Le Journal de Dominique, un jour à Prades (4)

Mercredi 19 juillet

9h. Télé Gaucho

(2012. « Tout a commencé lorsque les caméscopes ont remplacé les caméras. Faire de la télé devenait alors à la portée de tous. Jean-Lou, Yasmina, Victor, Clara, Adonis et les autres ne voulaient pas seulement créer leur propre chaîne de télé, ils voulaient surtout faire la révolution. Ainsi naquit Télé Gaucho, aussi anarchiste et provocatrice que les grandes chaînes étaient jugées conformistes et réactionnaires[1]… »)

… parcours initiatique d’un jeune homme  (Félix Moati, choisi par casting) pas encore fini.

Inspiré par l’expérience de Michel Leclerc à Télé Bocal[2], dans les années 1990, avant internet. Montrer sa fabrication.

Film de troupe, sur un groupe. Difficulté : filmer le bordel sans  être bordélique.

Je ne regarde que le début, dit Michel Leclerc à une dame devant nous qui le voit s’asseoir par terre le long du mur et se pousse pour lui laisser une place. Il restera jusqu’à la fin : difficile de décrocher de cette histoire et de ses acteurs inspirés (mention spéciale à Sara Forestier).

La projection est suivie d’une table ronde animée par Yann Tobin au cours de laquelle on apprend que :

Michel Leclerc est venu au cinéma par la musique et son groupe de rock.

(Cadeau du clip « T’es mon youpin, t’es ma bougnoule » où il se met en scène avec Baya Kasmi -d’origine algérienne- et un groupe d’amis au bord d’une piscine où ces derniers plongent -hommage- façon Busby Berkeley)

Il ne fera plus de films personnels (Sauf si ma femme me plaque) parce que les quinquagénaires sont moins intéressants que les jeunes.

Quand il écrit un scénario, il se trouve enfermé (→ changements sur le tournage) et a tendance à surligner les choses pour le présenter aux producteurs.

Idem au montage  il a du mal à couper mais l’accepte. Il a été monteur pendant des années pour, entre autres, Capital sur M6 et y a beaucoup appris. Le montage = l’art de l’ellipse.

Pour que le spectateur ne s’ennuie pas, il faut jouer avec son attente mais s’il y a manipulation il ne faut pas qu’il ait l’impression de se faire avoir.

Michel Leclerc n’a pas l’esprit militant qui incite à vouloir gagner à tout prix en se foutant du mal que peuvent faire les coups qu’on donne (cf le personnage d’Emmanuelle Béart dans Télé Gaucho).

Il a peur de faire du cinéma macroniste[3].

Il pense qu’on ne peut progresser qu’en se confrontant à des idées opposées aux siennes.

Il a du mal à mesurer l’émotion, avec le sentimentalisme, les violons → met des petites touches d’humour.

Il n’aime pas quand tout va dans le même sens et affectionne les fins heureuses. Ainsi s’en est-il voulu après coup de terminer Télé Gaucho sur une séparation. Dans La Lutte des classes, l’école s’effondre mais, même s’ils s’engueulent, les gens sont réunis.

Il fait des films en autodidacte (n’a pas étudié dans une école de cinéma).

Il a toujours deux projets…

(Actuellement, un sur le féminisme -la parité : si actuellement 31% des films français sont réalisés par des femmes, qu’adviendra-t-il si on arrive à 50/50 : fera-t-il partie des 19% d’hommes éjecté du système ?- et un film historique en costumes dans lequel il organise la rencontre de Cyrano de Bergerac et de Molière)

… en même temps, façon d’avoir plus de chances d’obtenir du boulot l’année suivante.

14h. La première séance de courts métrages en compétition pour le prix Bernard Jubard est suivie, à

17h, de la projection de Foudre

(2023. « Été 1900, dans une vallée du sud de la Suisse. Elisabeth a dix-sept ans et s’apprête à faire ses vœux quand le décès brutal de sa sœur aînée l’oblige à retrouver sa famille et la vie de labeur qu’elle avait quitté cinq ans plus tôt pour entrer au couvent. Elisabeth n’est plus une enfant et les mystères entourant la mort de sa sœur vont la pousser à lutter pour son droit à l’expérience[4] »)

… film suisse de Carmen Jaquier, ennuyeux à périr. Je suis contente d’avoir attribué la note 2 à Tigru, ça me permet de donner à celui-ci la minimale : 1/5.

Le soir, à la télévision : des cons se font photographier dans la Vallée de la Mort près d’un thermomètre affichant 56° qu’ils montrent du doigt en arborant un sourire jusqu’aux oreilles. L’humanité ne mérite pas d’être sauvée.

Jeudi 20 juillet

            9h. Chercheuses d’or 1933

            (« Carol, Polly et Trixie rêvent de faire du music-hall. Elles apprennent que le producteur Barney Hopkins doit monter un show mais elles découvrent avec déception que Barney n’a pas d’argent. Le jeune compositeur Brad Roberts qui aime Polly et qui est beaucoup plus riche que celle-ci ne le croit, investit 15 000 dollars dans le spectacle. Brad, qui a une très jolie voix, refuse pourtant de se produire sur scène[5] ».

« Premier film d’une série de trois ayant pour héroïnes de jeunes artistes de music-hall à la recherche d’un travail, de la fortune et de l’amour durant la dépression[6] »)

… de Mervyn LeRoy, qui vaut surtout (les aventures sentimentales des trois chercheuses d’or sont tirées par les cheveux) pour les numéros musicaux de Busby Berkeley…

(En arrivant à Hollywood, il demanda à un caméraman quel était son secret, La caméra n’a qu’un œil, Je vais être cet œil)

… même si, dans Remember my forgotten man, on peut de nos jours tiquer aux paroles  « Cause ever since the world began, a woman’s got to have a man » et autre « he used to take care of me » chanté par Joan Blondell et repris par Etta Moten, une chanteuse Noire (elle fut Bess dans Porgy and Bess), ce qui, bien qu’aucun Noir ne figure dans le défilé des combattants de la Grande guerre, suggère (c’est mieux que rien) qu’ils participèrent au conflit puisque les mariages mixtes étaient alors interdits.

Suit une table ronde avec Yann Tobin, qu’il illustre avec des extraits de films et au cours de laquelle il évoque précisément la place quasi inexistante des Noirs dans le musical, Fred Astaire, dit-il, dut se battre pour les imposer…

… dans ce qui ne peut être, en 1937, que Slap that bass

 (« Zoom zoom, zoom zoom, The World is in a mess With politics and taxes And people grinding axes There’s no happiness », si ce n’est « When I’m listening to that big bass fiddle »)

…qui se passe dans la rutilante (et donc peu réaliste -le sol est un miroir- mais on s’en fout) salle des machines du paquebot (pas un Blanc parmi les mécaniciens) de Shall we dance.

14h. Deuxième séance de courts métrages.

17h. Rencontre avec Valérie Leroy, talentueuse réalisatrice de cinq courts métrages :

Le Grand bain

(2016. « Mia, trente ans, en instance de divorce, emménage dans un studio au sein d’une résidence HLM. Ancienne championne de natation, elle va se retrouver à donner des cours de natation aux habitants de l’immeuble. Sans piscine[7]… »)

… drôle et loufoque. Développement en long métrage envisagé, Mais il faudrait changer le titre.

Laissez-moi danser (2018. « Mylène, cinquante-cinq ans, est femme de ménage sur un ferry. Ce soir, ses collègues lui ont organisé une fête surprise pour son anniversaire. Mais sur l’enveloppe qu’on lui tend, il y a l’ancien prénom de Mylène, son prénom d’homme, son ancienne vie[8] »)

Belle étoile (2018. « Thu Yen, trente-cinq ans, est venue en France pour se marier mais les choses ne se sont pas passées comme prévu à son arrivée. Sa rencontre avec Marianne, femme de ménage au passé tourmenté, va changer le cours de sa destinée »)

Banc de touche

(2022. « Marjorie est médecin d’une équipe de football. Ce soir, le match est décisif, si l’équipe gagne, c’est la Ligue 1. Sauf que l’entraineur veut faire jouer un joueur blessé. Marjorie doit s’affirmer, entre sa conscience et l’intérêt de l’équipe[9] »)

… qualifié par L’Equipe de « film militant contre le sexisme dans le foot ». Rôle de la médecin confié à Suliane Brahim. Comment fait-on pour travailler avec une actrice de la Comédie Française, On lui écrit tout simplement.

