce qu’il veut qu’elle lui dise. Elle lui redit alors toujours ce qu’elle peut lui dire : non, il n’obtiendra pas gain de cause. La loi c’est la loi. Il n’a aucun recours. Devoir le lui faire confirmer par un collègue, homme, l’humilie.
Après bien des péripéties, des situations plus ou moins crédibles, William, en prison, quitté par sa femme pour un « correspondant » écroué comme lui (dans le Wyoming en plus !) , tentera d’établir avec Laura une relation, épistolaire. Pour commencer.
Ryan, l’amant, qui a quitté Laura, par téléphone (encore un courageux), est marié à Gina, petite personne pas très sympathique, vaillant petit soldat, hyperactive, déterminée. Elle l’aura sa maison construite avec les pierres de l’ancienne école, qu’elle a enfin réussies à obtenir d’Albert, vieil homme solitaire dans son temps arrêté.
1976, c’est l’année restée dans la tête d’Albert ou bien c’est l’année où se passe le film ? Alors là ? Quelqu’un le sait ?  Pas de repères. La musique : de la country depuis des décennies et pour des décennies, les vêtements : informes, du pêche (du taupe !), les coiffures : quelles coiffures ?, les maisons, les routes … ? Guthrie, la fille de Gina et Ryan a les écouteurs de son walkman vissés aux oreilles. En 76, il y avait déjà des walkman(s) ?
Si ça se passait maintenant, elle jouerait en plus du sms.
Jamie est indienne. Son monde, son espace et son temps ont été balayés, depuis longtemps, les chevaux ne sont plus libres. On voit cet enfermement intérieur et extérieur par la scène répétée où les chevaux passent cette barrière pour rentrer à l’écurie le soir et pour sortir dans l’enclos le matin. On voit leur captivité aussi par la scène répétée de la distribution du foin par Jamie fonçant sur son quad poursuivi par la chienne, lucy.
Dans cette vie solitaire, monotone, survient LA rencontre de sa vie, Beth. On assiste à son coup de foudre. Ses jours s’en trouvent illuminés, les mardi et jeudi où elle la voit, l’écoute faire son cours, la regarde manger, toujours en retrait, s’empêchant d’accepter de partager son repas, les autres jours à attendre que ces deux jours là arrivent. Jamie est amoureuse . On est ému, lorsqu’on la voit, rayonnante, honorée de se voir distribuer par Beth, comme à tous les auditeurs, la feuille de cours, qu’elle ne pourra, pourtant, peut-être, pas lire. Et on imagine que le trajet du centre de formation jusqu’au restaurant, à cheval avec Beth en croupe, collée dans son dos, restera dans ses souvenirs un des plus beaux moments de sa vie.
Beth ne la conforte ni ne la décourage. Elle ne la voit pas vraiment. Elle aime bien cette jeune femme qui l’écoute à Belfry, si loin de Livingston et où elle souhaite ne plus venir, s’étonne à peine du long trajet qu’elle a effectué, Belfry-Livingston, quatre heures de route, pour, seulement, la revoir, ne s’étonne pas qu’elle l’ait trouvée dans la ville.
Beth trace sa route vers l’ascenseur social. Inaccessible au reste.

Un beau film qui s’étire, comme le temps dans le Montana.
Un beau film qui nous donne le temps de regarder certaines femmes.

Et puis un film avec Kirsten Stewart, pour moi la meilleure actrice de sa génération. Magnétique.

Marie-Noël

« Moonlight » de Barry Jenkins

Oscar du Meilleur film, du Meilleur acteur dans un second rôle, du Meilleur scénario adapté (1)Du 13 au 18 avril 2017Soirée-débat mardi 18 à 20h30
Présenté par Laurence Guyon

Film américain (vostf, février 2017, 1h51) de Barry Jenkins avec Alex R. Hibbert, Ashton Sanders et Trevante Rhodes.

Synopsis : Après avoir grandi dans un quartier difficile de Miami, Chiron, un jeune homme tente de trouver sa place dans le monde. Moonlight évoque son parcours, de l’enfance à l’âge adulte.

Ce drame social nous montre autant de personnages, autant d’individus qui ne se confondent pas, qui sont uniques.

Barry Jenkins, avec Tarell Alvin McCraney nous racontent cette histoire, de l’intérieur .
La violence est partout.
L’humanité aussi.

On est entré  dans ce ghetto de Miami avec Little, on y reste avec Chiron. On en sortira avec Black. Pour entrer dans un ghetto d’Atlanta etc ..
Une seule et même personne à trois âges de sa vie,dans un lieu universel avec la particularité de ne regrouper que des noirs.

Little est innocent, né dans cet enfer dont il apprend les codes. Mutique et fragile. Ça fait mal de le voir vivre ce calvaire. Après une incursion dans une zone de danger, lié au monde de sa mère, c’est Juan, le dealer en chef, baraque de 2m , 100 kgs de muscles, qui le prend sous son aile, le nourrit. Avec Teresa, sa compagne, qui exhibe ses charmes généreux, très moulés, vitrine du produit qu’elle vend. Ils vont lui vouloir du bien. Généreux et tolérants. C’est à eux que Little, différent, posera la question brutale avec ce mot employé par les autres, et par sa mère aussi. « C’est quoi, une tapette ? Comment je saurai ? » « Tu sauras ».
Juan lui apprend à nager, très belle scène à fleur d’eau.  On est dans l’eau, dans le bain avec eux.
Juan lui apprend aussi à ne jamais tourner le dos à une porte, pour toujours voir ce qui va arriver, qui va arriver. L’avenir de Chiron est donc écrit. Juan disparaîtra brutalement, sans surprise. Ca aussi c’était écrit. Il a vu venir un certain temps, mais n’a pas pu sauver sa peau. Juan, de Cuba, « blue in the moonlight ». »Alors, tu t’appelles Blue ? » « Non » et il sourit.
Ca nous reste en tête.

La lune bleue clignotante a ouvert l’épisode « Chiron ».
Little devient Chiron, dont le calvaire à l’adolescence empire encore, encerclé qu’il est par cette meute de « camarades » violents et homophobes dont Tarell, effrayant. Tarell, même prénom que le co-scénariste, dont l’histoire personnelle est proche de celle-ci.
Ce Tarell là aurait pu devenir ce Tarell ci. Et inversement.

Un cercle rouge, clignotant, ouvre l’épisode « Black ».
Dans le jardin du centre carcéral de désintox, Paula, sa mère, gémit sa peine d’avoir tout raté. Bien sûr, elle l’aimait, son baby comme elle l’appelle, ultime tentative de tout effacer, de  tout recommencer,  mais son amour était enfoui dans le gouffre abyssal de son addiction au crack. Paula, clean, semble consciente du désastre produit et pourtant lui reproche ses activités de dealer !
« Ne pars pas », implore-a-t-elle. « Je n’ai que toi, tu n’as que moi »
Il la prend dans ses bras, forcé.
La souffrance est vive et  la plaie, béante. Pour tous les deux.

On revoit une scène « rembobinée   » et sonorisée, vingt ans plus tard : Paula ressort de la chambre à reculons et on entend maintenant les mots hurlés à Little : « NE ME REGARDE PAS ! »
On comprend que, de ce moment là, il baisse la tête et les yeux, toujours. Sa détresse est immense à tous les âges de la vie.

Dans une des dernières scènes, au restaurant, en face de Kevin, il a encore les yeux baissés et on attend, on guette le moment où il va relever la tête et ouvrir les yeux. Alors, à ce moment là, exactement, on est en face du petit garçon qu’il est resté, dans l’innocence intacte de ses yeux.

Quel soulagement de voir Black redevenu Little et s’autorisant à être Chiron, fragile et tendre, la tête posée sur l’épaule de Kevin.
La scène suivante sera torride et on s’en réjouit.

Les acteurs sont magnifiques, mention spéciale à Trevante Rhodes,
et aussi à Mahershala Ali, Naomie Harris, Axel R.Hibbert, Ashton Sanders, Janelle Monae, Andre Holland  …

Très beau film sur le chemin tracé à la naissance, comment on devient ce qu’on n’est pas, ou comment on réussit à devenir, malgré tout, ce qu’on est.

On regrette que Barry Jenkins, avec Tarell Alvin McCraney et toute l’équipe aient été privés du bonheur de monter sur scène, applaudis comme il se doit, pour recevoir l’Oscar du Meilleur film 2017.
Laurence nous a lu hier soir le discours préparé par Barry Jenkins et qu’il n’a pas pu prononcer.

On voudrait bien le lire dans ce blog, Laurence, si tu veux bien. Merci

Marie-Noel

« Citoyen d’honneur » de Mariano Cohn et Gaston Duprat


CITOYEN D’HONNEUR

 Goya du Meilleur film étranger en langue espagnole et Coupe Volpi de la meilleure interprétation masculineSoirée-débat mardi 11 avril à 20h30

 Présenté par Georges Joniaux

Film argentin (mars 2017, 1h57) de Mariano Cohn et Gastón Duprat avec Oscar Martinez, Dady Brieva et Andrea Frigerio . 
Titre original : El ciudadano ilustre

Synopsis : L’Argentin Daniel Mantovani, lauréat du Prix Nobel de littérature, vit en Europe depuis plus de trente ans. Alors qu’il refuse systématiquement les multiples sollicitations dont il est l’objet, il décide d’accepter l’invitation reçue de sa petite ville natale qui souhaite le faire citoyen d’honneur. Mais est-ce vraiment une bonne idée de revenir à Salas dont les habitants sont devenus à leur insu les personnages de ses romans ?

Envie de me repasser le film … Ca commence comment déjà ? Oui, à Barcelone dans la ville et très vite on est chez Daniel Mantovani , dans son « bunker cosy » de verre, d’acier et de béton, froid mais lumineux, ouvert sur les arbres et plongeant dans une bibliothèque étourdissante, incurvée comme un ventre rempli de milliers d’ouvrages. Ce lieu reflète ce qu’il dit devoir être, selon lui, la culture : simple, claire.
Mais non ! … Le film ne commence pas à Barcelone mais à Stockholm. Il est assis près d’une vestale immaculée, coiffée d’un couvre-chef militaire. On l’appelle, c’est à lui : il fait son entrée dans cette immense salle accompagné de la jeune fille pour recevoir le prix Nobel de littérature. Il « vomira » dans son discours toute la vanité qui l’a amené jusque là et mettra l’assemblée face à sa responsabilité sur cette mascarade. Ce préambule nous présente bien Daniel : vaniteux au point de trouver ses propres livres dérisoires et de mépriser les flagorneurs qui s’égarent à le décorer, à l’encenser, à l’applaudir. En échange de quoi on le prie de bien vouloir jouer le jeu, de sourire , de saluer, de s’incliner devant un roi et une reine ! au XXIème siècle !!! Non mais sans blague ? Quelle bouffonnerie !
Lui, il a décidé d’être cash, de prendre sur lui et d’être honnête et droit même si cela lui tord les boyaux parfois, qu’il faiblit et se contredit, comme pour le fauteuil roulant. D’être honnête et que les autres le soit avec lui, c’est ça qu’il veut.
La vérité n’existe pas, il le dit et la vérité des autres est, souvent, insupportable.
Quand arrive l’invitation du maire de Salas, sa ville natale qu’il a quittée à vingt ans, à la mort de sa mère, et où il n’est jamais retourné même (surtout ? ) pas pour enterrer son père, 10 ans plus tard, il la refuse d’abord puis, debout devant l’immense baie vitrée, il y pense, l’envisage et dans son regard on voit qu’il va y aller.
On vit avec lui ces quatre jours, intensément. Séjour imaginaire ? L’invitation aurait alors servi de déclic pour reprendre l’écriture …

L’histoire se passe à Salas. On y voit des voitures de plusieurs époques dont la première qui pourrait bien dater de l’époque de son départ. Au « chauffeur de taxi » sans licence, devant cette vieille guimbarde en panne, sans portables bien sûr, la nuit, devant un feu allumé grâce à des pages d’un de ses livres, un comble mais pas grave, il en a d’autres,  il raconte l’histoire captivante des Jumeaux, histoire de jalousie, de rivalité, d’amour sublimé, de vanité, de mensonges et de malentendus. Est-ce la première histoire qu’il a inventée et qui resurgit de sa mémoire ?