Teen horses

(2019. « Suite à la séparation de ses parents Tania, 14 ans, arrive en cours d’année dans un nouveau collège. Venant de Finlande où elle a grandi, Tania vit cette épreuve comme un véritable déracinement. D’autant qu’en Finlande, elle était dans une équipe très soudée qui pratiquait un sport bien particulier, le hobby horsing ou cheval bâton[10] »)

…  ou, après la natation sans eau, l’équitation sans cheval. Et la boucle est bouclée.

Valérie Leroy : une réalisatrice à suivre.


[1] https://www.senscritique.com/film/tele_gaucho/411831

[2] « Chaîne de télévision associative locale d’Île-de-France, produite par l’association du même nom » (Wikipedia).

[3] N’ayez crainte, ça n’arrivera pas.

[4] https://www.swissfilms.ch/fr/movie/foudre/89D3A47877124A849EA53128CB6E6A98

[5] https://www.cineclubdecaen.com/realisateur/leroy/chercheusesdorde1933.htm

[6] https://vodkaster.telerama.fr/films/chercheuses-d-or/525046

[7] https://www.unifrance.org/film/42564/le-grand-bain

[8] https://www.senscritique.com/film/laissez_moi_danser/29433341

[9] https://www.google.com/search?client=firefox-b-d&q=banc+de+touche+valerie+leroy

[10] https://www.google.com/search?client=firefox-b-d&q=teen+horses+valerie+leroy

Journal de Dominique, Un jour à Prades (3)

Lundi 17 juillet

            9h. Pingouin & Goéland et leurs 500 petits

            (2020. « C’est l’histoire d’un couple qui ne pouvait pas avoir d’enfants et qui en a eu des centaines. C’est l’histoire d’intellectuels, anarchistes, pacifistes, syndicalistes et féministes.  C’est l’histoire de résistants qu’on a pris pour des collabos. C’est l’histoire d’Yvonne et Roger Hagnauer que tout le monde appelait Goéland et Pingouin. C’est l’histoire de la maison d’enfants de Sèvres, une expérience unique de liberté, de pédagogie et d’ouverture au monde. Et puis c’est aussi mon histoire puisque ma mère, sauvée par ce couple, a passé dans cette maison toute son enfance[1] »)

… que les Cramés ont programmé mais sur lequel, à ma grande honte, nous avions fait l’impasse.

Mix d’archives privées :

Fêtes filmées en Super 8 dans les années 1970.

L’interview d’Yvonne et Roger Hagnauer : filmée en VHS par une ancienne pensionnaire de la maison de Sèvres. Récupérée trente ans plus tard par Michel Leclerc.

Et aussi des films de journalistes : reportage d’Igor Barrère en 1999.

Pas de héros évident.

Le montage : il a duré huit mois et a constitué le plus gros du travail. Il ne suit pas la chronologie (explication de ce qu’avait été l’institution avant de parler d’épuration) et changeait en fonction de l’arrivée de nouveaux documents, telle l’interview du mime Marceau en 1978. Michel Leclerc a commencé son film en ignorant les liens existant entre Marceau et sa mère.

Il a mis du temps (il en avait l’idée depuis vingt-cinq ans) à oser réaliser un film à la première personne, à ne pas faire comme s’il n’avait rien à voir avec cette histoire dont il se sentait l’héritier.

14h. West side story.

Premier musical en décors naturels → un prologue exceptionnellement long.

Premier film aussi à utiliser un hélicoptère pour des prises de vue plongeantes.

Tourné en Scope afin de faire concurrence à la télévision en donnant aux gens envie de sortir de chez eux.

17h. Les Damnés ne pleurent pas

(2023. « Fatima-Zahra traîne son fils de 17 ans, Selim, de ville en ville, fuyant les scandales qui éclatent sur sa route. Quand Selim découvre la vérité sur leur passé, Fatima-Zahra lui promet un nouveau départ. Ils arrivent alors à Tanger, où de nouvelles rencontres leur donnent l’espoir d’atteindre la légitimité qu’ils recherchent tant[2] »)

… du réalisateur anglais d’origine marocaine Fyzal Boulifa. Troisième film en compétition pour le prix Solveig Anspach.

Exploitation sexuelle féminine et masculine, impossibilité de changer de vie.

Un bon film.

21h. Dans les jardins de l’Hôtel de Ville, concert…

(Suivi de la projection de La Lutte des classes à laquelle je ne reste pas. Idem, demain, pour Le Nom des gens, j’ai vu -et même, pour ce dernier, revu récemment à la télévision- le film au cinéma et m’en souviens très bien)

… de Michel Leclerc.

Accompagné de deux musiciens (clavier et guitare) et de son accordéon, il interprète des chansons de ses films, qu’il a toutes composées. Son bonheur à chanter fait plaisir à voir.

Mardi 18 juillet

            10h. Somewhere over the chemtrails

(2022. « Lorsqu’un villageois est blessé par une voiture lors d’une fête, le pompier Brona est immédiatement convaincu qu’il s’agit d’une attaque perpétrée par un « Arabe ». Son collègue Standa voit les choses différemment…[3] »)

           

            … film…

            (Sur le racisme et le conspirationnisme,  les « chemtrails » étant, selon la définition de Wikipédia, ces « traînées blanches créées par le passage des avions en vol [censées être] composées d’agents chimiques ou biologiques délibérément répandus en haute altitude par diverses agences gouvernementales pour des raisons dissimulées au grand public » et dont les effets nocifs sont censés être annulés par le vinaigre…)

… tchèque d’Adam Rybansky qui, dans une courte vidéo, se présente à nous en contre-jour un verre à la main et j’aime ça, tout comme son film dont l’humour me rappelle celui des cinéastes tchécoslovaques des années 1960. Note : 4/5.

14h. Six weeks

(2022. « Zsofi, adolescente butée et rebelle rêve d’une grande carrière sportive, mais elle attend un enfant non désiré qu’elle veut confier à l’adoption, et ce malgré la désapprobation de sa mère. Fait-elle le bon choix ? Selon la loi, elle aura six semaines pour changer d’avis. Le portrait saisissant d’une jeune fille confrontée à un choix qui pourrait bouleverser sa vie[4] »)

… de la hongroise  Noémi Veronika Szakonyi.

Etonnant le fait que la mère biologique puisse rencontrer les potentiels parents adoptifs. Inconfortable pour ces derniers : comment s’attacher à un bébé en sachant qu’il peut vous être retiré dans les six semaines suivant l’acte d’adoption ?

Un bon film, le cinquième en compétition pour le prix Solveig Anspach.


[1] https://www.dulacdistribution.com/film/pingouin-goeland/157

[2] http://meliesmontreuil.fr/FR/fiche-film-cinema/M5SSSC/les-damnes-ne-pleurent-pas.html

[3] https://www.senscritique.com/film/somewhere_over_the_chemtrails/46727536

[4] https://www.arrasfilmfestival.com/six-weeks/

Journal de Dominique, Un jour à Prades (2)

Dimanche 16 juillet

            9 h 30. Le Poteau rose (2002), neuvième court-métrage de Michel Leclerc, est « l’histoire d’un amour avec un début, un enfant et une fin[1] ».

            Ses huit premiers courts : tournés de façon classique sans recevoir le moindre écho. Celui-ci, dans la continuité de ses rubriques pour Télé Bocal (chaîne de télévision associative locale d’Ile-de-France), a une forme libre apparue sur la table de montage. Film autobiographique évitant les clichés, fait de rush tournés auparavant (aucun plan n’a été tourné exprès, à part le réalisateur et son accordéon), narcissique tout en faisant preuve d’autodérision façon Nanni Moretti (l’humour évite la complaisance), qui touche les gens -une amie pleure en le voyant- et va dans des festivals.

Suit J’invente rien…

(2006. « Paul n’a pas de but précis dans la vie, et Mathilde, qui subvient aux besoins de leur ménage, désespère qu’il s’en trouve un. Si ça continue comme ça, elle risque de le planter là. Alors Paul se dit qu’il va inventer un truc, ça lui fera un but, et il se met en tête de trouver une idée qui lui apportera gloire, argent et beauté sans trop se fatiguer et qui redonnera à Mathilde le goût de l’aimer[2] »)…

… une comédie du remariage ou comment réapprendre à rire ensemble. Michel Leclerc est fasciné par les couples créatifs.

Il travaille pour la première fois avec de vrais comédiens et y prend goût.