Il y a beaucoup de gros véhicules rutilants dans cette toute petite ville où on peut se rendre partout à pied mais les deux véhicules indispensables, pour venir et repartir de Salas, sont, eux, « hors d’âge » .
La voiture rouge d’Irène tombe toujours en panne quand il y pénètre ! Décidément, il était écrit qu’ils n’avanceraient pas ensemble tous les deux. Il a abandonné Irène, son éternelle fiancée, douce et généreuse, à la beauté immuable et c’est Antonio qui l’a récupérée. Ce « gentil mari » s’avère être un ignoble personnage, un être abject. Ne pas se fier aux apparences.

Comment réparer ça ? Comment retrouver Irène ? Il cherche à remonter le temps, cherche son double. Rencontre sa fille, petite personne arrogante et calculatrice, libérée …
Le baiser chaste s’est transformé en coup d’un soir.

Les autres véhicules dans le film appartiennent au présent, presque au futur, les autres personnages, eux sont tels que par le passé et Daniel jette l’éponge, semble s’y résigner et finalement les enjoint à rester dans leur bêtise et leur ignorance crasses. Il les accepte tels qu’ils sont et accepte de s’en nourrir.   Lui ne changera pas non plus et exprime tout ce qu’il ressent. Sans ménagement, s’octroie le droit de se révolter brutalement contre les profiteurs et la violence de leur intrusion dans sa vie, contre l’intimité forcée avec des lecteurs, anonymes, étrangers qui veulent se l’approprier et projettent leur vie dans ses livres. Il revendique le droit de puiser dans ses souvenirs avec tous ceux qui y figurent, sans devoir se justifier, sans devoir rendre de compte.

J’ai été très touchée par la scène du cimetière : Daniel n’y apporte pas de fleurs mais, au contraire, en emporte une, simple fleur de pissenlit cueillie sur la tombe de sa mère. Précieux trésor couché délicatement dans son petit carnet.

Antonio et Roque feront avec Daniel une chasse au sanglier sur le modèle de celles organisées pour les gringos. Ce cochon de Roque n’a jamais raté une cible : Daniel sera touché en plein coeur. Et survivra.

Il a sur le côté gauche une cicatrice incurvée.
On voudrait bien la revoir. De plus près.

A part Daniel entier et tendre, seul et digne, qui m’a séduite, tous les personnages du film sont épatants. De vrais portraits, pas des esquisses comme on en voit souvent dans les films où seuls les contours sont proposés, à nous de remplir les blancs. Non, ici les personnages existent, sont détaillés tels des personnages de roman. Et c’est formidable. C’est formidable d’être traités avec cette considération par ces deux réalisateurs qui nous proposent un film que je trouve abouti tant sur le plan du scénario, que des dialogues, de la photo, du son. Ça fait du bien.
Un film superbe, très dense qui m’a surprise et que j’aime beaucoup.

Marie-Noel

« Corporate » de Nicolas Silhol

Film suivant

WEEK END JEUNES RÉALISATEURS 1er et 2 avril 2017 2017Animé par Alain Riou

Dimanche 2 Avril à 17h

En présence du scénariste Nicolas FleureauFilm français (avril 2017, 1h35) de Nicolas Silhol avec Céline Sallette, Lambert Wilson, Stéphane De Groodt, Violaine Fumeau, Alice de Lencquesaing, Nathalie Sportiello, Hyam Zaytoun et Edith Saulnier

Synopsis : Emilie Tesson-Hansen est une jeune et brillante responsable des Ressources Humaines, une « killeuse ». Suite à un drame dans son entreprise, une enquête est ouverte. Elle se retrouve en première ligne. Elle doit faire face à la pression de l’inspectrice du travail, mais aussi à sa hiérarchie qui menace de se retourner contre elle. Emilie est bien décidée à sauver sa peau. Jusqu’où restera-t-elle corporate ?

 

Ce film apprend ou bien rappelle la méthode phare de management instaurée dans les grandes entreprises depuis une trentaine d’années : par la peur voire la terreur, enrobé d’une (fine) couche de sucre. Tout est très bien décrit dans le film. C’est limpide. Clair, net, précis. On s’y croirait. On est corporate, on s’appelle tous par le prénom, peu importe le niveau dans la hiérarchie (attention, pas valable avec les ouvriers dans les entreprises avec unités de production, il y a quand même des limites !)
Et, comme on le voit très bien dans le film, on se tutoie : on oublie que ce n’est, en aucun cas, un gage ni d’estime, ni de confiance, ni de loyauté etc… On est corporate.
Il y a aussi les codes d’habillement : pas de loufoquerie dans le style vestimentaire surtout ! Tout le monde s’habille pareil , surtout ne pas faire ce qui pourrait être perçu comme une faute de goût. C’est très bien montré dans le film : Emilie Tesson-Hansen se change 2 fois par jour pour être toujours impeccable mais n’a qu’un modèle de chemisier clair avec toujours un pantalon foncé coupe serrée droite, taille basse (on pense à Nina, la fille de Toni Erdman) + des talons car on n’oublie pas d’être féminine. Et surtout ne pas sentir la transpiration ce qui dénoterait une mauvaise gestion du stress, inacceptable ! Le vendredi, opter pour le friday wear, montrer qu’on fait le distingo entre la semaine de boulot hard way et le week end où on est trop cool (on ne parle pas de l’ordi qui restera allumé 24/24h pour terminer le boulot en retard et répondre by return au mail de nuit du N+1 qui teste par la même occasion si tu es bien corporate samedi et dimanche inclus, sinon il y en a plein qui le sont et qui attendent ta place, OK ?). On pense, on vit, on consomme, on respire « corporate ». Et on voit arriver le spectre de l’âge. Être jeune, paraître jeune, être efficace, super productif. Une telle entreprise est  une secte où tout est codé. On a pû assister, en d’autres lieux, à cette scène où un PDG, voyant arriver au loin un candidat en surpoids, glissait au DRH se tenant à ses côtés : « tu le reçois sans moi, je ne reçois pas les gros ». Ca n’est pas dans le film mais ça aurait pû y être.
Quand la tuile tombe, burn out ou, pire, suicide comme dans le film, la première réaction des RH est toujours de chercher dans la vie privée pour y trouver les causes. Dans le film, la victime vient de se séparer, oui, à la suite de longs mois de mise au placard et de tout le mal-être que le malheureux a, tous les jours, rapporté avec lui à la maison, c’était sans doute devenu inévitable. Emilie est contente : sa responsabilité n’est pas engagée. Elle le sera pourtant finalement grâce au travail consciencieux de l’inspectrice du travail. Merci à elle d’exister. Deuxième règle : gommer tout ce qui peut être compromettant, tout ce qui peut prouver qu’il y avait harcèlement, mise à mort préméditée. La responsabilité est effacée. Scrapped. Et c’est le lâchage en cascade. Même Émilie pourtant pro des méthodes de tueuse, pense naïvement que son responsable va la protéger. Non, il ne la protégera pas parce qu’il ne veut pas que sa responsabilité, à lui, soit un tant soit peu engagée. Il la lâchera et la regardera tomber. Sans état d’âme. Au final il sera lâché et tombera à son tour.

Les écoles diplôment  tous les ans de jeunes RH qui voudront bien faire le ménage pour 100.000/an.

Le choix des acteurs est, je trouve, très réussi dans ce très bon film.
Céline Salette, Lambert Wilson sont excellents. Ils nous font froid dans le dos et en même temps on sent le froid les rattraper. A. de Lenquesaing est parfaite en jeune assistante pétrifiée.
Et V. Fumeau rayonne et transcende la profession d’inspectrice du travail. Humaine, résolue, elle redonne confiance.

Marie-Noël

« Drôles d’oiseaux » d’Elise Girard

En présence de la réalisatrice Samedi 1er Avril à 14h30Film français (mai 2017, 1h10) de Élise Girard avec Jean Sorel, Lolita Chammah, Virginie Ledoyen et Pascal Cervo

Synopsis : Deux personnages. Georges et Mavie. Mavie et ses 27 ans. Pleine de doutes et d’inquiétude, qui se cherche. Georges et ses 76 ans. Misanthrope, comme caché dans sa librairie, exaspéré par le monde, qui n’attend plus rien de la vie. A eux deux, ils forment le plus beau et le plus improbable des couples. Il ne veut rien, elle veut tout. Et pourtant grâce à lui, elle se trouve. Et grâce à elle, il renoue avec la vie. L’amour qu’ils ne feront jamais ensemble est le plus beau et le plus émouvant. Mais bientôt Georges doit fuir et ce qui doit arriver, arrive…

J’ai aimé un peu ce film pour l’idée de la vieille librairie où personne n’entre plus, de ce beau lieu plein de trésors que personne ne cherche plus. Pour Jean Sorel, absolument séduisant … Pour l’idée du déménagement obligé pour cause de « tapage » amoureux nocturne et diurne, incessant. Pour le choix de Pascal Cervo et l’approche de ressemblance avec Jean Sorel.

Mais sinon, l’histoire, la mise en scène avec fondu en cercle, les voix off des écrits de Mavie, m’ont passablement ennuyée. Et puis c’est dommage que Mavie n’ait pas plus d’épaisseur. Lolita Chammah, toute fille de, ne fait pas le poids en face de Jean Sorel. Elle m’a rappelé la pub Canada dry : elle a les cheveux de sa mère, elle a la démarche de sa mère, elle ressemble à sa mère mais … ce n’est pas sa mère. Elle n’en a pas la présence, l’étoffe, voilà tout.
Elle reste, dans ce film, remarquablement bien filmée. Bien éclairée. Elise Girard l’a vraiment soignée. Avec portrait dans la glace comme un tableau. Elle est belle. Et elle porte très bien le Darel. Mais tout le monde porte très bien le Darel.
Et Paris qui n’est pas Paris me dérange toujours même si la réalisatrice nous explique que justement elle a voulu une image embellie de Paris, comme dans un conte.
Un conte germanopratin. Un amour impossible entre un Georges de 80 ans et une Lolita qui n’en est pas vraiment une, avec en toile de fond une vague histoire de mafiosi et d’écologie, les goélands qui tombent à pic … Mavie est du 17 comme Roman, son jeune amoureux. Roman comme les romans qu’il évacue de la librairie. J’ai eu un soubresaut d’intérêt quand on le voit, chargé d’un carton de livres, dans la rue, devant la librairie, et qu’il croise le regard de Georges qui l’observe dans le rétroviseur. On comprend qu’ils se connaissent.
En fait, ils ne font qu’un : l’amour avec Mavie peut exister. Bien.
Le film plait beaucoup aux japonais et c’est tant mieux. Et pas étonnant. Ils doivent bien y retrouver le Paris, France qu’ils ont gravés en tête. Avec, idéal de beauté, les yeux ronds de Lolita Chammah.