Personnages plus ou moins dépressifs qui, comme M. Sim, ne savent pas où se situer.

La « poignette » : existe vraiment. Il fallait que l’invention soit quelque chose de ce type puisque le personnage est un branleur. Essayer de trouver de la poésie dans les objets.

Episode du clown : comme dans tout bon suspense, le spectateur détient des éléments que les personnages n’ont pas, mais il faut être très précis dans la mise en scène pour que ça fonctionne.

Son distributeur n’a pas cru dans le film, c’est pas drôle, c’est raté. Il envisage une seule sortie technique. J’invente rien sort quand même en salle, à la mi-août. Kad Merad n’en assure pas la promo, préférant faire, en septembre, celle de Je vais bien, ne t’en fais pas → c’est un bide.

Baya Kasmi : une machine à idées. Il la rencontre en 2001 alors qu’il travaille sur une série dont il réalise quelques épisodes. Ce qu’elle écrit est bien meilleur que ce qu’il écrivait lui. Désormais, elle sera coauteur de ses films, son alter ego, sa compagne.

14h. La Vie très privée de M. Sim

(2015. « Monsieur Sim n’a aucun intérêt. C’est du moins ce qu’il pense de lui-même. Sa femme l’a quitté, son boulot l’a quitté et lorsqu’il part voir son père au fin fond de l’Italie, celui-ci ne prend même pas le temps de déjeuner avec lui. C’est alors qu’il reçoit une proposition inattendue : traverser la France pour vendre des brosses à dents qui vont « révolutionner l’hygiène bucco-dentaire »[3] »)

… que nous avons vu au Vox à sa sortie, pour Jean-Pierre Bacri.

Jean-Pierre Bacri. Après avoir essuyé un refus de sa part pour deux films précédents (parmi lesquels Le Nom des gens), Michel Leclerc propose le rôle à Alain Chabat qui dit non. Et cette fois, JPB accepte, Pourquoi tu l’as proposé à Chabat ?

Le personnage : pas un râleur. Quelqu’un qui, à la fin, se retrouve en s’étant perdu.

Le film : une sorte de documentaire sur l’acteur. S’adapter au comédien, à la situation. Etre créatif. Projection dans la dépression d’un autre. Humour au départ. Renvoi à un monde clos.

Il y a un côté faux cul à dire, quand une scène est nulle, c’est génial mais on la refait.

Adaptation littéraire, plus facile à faire accepter par un producteur qu’un scénario original.

D’après un roman de Jonathan Coe (travail de transposition en France) qui doit, dans une semaine, signer avec quelqu’un d’autre. Michel Leclerc apprend qu’il est à Paris, s’arrange pour le rencontrer, le fait boire et changer d’avis.

L’écrivain aime le film à part une scène, qu’il trouve trop violente, où Jean-Pierre Bacri pousse un enfant dans une fosse à orties → Michel Leclerc la change et la tourne à nouveau (l’enfant tombe tout seul et JPB se contente de le regarder sans l’aider).

Le réalisateur aime les fins heureuses et d’ailleurs, même si logiquement il ne devrait pas rester en vie, dans le roman il ne meurt pas non plus (mais il ne retrouve pas le bateau).

            17h. Tigru

            (2023. « Vera, 31 ans, est vétérinaire de zoo d’une petite ville de Transylvanie. Après avoir perdu son nouveau-né, elle est obsédée par l’idée de donner les rituels d’enterrement orthodoxe de l’Est, passant plus de temps au travail et s’éloignant de son mari, Toma. Un jour, le tigre du zoo s’échappe…[4] »)

            … du roumain Andrei Tănase. Premier film en compétition pour le prix Solveig Anspach. Deux sujets sans aucun lien. Note : 2/5.

            21h. Lullaby

            (2022. « Jeune maman, Amaia, vit dans une grande ville espagnole. Souvent seule car son compagnon est absent durant de longues périodes, elle décide de retourner dans la maison familiale dans un village pittoresque sur la côte basque du nord de l’Espagne dans l’espoir que ses parents puissent s’occuper d’elle et de son bébé. Bientôt sa mère tombe malade, Amaia n’a pas d’autre choix que de prendre soin d’elle et s’occuper de la maison[5] »).

            … ou Cinco lobitos de l’Espagnole Alauda Ruíz de Azúa. Deuxième film de la compétition. Intéressant début (baby blues) mais devient ensuite plus banal.

https://www.senscritique.com/film/Le_Poteau_rose/8194102] https://www.senscritique.com/film/j_invente_rien/411289[1] https://www.senscritique.com/film/la_vie_tres_privee_de_monsieur_sim/1612985https://www.liff-mons.be/fr/filmtigru]https://www.senscritique.com/film/lullaby/52325988

Journal de Dominique, un jour à Prades -1-

Samedi 15 juillet

 

Nous arrivons à temps à Prades pour (re)voir, à 17h, Top Hat avec le divin Fred Astaire. Yann Tobin nous a concocté un programme « Joyaux du musical hollywoodien » et, dans sa présentation du film, ne m’apprend rien que je ne sache déjà si ce n’est que, si Fred Astaire n’est pas crédité au générique du statut de co-réalisateur, c’est à lui qu’on doit la prise de vue des danseurs en entier et la continuité des numéros dansés…

(Seule entorse à la règle de toute sa carrière -si je ne m’abuse- : les quelques plans sur ses pieds et ceux de Ginger au tout début de The Piccolino)

la découpe en divers types de cadrage étant…

(Et je suis bien d’accord, les cameramen et monteurs d’aujourd’hui devraient en prendre de la graine)

… une horreur qui gâche tout.

Le son des claquettes était postsynchronisé : si Fred Astaire dansait son rôle, ce que Yann Tobin ne dit pas (mais n’est pas sans savoir), c’est que le chorégraphe Hermes Pan doublait Ginger Rogers (j’ignore en revanche si les deux hommes dansaient chacun de leur côté ou bien « cheek to cheek » et ça m’intrigue…)

21h. Soirée d‘ouverture avec Des goûts et des couleurs du premier invité de ces Ciné-Rencontres, Michel Leclerc.

Mon Dieu qu’il est sympathique ! Son sourire chaleureux (je pense à Jean-Pierre Améris) fait illico ma conquête.

Des goûts et des couleurs : « Marcia, jeune chanteuse passionnée, enregistre un album avec son idole Daredjane, icône rock des années 1970, qui disparait soudainement. Pour sortir leur album, elle doit convaincre l’ayant droit de Daredjane, Anthony, placier sur le marché d’une petite ville, qui n’a jamais aimé sa lointaine parente et encore moins sa musique[1] ».

La place des chansons dans la vie.

Après Brassens, Brel etc., comment en écrire encore ?

Michel Leclerc et son ami guitariste

Ni moi ni aucun Cramé présent n’avions entendu parler de ce film. Pas étonnant, dit Michel Leclerc, il est sorti fin juin juste après le confinement.


[1] https://www.senscritique.com/film/les_gouts_et_les_couleurs/46391730

Jeanne Dielman-Chantal Akerman (3)

Je vois enfin Jeanne Dielman 23, quai du Commerce 1080 Bruxellesde Chantal Akerman. Pas vu lors de sa sortie en 1976. Effrayée par sa longueur (3h 18), par son sujet…

(« Trois jours de la vie d’une mère veuve qui se prostitue chez elle pour joindre les deux bouts[1] »)

… et par la perspective de voir Delphine Seyrig éplucher des pommes de terre pendant des plombes (en fait elle en prend quatre mais n’en épluche que deux et la scène est courte par rapport -par exemple- à celle où elle malaxe la viande hachée avec un œuf.

« Jeanne fait des passes à domicile et c’est ce qui lui permet de survivre dans une sorte d’indifférence, prise qu’elle est entre ce rituel sexuel lucratif et l’épluchage de pommes de terre.

Le sujet et le parti pris esthétique de Chantal Akerman se fondent sur l’épuisement, exténuation d’une vie d’une part et épuisement plastique d’autre part revendiqué à une époque où l’art conceptuel est aux postes de commande des autres arts.

La puissance du film est intacte aujourd’hui car son ambition fut de donner l’illusion que le déroulement diégétique correspondait au dévidement du temps réel. Pourtant, les cadrages, les infimes mouvements d’appareil et l’impassibilité de Delphine Seyrig parviennent contre toute attente à imprégner le banal appartement d’une « inquiétante familiarité » freudo-hitchcockienne.