Marie-Noel

 

« Yourself and yours » de Hong Sang-soo

Coquillage d’Argent du meilleur réalisateur au Festival de San Sebastian 2016Du 23 au 28 mars 2017Soirée-débat mardi 28 à 20h30
Présenté par Laurence Guyon

Film coréen (vo, février 2017, 1h26) de Sang-soo Hong avec Kim Ju-Hyeok, Lee Yoo-Young et Hae-hyo Kwon.

Synopsis : Le peintre Youngsoo apprend que sa petite amie Minjung a bu un verre avec un homme et s’est battue avec lui. Le couple se dispute et Minjung s’en va, déclarant qu’il est préférable qu’ils ne se voient plus pendant un certain temps. Le lendemain, Youngsoo part à sa recherche, en vain. Pendant ce temps, Minjung (ou des femmes qui lui ressemblent) rencontre d’autres hommes…

On pense, c’est vrai, à Rohmer tout de suite.
Avec beaucoup de Soju.
Dès la première scène, le décor est planté, les personnages présentés, le sujet du film, exposé. On voit d’abord le copain Joonghaeng devant la porte de Youngsoo. On verra souvent des portes (avec des compteurs au-dessus), qui s’ouvrent ou ne s’ouvrent pas.
Suit la scène de l’atelier où le ver va être mis dans le fruit. Le fruit qui va pourrir à moins qu’on n’arrive quand même à le conserver … en le (re)mettant dans l’alcool  ?
Youngsoo, artiste peintre, séduisant, séducteur, ex-buveur de Soju, avait des projets avec la délicate Minjung, grande amatrice d’alcool, qui avait passé avec lui un accord de sevrage raisonnable (5 verres de soju et 2 bières/jour, quand même). Des projets de stabilité, de vie plus saine, de mariage . Tout est balayé d’une phrase par son « ami » Joonghaeng, serpent siffleur, ironique, donneur de leçons, qui semble vouloir empêcher ces beaux projets. « Tu ne vas pas épouser Minjung quand même ? cette traînée, qui boit et se bat le soir dans les bars, avec des hommes ! » c’est, en résumé, ce qu’il laisse derrière lui au milieu des toiles et des couleurs, ce qui va envahir Youngsoo et recolorer l’intérieur de sa tête en noir. Il croira son ami et rejettera en bloc les contestations de Minjung qui, face à son déni et à ses exigences impossibles, choisira de s’en aller.
Cela va tant le déstabiliser (l’équilibre n’était, il faut dire, pas bien installé) qu’il va littéralement « tomber malade ». Il continuera d’avancer mais le cerveau tout à son obsession de récupérer Minjung et le corps ralenti par une blessure à ce qui est essentiel pour avancer : le pied, le gauche en plus (ce qui a sûrement une signification) . On a vu aussi que Minjung a une grosse marque brunâtre sur le tibia, gauche aussi.
Va suivre une errance des deux amoureux, chacun de leur côté.
Marivaudage pour elle qui se dissimule, change d’identité, s’invente une jumelle, pour avancer masquée, à la recherche d’un homme qui ne soit ni enfant, ni loup, qui la laisse vivre, qui l’accepte telle qu’elle est, n’essaie pas de la changer.
Chemin de croix pour lui qui se traîne sur ses béquilles à la rencontre de celle dont l’absence lui est insupportable. Il la poursuit, l’attend, croit la voir, et vit en rêve leurs retrouvailles. Son cher ami Joonghaeng qui ne boit plus, lui, ne manque pas de l’avertir quand il la voit dans le bar attablée, cette fois, non pas avec un mais avec deux hommes ! Mais à son arrivée  elle a disparu. On se laisse prendre à ses mirages : quand, éclairée et salvatrice, au beau milieu de l’allée, elle avance, souriante, les bras ouverts, vers lui, figé devant sa porte, ou aussi quand, l’ayant laissé enfin franchir cette porte,  elle l’enlace. Lui est de face, assis sur un banc, elle est de dos, penchée sur lui. On ne voit plus que ses fesses moulées dans une jupe étroite. Cette scène nous parle de ce qu’il évoquera dans la dernière scène du film : leur amour physique, au top.
La scène de l’eau m’a interpellée  aussi : dans la ville, elle marche les pieds dans un ruisseau rectiligne, d’eau pure, très claire. A côté mais surélevé et sur une allée, au sec, marche un homme, le cinéaste, qui a dit, lui aussi, la connaître, l’avoir déjà rencontrée, ailleurs. Ils cheminent ainsi, côte à côte, elle en bas, lui en haut. Elle lui sourit et le rejoint sur l’allée lumineuse, bordée d’arbres vert tendre. On voit ses pieds sortant de l’eau, chaussés de sandales plates. Une illustration du monde enchanté du cinéma, où on peut être mouillé et sec aussitôt  ?
Il y a aussi la vitrine avec ce mannequin fagoté de cette robe rose trop large aux hanches. Youngsoo cherche Minjung mais la couturière, l’amie de Minjung ne le renseigne pas, ne trahit pas. Elle lui dit d’attendre sa décision à elle, son appel. Elle est très occupée à ajuster des tenues. Elle dit qu’elle a beaucoup de travail. Elle ôte les bras du mannequin pour retirer cette robe qui n’est pas à sa taille. Elle l’ampute temporairement pour pouvoir ajuster la tenue, le costume. Après on lui remettra les bras.
Minjung et Youngsoo se retrouveront pour de vrai, enfin. Se réadapteront l’un à l’autre, voudront croire, tous les deux, qu’on peut repartir de zéro, tout réajuster.
Dernière scène du film : ils sont dans le lit, Minjung fait manger à Youngsoo, à la becquée, des cubes de pastèque, juteuse et fraîche.
Sans Soju.
Mais le Soju, c’est ailleurs que ça se passe(ra)

J’ai beaucoup aimé ce film de Hong Sang-soo, resserré, plus intelligible pour moi que ce que je connaissais jusqu’à présent de lui.

Un petit mot sur la langue coréenne : les phrases semblent toujours se terminer par ce qui me paraît être une diphtongue, sourde et vibrante. C’est un son très étrange qui participe de façon essentielle au film dans son ensemble. Cela illustre, pour moi, l’absolue nécessité de voir les films en VO.

Marie-Noël

« Loving » de Jeff Nichols (2)

nominé au Festival de Cannes 2016 et aux Golden Globes 2017Du 16 au 21 mars 2017Soirée-débat mardi 21 à 20h30
Présenté par Chantal Levy et Georges Joniaux

Film américain (vo, février 2017, 2h03) de Jeff Nichols avec Joel Edgerton, Ruth Negga et Marton Csokas

L’histoire des époux Loving est bouleversante.
C’est une histoire qui nous réconcilie, un peu, momentanément, avec la nature humaine. L’heureux dénouement est acté, entériné. C’est réglé. En apparence. Car l’opinion publique, le verdict populaire sur le mariage mixte, qu’il s’agisse de couleurs de peau, de religions, d’origines sociales, restent implacables, aux Etats-Unis comme dans le reste du monde. On sait bien que rien ne sera sans doute jamais réglé, au fond.
Le film raconte le chemin des époux Loving qui a mené à l’arrêt « Loving v.Virginia », abrogeant, en 1967, les dernières lois contre le métissage. Force est de constater que si Jeff Nichols a voulu nous raconter cette histoire sans pathos, tout en retenue, c’est réussi. Trop. Car, justement, c’est ce qui m’a rebutée. Qu’il n’enfonce pas, quand même, un peu le clou. Le climat social était violent en 1958 ! Et le sujet est tellement grave.
J.Nichols décide de nous faire deviner. Pas à demi mot, ici, car on ne parle pas beaucoup, mais à tel et tel regard … Dans le contexte, ça ne pouvait pas se passer comme ça. Le sujet de la ségrégation est violent en soi. Exemple : le pavé enveloppé de l’article de journal, ne peut pas avoir été déposé gentiment sur le siège ! Il ne peut qu’avoir fracassé le pare brise. Comme la scène du prisonnier noir que le policier fait passer devant la cellule de Mildred en disant qu’il devrait le mettre dans la même cellule qu’elle. On imagine la suite. Subtilement, Jeff Nichols choisit de nous le suggérer.
Et j’ai trouvé la scène cruciale du bar complètement ratée, surjouée. Trop et pas assez.

Mais, surtout, ce que je n’ai pas aimé c’est la version que Jeff Nichols fait de Richard.
Il veut tellement qu’on comprenne son origine modeste, son esprit simple qu’il en fait un personnage quasi simple d’esprit ! C’est effrayant. Ce n’est pas parce qu’on est simple, qu’on n’a pas d’esprit. Il n’est pas comme ça, Richard. Ils n’étaient pas comme ça les Loving. Ils sont simples mais surtout jeunes, amoureux, vivants, quoi ! Leur amour inconditionnel aurait mérité d’être plus palpable . Il manque pour moi un élément essentiel dans ce film : l’étincelle au fond des yeux de Richard (et Dieu sait qu’elle n’y est pas l’étincelle !). Cette étincelle qu’on voit très bien, à la fin du film, sur la photo des vrais Loving : Richard et Mildred sont sur le sofa. Richard s’est allongé et a posé la tête sur les genoux de Mildred. Il rit. Elle rayonne. Ils sont en fusion.

J’aurais voulu que le cas Loving soit traité autrement.
Voilà, je suis passée à côté du film et je me sens bien seule …

Marie-Noël

PS : mais qu’est-ce-qui a poussé J.Nichols à faire faire ce brushing bizarre (zarbi serait plus approprié) à la pauvre petite Peggy ???

 

 

« Harmonium » de Koji Fukada

 

Prix du jury Un Certain Regard au Festival de Cannes 2016Du 9 au 14 mars 2017Soirée-débat mardi 14 à 20h30
Présenté par Marie-Annick Laperle

Film Japonais (vo, janvier 2017, 1h58) de Kôji Fukada avec Tadanobu Asano, Mariko Tsutsui et Kanji Furutachi.

Synopsis : Dans une discrète banlieue japonaise, Toshio et sa femme Akié mènent une vie en apparence paisible avec leur fille. Un matin, un ancien ami de Toshio se présente à son atelier, après une décennie en prison. A la surprise d’Akié, Toshio lui offre emploi et logis. Peu à peu, ce dernier s’immisce dans la vie familiale, apprend l’harmonium à la fillette, et se rapproche doucement d’Akié.

 

Titre original « Fuchi ni tatsu » : Au bord du gouffre

L’harmonium est un instrument à vent et à clavier qui, je trouve, a cette particularité de ne jamais être harmonieux tant le mécanisme rend le son laborieux, poussif, rauque, grinçant. Sans âme.
Dans une famille, une maison et un environnement « copiés collés », on verra que le même air joué sur un piano est tout autre. C’est l’harmonie, la sérénité. L’affiche du film.