Si le film opère, quarante années plus tard, un tel effet dramatique et visuel, et dont la restauration récente accentue encore l’efficience, c’est au travail de lumière qu’on le doit également. L’invention de Chantal Akerman se loge pour partie dans cette virtuose utilisation de la lumière du jour qui change lentement et les formes variables que projettent les lumières artificielles de la ville »…

(Dans la salle à manger, reflets de néons clignotants -une enseigne lumineuse ?- derrière Delphine Seyrig)

« de laquelle Jeanne s’isole[2] ».

De son lever à son coucher la vie de Jeanne est une succession de rites dénoncés par le film, Chantal Akerman…

(Elle a réalisé son film à l’âge de 25 ans, à une époque où, mise à part Agnès Varda, il n’y avait pas de réalisatrices)

… venant d’une famille juive polonaise émigrée à Bruxelles en 1938 et vivant au rythme des rituels imposés par les hommes qui ne parlaient que yiddish et refusaient d’apprendre toute autre langue, nous apprend Françoise qui présente le film pour les Cramés. Car oui, il passe à Montargis ! Ressorti il y a environ un mois à Paris avec une unique séance journalière débutant à 15h 30 et ne me permettant donc pas de rentrer par un train décent. Aujourd’hui, mûre pour le voir, je regrettais de devoir y renoncer quand…

La vie de Jeanne bascule petit à petit lorsque des grains de sable viennent la perturber. C’est d’abord le couvercle de la soupière où elle range son argent qu’elle oublie de remettre en place, puis les pommes de terre mises à bouillir pendant qu’elle reçoit son deuxième client qui sont trop cuites, et pas question d’en faire de la purée, ce n’est pas le jour de la purée.

(Les repas aussi sont ritualisés : le mardi c’est daube et pommes de terre, le mercredi  escalope viennoise avec carottes, petits pois et les éternelles patates. Mais quelle grâce a Delphine Seyrig lorsqu’elle mange sa soupe ! L’élégance de son geste quand elle porte sa cuillère à sa bouche !)

Le lendemain, elle oublie d’attacher un bouton de sa robe de chambre (ce que lui fera remarquer son fils et elle s’empressera de réparer l’erreur), la brosse à faire reluire les chaussures du garçon lui échappe des mains, la Poste où elle va porter son argent est fermée, une femme est assise à la place qu’elle a coutume d’occuper dans le bar où elle a ses  habitudes et la serveuse a changé (elle paie son café et part sans l’avoir bu). Et ainsi de suite jusqu’à ce qu’avec le troisième client se produise l’impensable : on pénètre dans la chambre à coucher pour la première fois pendant l’acte et on assiste à l’évènement, qui a lieu sur l’habituelle serviette posée par Jeanne sur le couvre-lit, l’homme est sur elle immobile…

(Immobilité impossible dans la réalité, tout comme, la veille, celle de la vieille dame devant le guichet de la Poste pendant que Jeanne remplit ses papiers)

…et son visage à elle, face à nous, sa main qui étreint l’oreiller, trahissent seuls ce qui est en train d’arriver. (En plus l’homme -sacrilège !-, en pleine béatitude après l’étreinte, roule sur le dos à côté de la serviette).

Une énième entorse au rituel, existentielle cette fois, et la vie de Jeanne s’écroule. Supprimer la cause du dérapage est tout ce qu’elle peut faire, afin de… quoi ? Pouvoir continuer, non pas à vivre, seulement à exister ? Mais peut-elle encore être après le désastre ?

On aura peine à le croire mais le film contient de l’humour. Si si : le fils de Jeanne parle avec l’accent flamand (normal, c’est un Flamand qui l’interprète ; dans les années 1990 il deviendra député) mais ce qui est moins ordinaire, c’est qu’il est censé l’avoir pris volontairement parce qu’il étudie dans un lycée flamand où ses camarades se moquaient de son accent wallon (et Jeanne se demande s’il sait encore prononcer les r comme elle). Et la récitation (à deux reprises !) d’un poème de Baudelaire sur un ton monocorde et avec moult hésitations est un grand moment surréaliste.


[1] https://www.cinematheque.fr/film/56833.html

[2]Dominique Païni, https://www.cinematheque.fr/film/56833.html

Le journal de Dominique- Le Parfum Vert-Nicolas Pariser

Vu à l’Alticiné Samedi 24 décembre

            Entre la critique décourageante…

            (« Eh ben, en voilà, un nanar ! […] Nicolas Pariser a souhaité aborder l’univers de la comédie. Pourquoi pas ? […] Entre deux clins d’œil à Hitchcock et à Tintin, il est question d’extrême droite en Europe, d’antisémitisme, de souvenirs de la Shoah, rien que ça… Vincent Lacoste est cette fois mauvais comme un cochon » -ce qui est méchant pour les cochons, comme dirait Groucho Marx- « et la talentueuse Sandrine Kiberlain ne parvient pas à sauver le film ; elle a même l’air, parfois, de s’ennuyer. Comme nous »)

… que Le Canard enchaîné classe dans la rubrique « Les films qu’on peut ne pas voir » et les propos dithyrambiques de Laurent Delmas sur France Inter…

(« J’ai surtout vu Le Parfum vert de Nicolas Pariser, troisième film de ce cinéaste français extrêmement talentueux et là, il nous propose une revisitation […] c’est un peu Tintin en hitchcockie, Tintin chez Alfred Hitchcock, c’est réussi, c’est formidablement interprété par Vincent Lacoste et Sandrine Kiberlain, ça va à toute allure, c’est brillantissime, ça parle aussi de choses beaucoup plus graves comme la géopolitique et comme le faisait Hitchcock aussi en son temps avec par exemple Les 39 marches ou ses grands films d’espionnage, non vraiment pour la période il faut aller voir ce film parce qu’il est à la fois intelligent, brillant, drôle, sensible et il va à toute allure »)

… qui encourage les auditeurs à offrir en un billet comme cadeau de Noël, et n’ayant trouvé à la médiathèque, afin d’en savoir plus (ces avis contraires, ça nous intrigue) ni Le Monde de mercredi ni Télérama (le dernier remonte à octobre et non, je ne suis pas abonnée à cette revue) et encore moins Positif dont il ne subsiste qu’une page de couverture, reste à nous faire notre propre opinion sur Le Parfum vert de Nicolas Pariser. C’est pourquoi nous nous retrouvons pour la séance de 14h 10 dans la salle 9 de l’Alticiné où nous retrouvons nos places « attitrées »…

(Dernier rang à droite,  la salle est petite, 74 places,  c’est ce qu’affiche l’écran dans le hall avant que nous n’achetions nos billets, et comme nous sommes les seuls spectateurs…) 

… du temps où les séances du jeudi des Cramés s’y tenaient.

Alors ? Ça commence comme du Hitchcock  (le chignon de Kim Novak dans Vertigo),

ça continue comme du Hitchcock…

(Vincent Lacoste se retrouve face au méchant -Rüdiger Vogler qui semble, après Rio ne répond plus, être voué à jouer les méchants germanophones, tel Gert Fröbe en son temps- dans une maison « squattée » comme, me semble-t-il, Cary Grant face à James Mason dans La Mort aux trousses)

… ça se poursuit (idem) dans des trains (La mort aux trousses encore, Une femme disparaît) et ça finit dans un théâtre comme dans L’Homme qui en savait trop. Le tout sur un rythme soutenu : n’en déplaise au Canard, on ne s’ennuie pas.

Là où ça pêche :

• Le discours de Sandrine Kiberlain sur Israël et l’Europe. Si Hitchcock faisait de la géopolitique, c’était de façon discrète, sans s‘appesantir, comme en passant. On comprenait sans qu’on nous assène un exposé lourdingue.

• Le couple Vincent Lacoste/Sandrine Kiberlain ne fonctionne pas. Trop de différence d’âge entre les deux. Ça n’est pas que me gênent les couples où la femme compte plus d’années que l’homme, ça les regarde, mais ici on n’y croit pas, manque de glamour → pas hitchcockien. 

Et surtout Vincent Lacoste me semble une erreur de casting. Pas (assez ?) de charme. J’aurais bien vu, à la place… Raphaël Personnaz ? Avec Noémie Merlant ? Oui Raphaël Personnaz et Noémie Merlant, celle de L’Innocent, voilà en tout cas qui aurait été bien plus excitant. 

Excitante : la belle maison Art Nouveau où sont logés, à Bruxelles, le duo Lacoste/Kiberlain. Il nous semble bien (oui, c’est elle, aucun doute) reconnaître, à son pavage, la maison Flagey…

(Située en face d’un plan d’eau. Aucune rivière ne coulant -du moins de façon visible- à Bruxelles même, on ne peut être qu’à Ixelles) 

… « qu’Ernest Blérot édifia en 1904 au 39 de ce qui est aujourd’hui l’avenue du général de Gaulle » comme je l’écrivais le 12 mars 2017 lors de notre dernier BANAD.

Et comme la maison accueille désormais des chambres d’hôtes, il se pourrait même que s’y trouve vraiment l’appartement qui sert de planque à nos héros. Dans ce cas ça donnerait envie d’y passer quelques nuits si ça n’était si loin du centre. Non, décidément, le mieux c’est encore l’hôtel Métropole. 

Le journal de Dominique (3 et Fin) Prades 2022

Mardi 19 juillet

Mia à Prades 2022

            Mia Hansen-Løve est arrivée.

Mercredi 20 juillet

            Ayant vu Bergman Island il y a moins d’un an, nous n’assistons pas à la première rencontre avec elle.

Jeudi 21 juillet

            9h. Tout est pardonné

(« Victor habite Vienne avec Annette et leur petite fille Pamela. C’est le printemps, Victor qui fuit le travail passe ses journées et parfois ses nuits dehors. Très éprise, Annette lui fait confiance pour se ressaisir dès qu’ils seront rentrés à Paris. Mais à Paris, Victor reprend ses mauvaises habitudes[1] ». Vu en 2007 lors de sa sortie mais oublié. Mon seul souvenir :  ça tourne autour de la figure paternelle) 

… premier long métrage (réalisé à l’âge de 25 ans) de Mia Hansen-Løve qui est là (et le sera jusqu’au dernier jour) à la fin de la projection pour nous en parler.

Elle se souvient très bien comment l’idée du film, avec ses trois parties, s’est imposée à elle. Chacun de ses films étant fondé sur quelque chose qu’elle a vécu…

(Elle n’a rien contre les adaptations littéraires à condition qu’elle puisse y dire ce qui lui tient à cœur : des choses personnelles)

… tout est parti d’un deuil. Un oncle mort quand elle avait 12-13 ans et le silence (blessée qu’on ne la laisse pas aller à l’enterrement) autour de sa disparition, un mois après qu’il a retrouvé sa fille. Bien que ce ne soit pas sa propre histoire, elle s’identifie à cette fille.

En même temps, Mia Hansen-Løve est très attachée à la fiction, au romanesque. Plaisir de raconter une histoire. But : rendre compte du réel en le transformant. 

Ses films prennent une histoire en cours et se terminent avec le sentiment que la fin n’est pas définitive, que quelque chose va se poursuivre : dans ce double portrait d’un père et de sa fille, que va faire cette dernière de cette histoire ? De même pour les scènes : la réalisatrice donne toujours le sentiment de rentrer dans une action qui a déjà commencé et qu’elle quitte sans que celle-ci soit terminée. 

Force et beauté intérieure de Pamela : elle fait par elle-même le choix d’aller vers son père, de se faire sa propre idée sans se laisser influencer par sa mère. Que le film ne juge pas : on peut comprendre qu’elle ne veuille plus voir Victor, incarné par Paul Blain (rencontré lors d’une rétrospective, qu’il présentait, des films de son père Gérard ; a tourné dans trois ou quatre films mais n’est pas vraiment un acteur).

Pamela adolescente : incarnée par Constance Rousseau (maladie des yeux, héritée de son père : ils sont toujours en mouvement). Comme Mia Hansen-Løve cherchait une petite fille pour jouer Pamela enfant, Constance proposa sa petite sœur Victoire. Afin de ne pas laisser de côté la troisième sœur, la réalisatrice écrivit spécialement pour elle le rôle d’une cousine qui apparaît à la fin du film.

Le premier titre envisagé, « Je viendrai seul », enfermait le film du côté du père. Dans le titre définitif Tout est pardonné, le choix est fait de porter le regard sur la fille. 

Il n’est pas convenu de s’intéresser à une jeune fille qui décide de pardonner et non de se venger. Mia Hansen-Løve n’aime pas l’idée de vengeance au cinéma.

La dernière séance du jour (précédée d’un repas en musique) a lieu à 21h 30 sous les remparts de Villefranche-de-Conflent et, même s’il y a possibilité de covoiturage, pas envie de sortir de Prades. Nous ne verrons donc pas Eden de Mia Hansen-Løve. Pas trop grave, la musique électro n’est pas notre truc.

Vendredi 22 juillet

            9h. Le Père de mes enfants (2009), second film de Mia Hansen-Løve.

            « Grégoire Canvel a tout pour lui. Une femme qu’il aime, 3 enfants délicieuses, un métier qui le passionne. Il est producteur de films. Révéler les cinéastes, accompagner les films qui correspondent à son idée du cinéma, libre et proche de la vie, voilà justement sa raison de vivre, sa vocation. Avec sa prestance et son charisme exceptionnel, Grégoire force l’admiration. Il semble invincible[2]… »

Il n’était pas dans les plans de Mia Hansen-Løve de faire un film sur le cinéma. Ce sont les circonstances -le suicide en 2005 d’Humbert Balsan qui devait produire Tout est pardonné-…

(La réalisatrice dut se trouver une autre maison de production. Celle-ci n’ayant pas voulu produire Eden, elle se vit dans l’obligation d’en chercher une seconde. Depuis, elle est fidèle aux deux qui la produisent tour à tour, ce qui donne de l’air à l’une quand elle choisit l’autre)

… qui ont été l’élément déclencheur. Elle a voulu garder une trace de cet homme. Le cinéma : un art qui fixe l’éphémère, qui rend éternelle la fragilité de l’existence.

Mia Hansen-Løve a grandi hantée par l’idée de suicide. Après que le sien eut mis fin à ses jours, son propre père s’est retrouvé dans la situation de le remplacer, de devenir le père de la famille. Le suicide de son producteur a ranimé cette histoire. 

Une question hante ses films : celle de la survie de l’âme. Est-ce le vide ou bien l’esprit reste-t-il ? Dans ce cas, comment ? Grégoire Canvel survit-il à travers ses enfants ou les films qu’il produit ? Mia Hansen-Løve est athée mais elle est dans l’interrogation. Désir de croire en l’au-delà mais incertitude totale sur l’hypothèse que quelque chose puisse persister.

Ses films parlent de la mélancolie à laquelle le cinéma lui a permis d’échapper. 

            Humbert Balsan donnait l’impression que tout allait bien. Il était dans une addiction destructrice : la vitesse, qui est conservée dans le film (et à laquelle Mia Hansen-Løve a pris goût) même dans les scènes avec les enfants. Louis-Do de Lencquesaing a quelque chose du panache du personnage. Clémence, sa fille dans le film, est joué par sa propre fille Alice dont l’émotion à la mort du père est réelle.

            Les enfants. État de grâce par rapport à eux. Forte de l’expérience de son premier film, Mia Hansen-Løve a écrit celui-ci pour leur donner de l’espace suivant un canevas non cadenassé. Les scènes sont pensées en fonction de la liberté qui leur est laissée, au contraire des adultes pour qui tout est écrit.

            Le titre. Considère le point de vue de la mère mais tout le monde est dedans. Il fait exister toute la famille. Mise à distance et intimité mêlées.

            17h. Un Amour de jeunesse (2011), troisième film de Mia Hansen-Løve qu’elle considère (Tout est pardonné et Le Père de mes enfants lui ayant été « imposés » par les circonstances) comme son premier.

« Camille a 15 ans, Sullivan 19. Ils s’aiment d’un amour passionnel, mais à la fin de l’été, Sullivan s’en va. Quelques mois plus tard, il cesse d’écrire à Camille. Au printemps, elle fait une tentative de suicide. Quatre ans plus tard, Camille se consacre à ses études d’architecture. Elle fait la connaissance d’un architecte reconnu, Lorenz, dont elle tombe amoureuse. Ils forment un couple solide. C’est à ce moment qu’elle recroise le chemin de Sullivan[3]… ».

Le sujet : la construction d’une personnalité. Histoire fondatrice. Lien entre la vocation et le très long deuil amoureux.