Juste avant cette scène du piano, ils partent tous les quatre : le père, Toshio, la mère Akie, la fille Hotaru et Takashi, le fils de Yasaka, à la recherche du responsable de leur malheur. Il cherche la rue de la photo. Et soudain ils entendent et reconnaissent « l’air de Yasaka » et se mettent à courir vers la musique. A courir à toute allure vers leur « salut ». Puis c’est la scène du piano : ils sont devant ce tableau de paix familiale, un mirage, et s’excusent vite d’être là. Ils ne peuvent tout simplement pas entrer dans cette harmonie, dans leur vie rêvée d’avant. D’avant le malheur.
Ce malheur qui a frappé Hotaru et sa mère.
Je ne pense pas que Yasaka soit coupable de ce malheur là. Je crois qu’Hotaru est tombée. Yasaka l’avait déjà surprise en acrobatie, entortillée dans les barres métalliques de la structure de l’aire de jeux. Là elle sera probablement tombée et la chute est pire que fatale.
Avant ce malheur, LE malheur c’est la rencontre d’Akie et de Toshio. Se conformer aux règles, avoir un mari, 1 enfant et des repas a préparer pour le reste de sa vie, avoir des bols à laver tout le temps … Un calvaire déjà en soi et en plus avec cet homme fermé, mutique. Et faux. Double peine.
C’est intéressant dans ce film de voir les personnages se nourrir. Ils sont d’abord trois. La mère dit le bénédicité, qu’elle inculque à sa fille. Le mari est ailleurs, perdu pour Dieu. Ils sont ensuite quatre avec Yasaka qui s’invite à leur table. Là Y.Kukada force un peu le trait sur le côté yakusa (pas le pire) du personnage et on voit bien le rapport de Yasaka à la nourriture : il l’engloutit ! et bruyamment ! Il en a sans doute manqué dans sa vie, ne serait-ce qu’en prison où il vient de passer 10 ans. Une chose est sûre : on n’a pas envie de manger en face de lui. (mais il lave ses bols !)
Takashi est différent. Il ne s’impose pas mais accepte avec plaisir l’invitation du père avec un « j’ai faim » presque enfantin.

Takashi est très étrange. Il perce des trous G1, G5 etc … avec l’application de l’employé modèle. Et, avec les mêmes mains, fait le portrait délicat, à l’aquarelle, d’Hotaru. Sa face cachée à lui. Il est comme fasciné par Hotaru. Jusqu’à l’embrasser fougueusement, en cachette (croit-il). Syndrome « Parle avec elle » ? Qu’est-ce qu’il sait, au juste, lui qui détient LA photo. Que lui ont révélé les lettres que son père a toujours continué à écrire à sa mère ?
A Akie le questionnant sur le destinataire de cette correspondance, Yasaka mentira et dira les envoyer à la mère du jeune homme qu’il a assassiné.
Comme Akie lui annonce dans la voiture, Takashi  veut bien qu’elle le tue devant son père retrouvé, comme si voir son père, qu’il ne connaît pas, idéalisé par l’image de sa mère amoureuse de lui toute sa vie, était l’aboutissement de sa vie, à lui, Takashi.
Le personnage d’Akie m’a, bien sûr, touchée. Voir son enfant dans cet état, c’est absolument insupportable.
Pendant la première partie du film, elle est dans le déni, dans l’oubli d’elle-même. Elle est conforme à l’image de l’épouse et mère stéréotypée : attentionnée, nourricière, ménagère, couturière, lavandière, charitable. Et transparente. Et dans la deuxième partie du film, en bonne mère chrétienne, elle est coupable, se sentant entièrement responsable du malheur de son enfant. A cause de deux trois « bécots » donnés à cet homme qui, lui au moins, lui parle ! Ça serait cher payer  …
Yasaka raconte que la mère du jeune homme qu’il a assassiné, lors du procès, se frappe elle-même, se gifle avec force. Elle se sent, elle aussi, coupable et responsable. Coupable et responsable de ne pas avoir su protéger son enfant.
Akie aura le même geste juste après les aveux de son mari. Elle se châtie en plus de porter sa croix sans faiblir .

On notera le changement du décor dans la deuxième partie du film : la partie habitat est la même mais sale. Akie a arrêté de frotter les parties communes. Elle réserve ses soins et toute son énergie exclusivement à Hotaru , à la bulle dans laquelle elle l’a placée et où elle seule a le droit de pénétrer.

Et il y a le blanc immaculé de la chemise de Yasaka, de sa combinaison de travail immaculée, elle aussi. Il est en blanc en toute circonstance (même à la pêche).
Sauf en haut du pont. On voit enfin que sa chemise est rouge. Rouge comme la jolie robe du drame, rouge comme le sac à dos de Takashi qui contient ses couleurs et les photos. Rouge comme les toits vernissés du village où se trouve l’explication.

Le blanc, le rouge, les ronds métalliques découpés à longueur de temps et on mélange ! Mais là ça coupe.

Le vieillissement des acteurs est bien réalisé . Ils ont manifestement, un grand malheur et  huit ans de plus pour la mère, huit ans de plus pour le père.

Les japonais protestants ne sont pas de tout repos !
Idem pour d’autres combinaisons, au choix.

Bien plombant « Harmonium » mais très intéressant.
Et chapeau aux acteurs qui font passer toutes ces émotions à travers le masque japonais. C’est très fort !

Marie-Noël

« Ouvert la nuit » de Edouard Baer

Nominé au Festival du film francophone d’AngoulèmeDu 2 au 7 mars 2017Soirée-débat mardi 7 à 20h30
Présenté par Marie-Noël Barnier-Vilain

Film français (janvier 2017, 1h37) de Edouard Baer avec Edouard Baer, Sabrina Ouazani, Audrey Tautou, Grégory Gadebois et …. Michel Galabru

Synopsis : Luigi a une nuit pour sauver son théâtre. Une nuit pour trouver un singe capable de monter sur les planches et récupérer l’estime de son metteur en scène japonais ; une nuit pour regagner la confiance de son équipe et le respect de sa meilleure amie – qui est aussi sa plus proche collaboratrice… et pour démontrer à la jeune stagiaire de Sciences Po, tellement pétrie de certitudes, qu’il existe aussi d’autres façons dans la vie d’appréhender les obstacles…

 

A Paris aussi tout est plus beau la nuit.

C’est une nuit où Luigi se retrouve tout près du gouffre. Échecs humains, professionnels, la mort soudaine de Dazaï, le metteur en scène japonais …
Il semble arrivé au point de non retour et, pourtant, commence alors une «Traversée de Paris », une visite d’un Paris nocturne , de « son » Paris, ni branché ni nostalgique, réel et multiculturel.
Magnifiquement mis en image par Yves Angelo.
Paris est magnifique. C’est du haut d’un parking que Luigi aime regarder le soleil se coucher.
Edouard Baer dit qu’«il s’agissait de filmer une déambulation. Il ne fallait pas s’arrêter, il fallait filmer Paris sans que ça fasse documentaire, filmer les monuments sans appuyer, aller dans des endroits singuliers sans les rendre pittoresques, filmer cette traversée avec un effet de direct, privilégiant les plans séquences».
C’est très réussi.