Camille est faible par rapport à Sullivan…

(Elle est aussi amoureuse de son sentiment et peut-être est-ce pour cette raison que Sullivan la fuit)

… mais malgré tout elle fait sa vie. Il fallait une adolescente qui devenait femme. Ce fut Lola Creton…

(Jeu minimaliste. N’est jamais affectée et en même temps est très gracieuse, avec encore quelque chose de l’enfance)

… repérée dans Barbe bleue, un film de Catherine Breillat. 

Sebastian Urzendowsky (Sullivan) : il y eut des commentaires négatifs sur lui alors que Mia Hansen-Løve a été touchée par sa fragilité. 

Importance du rôle de la mémoire dont on se nourrit, ce qui n’empêche pas les films de la réalisatrice d’être tournés vers l’avenir.

Au départ d’un film, il y a une image. Ici, le chapeau emporté par le vent.

Un Amour de jeunesse a été écrit en deux fois. Une première du point de vue masculin, la seconde du côté féminin.

L’architecture. Mia Hansen-Løve s’y connaît peu mais elle y est sensible + c’est photogénique + architecture et cinéma ont beaucoup en commun (rapport à l’espace et recherche de l’ombre pour mettre en valeur la lumière, et là je pense à L’Eloge de l’ombre du grand Tanizaki)

Samedi 23 juillet

            11h. Rencontre-débat avec Mia Hansen-Løve.

            Elle n’est pas passée par une école de cinéma (me rappelle Marion Hänsel). Une expérience décisive : à 17 ans, elle s’est retrouvée à jouer (dix jours de tournage) dans un film…

(Fin août début septembre, revu il y a quelques mois. J’ai alors eu la surprise de la retrouver actrice quand je la croyais uniquement réalisatrice)

… d’Olivier Assayas suite à un casting sauvage (sa prof de philo : Vas-y). Impressionnée, émerveillée, elle échappe à ses problèmes de l’époque…

(Un chagrin d’amour -voir Un amour de jeunesse- qui avait amenée l’ado mélancolique à faire le geste radical de couper ses cheveux très courts.)

… et découvre le bonheur du cinéaste sur un tournage.

Après son bac, elle suit des études germaniques à la Sorbonne.

Quelques années plus tard, elle réalise un court métrage qui, sélectionné dans un concours étudiant, est remarqué par un membre du jury, le producteur Humbert Balsan. Six mois après, ayant reconnu son nom peu commun (d’origine danoise) dans Les Cahiers du cinéma, il recontacte la jeune réalisatrice afin de lui demander si elle écrit un long métrage. Oui. 

Humbert Balsan : avait été assistant et acteur sur le Lancelot de Robert Bresson, cinéaste qu’aime aussi Mia Hansen-Løve. De même qu’Eric Rohmer…

(Peut-être aurait-elle été intéressée d’apprendre que « dans la perspective de la donation par la famille Schérer de sa [E. Rohmer] maison natale à la ville de Tulle, un travail est en cours sur le projet d’un futur lieu culturel et associatif à rayonnement international ». J’espère qu’on pourra la visiter, une photo de l’intérieur resté « dans son jus » -des rayonnages remplis de livres surmonté d’un tableau naïf moyenâgeux sur fond de papier peint style toile de Jouy- m’a alléchée sur une grande affiche -la même, en petit format, sur les vitrines de boutiques ainsi qu’en carte postale au dos de laquelle j’ai trouvé les renseignements retranscrits ci-dessus)

… qui également l’influence : il parle de gens qu’elle connaît. Dans Conte d’hiver, l’héroïne retrouve par hasard l’homme qu’elle attendait. Choix d’être dans l’espoir et du côté de la vie même si elle est cruelle. 

Mia Hansen-Løve écrit seule ses scénarios, en surmontant ses angoisses parce que c’est difficile. Mais il faut en passer par là et affronter sa solitude face à l’écriture. C’est différent du cinéma qui est un art collectif…

(A ce propos je ne comprends pas qu’on boycotte un film sous prétexte que le réalisateur est devenu persona non grata. Injuste pour les acteurs et les équipes techniques. Qu’ont-ils fait pour mériter ça ? Idem d’ailleurs pour tout le domaine artistique et même scientifique, fera remarquer Orlan sur France Inter le mois prochain, qui sait si ça ne nous aurait pas privé des antibiotiques -c’est un exemple comme un autre, ni elle ni moi ne connaissons rien de la vie privée d’Alexander Fleming- et s’il fallait ôter des musées les œuvres des salauds -il sera question de Picasso- ils seraient presque vides)  

… mais c’est important si on veut dire quelque chose d’essentiel. L’écriture d’un scénario est la promesse d’autre chose.

Les décors naturels sont très importants pour Mia Hansen-Løve, très sensible à la nature. Elle a grandi à Paris dans un petit appartement sombre mais chaque été elle partait avec sa famille dans la maison de sa grand-mère, près des sources de la Loire (où ont été tournées des séquences d’Un amour de jeunesse). Les mêmes lieux toujours parcourus et le contraste ville/espace continuent de la nourrir. Scènes de baignade dans presque tous ses films. 

De même il y a toujours des personnages qui marchent. Marcher raconte un cheminement intérieur invisible.

Mia Hansen-Løve définit son style ainsi : clarté, lumière, concision. Rejet de toute emphase. Sobriété et retenue. Recherche de la justesse des mouvements de façon invisible. 

Marion Monnier : monteuse de tous les films de la réalisatrice en collaboration avec elle (elle adore le montage). La première aurait du mal à choisir une prise sans la seconde et réciproquement. 

Mia Hansen-Løve a fait le choix de ne pas travailler avec un compositeur (pas de musique qui souligne). Les chansons sélectionnées ont leur propre histoire et donnent aux films une dimension supplémentaire. 

L’Avenir. Ecrit pour Isabelle Huppert. Désir de travailler avec elle…

(Pour autant, Mia Hansen-Løve était terrorisée de tourner avec la célèbre actrice. Un moment inoubliable : cette dernière est dans sa loge, brouhaha sur le plateau. Elle en sort. Silence. Huppert : charmante et facile -idem en ce qui concerne Edith Scob : humour + aucun narcissisme- avec un respect immense pour le travail du metteur en scène -si elle butait sur un mot, elle voulait réussir à dire ce qui était écrit- mais la réalisatrice est restée intimidée)

… pour son énergie, son humour, sa vivacité, parfaits pour incarner la prof de philo. Mia Hansen-Løve redoutait la façon dont le film allait être perçu. Grâce à Isabelle, les spectateurs rient ou sourient. 

Comment interpréter les larmes de sa fille à la maternité ? Quand Isabelle Huppert dit des choses violentes contre son père, elle est dans l’amour → ça la heurte (j’avance une autre hypothèse : c’est elle qui, par son intransigeance, a poussé son père à quitter sa mère ; ne peut-elle le regretter ?).

Avec L’Avenir…

(« Nathalie est professeur de philosophie dans un lycée parisien. Passionnée par son travail, elle aime par-dessus tout transmettre son goût de la pensée. Mariée, deux enfants, elle partage sa vie entre sa famille, ses anciens élèves et sa mère, très possessive[4]… »)

 le cinéma de Mia Hansen-Løve prend un tournant : ses acteurs sont connus. Mais elle conserve intact le plaisir de travailler avec des gens sans expérience. 

Les livres. Quand elle présente le film à l’avance sur recette, le premier reproche qu’on lui fait est : pourquoi une prof de philo, une intellectuelle ? Par fidélité envers sa mère, enseignante en philosophie. Et aussi : c’est l’amour de la pensée qui sauve le personnage d’Isabelle Huppert. Lui permet de ne pas être abattue. L’intellectualité est associée à la bourgeoisie (cependant, dans les films bourgeois, les grands appartements sont vides de livres) mais le milieu dans lequel a grandi la réalisatrice n’était pas bourgeois. Ses parents, tous deux profs de philo, travaillaient très dur. Ils lui ont transmis des valeurs, des interrogations, même si elle-même possède très peu de livres de philo,

Il est intéressant de faire des films différents des précédents. De ne pas s’enfermer.

            17h. Maya (2018) de Mia Hansen-Løve, tourné avant Bergman island.

            « Décembre 2012, après quatre mois de captivité en Syrie, deux journalistes français sont libérés, dont Gabriel, trentenaire. Quelques semaines plus tard, voulant rompre avec sa vie d’avant, Gabriel décide de partir à Goa. Il s’installe dans la maison de son enfance et fait la connaissance de Maya, une jeune indienne[5] ».

Le rapport avec la réalisatrice : son grand-père était reporter de guerre, correspondant pour Paris Match. Désir aussi de faire un film sur quelqu’un qui doute de son métier.

Le thème : la vocation.

Film ouvertement romanesque. Après L’Avenir

(Vu déjà deux fois → pas allés à sa projection ce matin, d’autant plus que nous nous sommes couchés à 2 heures du mat’, les séances à la belle étoile ça ne commence jamais à l’heure indiquée mais quand la nuit veut bien tomber, et en plus il y avait le concert qui s’est fait attendre) 

… Mia Hansen-Løve est en quête de renaissance. Elle veut explorer un autre territoire, échapper au monde qu’elle connaît. Maya incarne l’inconnu, une forme d’interdit, un amour impossible. Le film = le portrait d’un homme qui regarde cette jeune fille. Qui cherche à retrouver son corps, à se réincarner. Qui part en Inde pour se reconstruire et retrouver son passé mais ça rate : sa maison brûle (incendiée par les promoteurs qui veulent récupérer son terrain ?) et le courant ne passe pas avec sa mère. Sauvé par Maya : on peut chercher une chose et en trouver une autre.

Pourquoi l’Inde ? Pour s’en rapprocher, aller au-delà des apparences. La réalisatrice a choisi de tourner dans les rues sans les vider de leur population, sans mettre des figurants à la peau plus claire comme c’est l’usage dans les films indiens. De même la jeune fille qui incarne Maya ne correspond pas aux critères bollywoodiens : elle est mince et s’habille à l’occidentale, ce que Mia Hansen-Løve a choisi de conserver.

Séquence tournée à Hampi qui, pour la réalisatrice, est un lieu de calme, de paix, de plénitude.

Remarquons le T-Shirt de Léa Seydoux et regardons celui de Mia Hansen Love … Tous nos voeux de succès !

            21h 30. Projection en avant-première du dernier film en date de Mia Hansen-Løve, Un beau matin

            (« Sandra, jeune mère qui élève seule sa fille, rend souvent visite à son père malade, Georg. Alors qu’elle s’engage avec sa famille dans un parcours du combattant pour le faire soigner, Sandra fait la rencontre de Clément, un ami perdu de vue depuis longtemps[6]… »

            Le film s’inspire des rapports de Mia Hansen-Løve avec son père Ole -auteur des notes sur l’évolution de sa maladie censées être écrites par Pascal Greggory- atteint du syndrome de Benson.

Lien entre Tout est pardonné et Un beau matin, le second ayant fait ressortir des émotions ressenties au cours du premier.

Un joli moment : la fille de Sandra -elle est veuve- vient réveiller sa mère qui lui dit, Je ne suis pas seule. Alors, la tête de Melvil Poupaud -ni lui ni Léa Seydoux ne sont au mieux de leur forme d’acteur, je trouve- émerge des draps comme un diable jaillit de sa boîte. La gamine rit. C’est gagné)

pour clôturer la 63è édition des Ciné-Rencontres :

            La sueur en mille gouttes d’eau

Me dégouline dans le dos

C’est la faute à la canicule, canicule, canicule, canicule

Hou canicule canicule

            Mettons ce soir dans l’réservoir

            De l’essence et poussons

            A fond la climatisation

Rentrons à Montargis.

Ça ne changera pas d’ici

I f’ra trente-huit degrés aussi

Y’aura toujours la canicule, canicule, canicule, canicule

Hou canicule canicule.

L’année prochain’ nous reviendrons

Car aller ailleurs à quoi bon

Ce s’ra encor’ la canicule, canicule, canicule, canicule

Hou partout  la canicule.


[1] Brochure des Ciné-Rencontres.
[2] Brochure des Ciné-Rencontres.
[3] https://vodkaster.telerama.fr/films/un-amour-de-jeunesse/674091
[4] Brochure des Ciné-Rencontres
[6] https://filmsdulosange.com/film/un-beau-matin/

Le Journal de Dominique (2) Prades 2022

Samedi 16 juillet

21h30. Cinéma sous les étoiles dans le parc de la mairie.

Le court métrage Toutes les deux de Clara Lemaire Anspach…

(Une fille et sa mère atteinte d’un cancer en phase terminale, qui pourraient être Clara et sa propre mère morte de cette maladie, partent vers le sud pour un dernier voyage ensemble)

… est suivi de Queen of Montreuil (2012. Avec Dida Jonsdottir, éboueuse islandaise qui, dans son pays, reçut un César pour son rôle) de Sólveig Anspach à qui les Ciné-Rencontres rendent hommage en créant un prix qui porte son nom. Un peu de légèreté (qui n’empêche pas la profondeur) et de drôlerie ne fait pas de mal après trois films des Dardenne.

…..Pendant la projection passe une étoile filante.

Dimanche 17 juillet

            17 h. Unrueh (Cyril Schäublin, 2022, Suisse), premier des huit films (des premières, secondes ou troisièmes réalisations, toutes européennes) en compétition pour le prix Sólveig Anspach (souvent venue à Prades), attribué par le public et doté de 3000 euros.

Au bout d’une vingtaine de minutes, je glisse à l’oreille de JC, C’est chiant (trois spectateurs quittent la salle) : 

Images statiques dans lesquelles les personnages prennent des poses rappelant les tableaux du 19è siècle (couleurs idem) où l’action se situe. 

Mis à part un traveling latéral gauche qui part d’une montre accrochée à une branche pour s’arrêter juste avant (ça, c’est futé) de montrer les amoureux qui se sont avoué leur flamme, longs plans fixes où parfois deux personnages dialoguent dans le lointain avant que ça ne défile juste devant la caméra.

Nombreux inserts sur des mécanismes de montres (nous sommes dans une ville horlogère où de nombreux ouvriers s’engagent dans le mouvement anarchiste).

C’est joué par, me semble-t-il, des amateurs (en tout cas, ça parle plat).

Cependant (quand un film ne me plaît pas au départ, je reste quand même jusqu’au bout, les choses peuvent s’améliorer et c’est le cas ici) :

La ville est réglée sur quatre horaires (ceux de la municipalité, de l’usine, de la gare et du télégraphe) qui diffèrent de quelques minutes, ça ne simplifie pas l’existence mais c’est drôle.

Le patron de l’usine n’a rien contre la presse anarchiste (au contraire, sa lecture instructive lui donne des tuyaux pour gagner encore plus de sous).

Le parler plat finit par être (volontairement) comique, surtout quand c’est celui des gendarmes, qui souhaitent une bonne journée aux contrevenants après les avoir verbalisés. 

A son amoureux potentiel (et géomètre) qui lui demande en quoi consiste son travail, une ouvrière répond en le détaillant par le menu pendant plus d’une minute et en énumérant moult termes spécialisés et inconnus du profane, après quoi elle lui demande s’il a compris et il répond, Oui, je pense. 

Ça doit être ça l’humour suisse.

De 1 à 5, j’attribue au film la note 2 (passable) qui ne correspond pas vraiment à mon ressenti après coup. J’aurais pu mettre 3 mais il faut rendre son papier à chaud dès la sortie et on n’a pas le temps de la réflexion.

Lundi 18 juillet

11h. A l’occasion du 70è anniversaire de la revue Positif, débat avec Yann Tobin… (Pseudonyme de N.T. Binh  sous lequel  il a envoyé  son premier article à la revue afin 

de ne pas se ridiculiser si ce dernier n’était pas retenu, ce qui ne fut pas le cas)

… membre du comité de rédaction, qui nous apprend que :

            Les critiques qui écrivent pour la revue ne sont pas rémunérés. C’est stimulant car ils restent des amateurs (= des amoureux du cinéma). Aucune contrainte. Les seuls salariés sont le secrétaire de rédaction et deux coordinateurs.

            Toutes générations confondues, les jeunes ont toujours côtoyé les anciens (à la différence de ce qui se passe aux Cahiers du Cinéma). Quand certains cessent d’écrire parce qu’ils n’ont plus envie, il en vient d’autres.

            Les textes sont expédiés par la poste. Le premier ne sera peut-être pas publié (arrive trop tard, n’est plus d’actualité) mais s’il est bon on en demande un autre à l’auteur. Ce fut le cas d’Emmanuel Carrère (son prof de latin écrivait pour la revue) : il envoya un texte sur Hitchcock qui fut refusé mais on lui demanda d’en rédiger un autre sur les batailles au cinéma et celui-ci fut publié.