Luigi a un style de vie singulier, adepte de «la vie de hasard». Il y a des gens comme ça qui ont ce don de transformer chaque instant de la vie en aventure. Il balade une énergie particulière, un univers avec lui où on s’intéresse plus aux gens qu’aux lieux. Il a constamment besoin de créer le contact, éphémère, superficiel, souvent. Mais il crée le contact. Puis advienne que pourra . Luigi est menteur, lâche, flambeur. Et violent car décréter la joie et l’action permanente, le culte du superficiel et de la légèreté dans les rapports humains, c’est violent. Luigi est un sale type, oui,  sûrement, un peu.  Mais il est aussi généreux et ensorcelant. Son sourire carnassier et son regard pétillant, son énergie subjuguent, le rendent terriblement attachant. On le suit. Ou pas.

« Ouvert la nuit » nous fait passer derrière le rideau (de velours ou de fer) du théâtre. On approche les métiers de coulisses, directrice de production, régisseur, éclairagiste, costumière, de ce monde en perpétuelle effervescence.  Luigi est directeur de théâtre et son énergie, son enthousiasme ne peuvent jamais fléchir. Il faut être de sa trempe, ne pas avoir peur du risque, pour faire ce métier et ce n’est donc pas donné à tout le monde. C’est comme un sacerdoce, il ne vit que pour son théâtre : la pièce doit marcher à tout prix. Faire fonctionner un théâtre c’est quelque chose de très particulier, de difficile au jour le jour, l’avenir n’est jamais assuré. C’est une entreprise différente d’une entreprise ordinaire. Luigi est aussi un patron à l’ancienne, tendance paternaliste, certes …
Il refuse de considérer l’argent comme un problème. Pourtant il passe la majeure partie de son temps à résoudre, avec l’aide précieuse de Nawel, des problèmes d’argent.
Le film traite aussi de la vie amoureuse et familiale dans le monde de la création artistique. Luigi vit au théâtre, nuit et jour. C’est un séducteur invétéré donc toute relation de couple est pour lui impossible. Et non souhaitée ! Sa famille ce sont les acteurs, les techniciens, sa plus proche collaboratrice qui le surprend dans un placard. Il lache son « ce n’est pas ce que tu crois » de rigueur comme celui qu’il lui avait servi à elle, quelques années plus tôt … Il sait qu’il a raté quelque chose d’où sa déclaration quand il est chez elle . Elle prend ça comme une tirade de théâtre et lui-même redescend aussitôt, reconduit gentiment à la porte par le mari qu’ il venait de tenter de faire changer de rôle ! Faire durer une relation, créer une famille c’est peut-être encore plus difficile dans le milieu artistique. Luigi est très entouré mais seul. Il a mis ses enfants entre parenthèses. Il passe les voir par hasard, au petit matin. Il vient surtout se reposer mais le lit conjugal est occupé maintenant par Jacques. Tant pis. Il repart.
Luigi est égoïste, ne se préoccupe pas de la vie privée de son équipe. Vie privée ? c’est un terme qui ne lui parle pas beaucoup.
Le bébé c’est le concret, la vie ménagère qu’il a passé et passe sa vie à fuir. Un bébé il faut s’en occuper, le nourrir,  il prend naturellement le devant de la scène, il rythme la vie des autres. Insupportable ! Alors on est enfermé comme ça dans une cage ? Plus de bruit, de musique, de mouvement, de lumières ? Pour Luigi c’est un cauchemar !
Il passe le relai.

Luigi aime la nuit et tout ce qu’elle promet. C’est pour lui le moment où tout se passe, où les codes sociaux habituels sont oubliés.
Les deux personnages principaux sont en smocking, tenue à la fois de service et de soirée : Faeza est en smocking chemise blanche : elle avait été « mise au bar » du théâtre car on ne savait pas trop quoi en faire de cette stagiaire et Luigi est en smocking chemise rouge car en tant que directeur du théâtre et d’après son code vestimentaire c’est sûrement la tenue adaptée pour aller chercher 500 000 euros la nuit.
Luigi s’appelle en fait Louis. Un clin d’œil aux personnages fantasques des comédies italiennes. Luigi est un fanfaron.
Le singe résume bien le personnage de Luigi, le décalage des préoccupations qu’on peut avoir dans ces métiers de spectacle. Et c’est grâce à toutes ces préoccupations permanentes qu’il peut échapper à ses angoisses, comme celle que lui renvoie son vieux père, égaré, et réduit à la « mendicité » version caviar auprès de la toute puissante Ingrid Pelissier. C’est un monde cruel où on peut tomber très bas.

Luigi aime être sollicité en permanence. Le laisser tranquille c’est à peu près le pire qu’on puisse lui infliger.
Faeza lui plait car elle lui tient tête, elle est volontaire. C’est une fille d’aujourd’hui, qui fait Sciences Po et qui est issue « des quartiers ». Elle n’est pas née avec « une cuillère en argent dans la bouche » ou à portée immédiate des « cuillères en argent » des autres comme Luigi (comme E.Baer).

Luigi est aimable et détestable.
Comme tout le monde, plus ou moins. Et sa vie à lui, au moins, est trépidante.

« Ouvert la nuit » n’est pas un « grand » film, sans doute.
Edouard Baer fait peut-être, un peu trop son Edouard Baer . Mais pas tant que ça, le type a un bel ego …
J’ai aimé cet univers, sa folie acide et douce, le rythme, les images d’Yves Angelo, Paris comme ça la nuit et tous les acteurs.

Et c’est déjà pas mal

Marie-Noel