            Pas de rédacteur en chef à Positif mais un comité de rédaction dont les membres se réunissent dans les bureaux (au début : au domicile des uns et des autres) de la revue chaque dimanche à 17 heures. 

Si le comité est parisien (il faut assister aux réunions au moins deux fois par mois), Positif compte aussi des collaborateurs (qui envoient un texte de temps en temps) et des correspondants à l’étranger. 

            La revue a changé d’éditeur plusieurs fois. Parce que le titre Positif lui appartenait, l’un d’eux a voulu virer les rédacteurs → rachat par le comité afin de garder son indépendance. A présent le titre lui appartient et depuis 12 ans un contrat le lie à l’Institut Lumière et aux éditions Acte Sud. La revue tire à 10 000 exemplaires. C’est peu mais elle est lue par les professionnels de la profession. Le compte-rendu de juillet/août sur le festival de Cannes est très consulté par les distributeurs et les exploitants.

            Positif a des liens avec les cinéastes mais, afin de garder son indépendance, ne donne pas dans l’amitié. Yann Tobin cite l’exemple de Wim Wenders avec qui la revue a une relation très forte jusqu’au jour où un de ses films déçoit → annulation de la mise en couverture et du rendez-vous pris avec le réalisateur, qui n’a jamais pardonné ce revers. Quand des rédacteurs de Positif se retrouvent en face de lui lors d’un dîner, il les ignore. Puis il fait un film qui plaît à la revue → bonne critique → respect de Wim Wenders.

            La critique : un genre littéraire mineur. Une critique écrite par Flaubert sera toujours moins importante que Madame Bovary.

            Yann Tobin : j’aime quand il remarque que Michel Ciment peut être « distant »

14h. Jacky Caillou (Lucas Delangle, 2022, France). Dans les Alpes, une histoire de louve-garou chez les magnétiseurs-guérisseurs. 

Incapable de donner au film la note minimale de 1 (= « ne se prononce pas », façon polie de dire que le film est nul), je ne peux lui attribuer qu’un 2, mais comme ça correspond  à celle donnée à Unrueh qui lui est, selon moi, supérieur, je ne suis pas satisfaite.

17h. Golda Maria (2020) du producteur… 

(Il a, entre autres, produit les films de Sólveig Anspach -la cinéaste la plus libre qui soit- et insiste bien, Je ne suis pas réalisateur) 

… Patrick Sobelman et son fils Hugo. 

Golda Maria

Après avoir produit pour Arte des films sur les déportés, il se dit qu’il en a oublié une : sa grand-mère. En 1994 c’est le bon moment, pour lui et pour elle : elle a envie de parler, ce qu’elle n’avait jamais fait en famille. Il la filme sur des cassettes VHS.

En 2018 sa femme, également productrice (elle a produit Lune de miel d’Elise Otzenberger), lui dit qu’il a fait le travail à moitié → l’idée du film qu’une  amie productrice l’invite à montrer, Vous ne pouvez pas garder ça pour vous.

« Face à la caméra, ses [ceux de sa grand-mère Golda Maria Tondovska] souvenirs reviennent, de son enfance en Pologne à sa vie de femme en France, nous livrant le témoignage vivant d’une femme juive née en 1910, sa traversée du siècle et de ses horreurs[1] ».

Question : pourquoi attend-elle quinze mois pour accepter d’aller en Suisse…

(Sa réponse -elle veut être en France pour y vivre la victoire- ne satisfait ni son petit-fils -qu’est-ce que ça cache ?- ni moi)

… quand son mari, qui y est avec leur fille Simone (future mère de Patrick Sobelman), lui envoie tous les jours un passeur ? Elle est arrêtée lors de sa tentative, en compagnie de son fils Robert, trois ans, et de sa belle-mère qui seront tous les deux gazés…

(A un Allemand qui lui demande pourquoi elle n’a pas demandé réparation pour la perte de son fils, elle répond, Comment peut-on mesurer la valeur d’un enfant ? Ce qui nous ramène à L’Enfant des frères Dardenne, vendu par son père pour 5000 euros)

… dès leur arrivée à Auschwitz-Birkenau. 

(La colère de Maria est intacte quand elle mentionne le négationniste Faurisson)

En 1948, Golda Maria a un autre fils prénommé Gérard dont l’enfance a dû, dit Patrick Sobelman, être un cauchemar : elle l’appelait toujours Robert. Gérard a été fait pour remplacer Robert.

Simone, qui prétendait ne pas être au courant de ce que sa mère avait vécu, n’a pas voulu voir les rushes. Elle a attendu sa mort (à l’âge de 102 ans, c’était donc en 2022) pour regarder le film et a dit, Je n’ai rien appris que je ne savais déjà (a-t-elle écouté aux portes quand Golda Maria s’enfermait avec son amie de déportation Yvette ? se demande son fils).

Pour terminer sur une note moins tragique Patrick Sobelman dit de sa grand-mère, C’était une coquine. C’est avec elle qu’il a pris sa première cuite, à la sangria, à l’âge de 13 ans.

21 h. Seis dies corrents (Neus Ballús, 2021, Espagne-Catalogne) que je traduirais bien par « Six jours ouvrables » mais dont le titre français, Les Plombiers, est tout aussi pertinent. Film (drôle) sur l’acceptation de l’autre et la nécessité de vivre ensemble malgré ses différences. Ma note : 4 (« très bon »).

Incendies de forêt monstres en Gironde à la Teste-de-Buch depuis près d’une semaine. Pas de victimes humaines, se réjouit-on (et c’est normal) mais quid de la faune et de la flore ?

Mardi 19 juillet

            11h. A cause de Langlois (Mamad Haghighat, 2022, France).

            « Un jeune cinéphile d’Ispahan envoie une lettre » (en persan, qu’il conclut par le mot « merci ») « à Henri Langlois dans laquelle il lui exprime son désir de le rencontrer. Ne recevant pas de réponse, il débarque » (en 1977) « à Paris pour le voir. Trop tard, Langlois vient de décéder. Le jeune homme ira pourtant converser avec lui au cimetière Montparnasse. Dans son voisinage se trouve la tombe du fondateur de la cinémathèque iranienne » Faroukh Gaffari, longuement interviewé) «  lui-même formé par Langlois[2] ».  

            Si Langlois est mort, Mamad Haghighat (nom qui signifie « vérité ») découvre qu’à la Cinémathèque on peut voir quatre à cinq films par jour. Dès 1979 il y propose un cycle de films iraniens. Il dirige pendant plusieurs années la Filmothèque Quartier latin. Est retraité depuis six ans. Mais il fait toujours des films et écrit des livres.

            17h. Première séance de courts métrages (un prix sera attribué). Se détachent

            Dernière station (Pierre Ferrière, 2021, France). « Un client fait le plein dans une station-service isolée, puis… ». Avec Dominique Pinon et Pascal Légitimus. Note : 5 (excellent).

            Parallèles (Ambroise Carminati, 2021, France). « L’observation parallèle de deux jeunes femmes : une bergère et une custom success manager » (traduction ?) « dans le quotidien de leur journée de travail ». Devinette : laquelle a ma préférence ? Note : 4. Mais je regrette de ne pas lui avoir donné 5.

            21 h. Alcarràs (Nos soleils). Autre devinette : des arbres fruitiers ou des panneaux solaires, qui sera gagnant ?

Premier film catalan (Carla Simón) en 120 ans à recevoir un prix international, à savoir l’Ours d’or au festival de Berlin 2022.

Mercredi 20 juillet

            14h. Godland (Hlynur Pálmason, 2022, Danemark, Islande). 

« À la fin du XIXe siècle, un jeune prêtre danois se rend dans une région reculée de l’Islande pour y construire une église et photographier ses habitants. Mais plus il s’enfonce dans ce paysage impitoyable, plus il s’éloigne de son but, de sa mission et de sa moralité[3] ».

La première partie (difficile marche à travers une Islande inhospitalière) me fait penser à Jauja, film de Lisandro Alonso (2014) dans lequel Viggo Mortensen sue sang et eau dans le désert argentin (« pays de merde ! ») à la recherche de sa fille enfuie. 

Note 4. Mais j’aurais dû lui donner 5.

            17h. Deuxième séance de courts métrages. J’aime assez

            La Meute (Sept réalisateurs, 2021, France). « Après une journée éprouvante, une jeune femme d’une vingtaine d’années raconte son histoire à un policier dans l’espoir de se faire entendre… ». Film d’animation. A noter : trois films aujourd’hui sur les violences faites aux femmes ou les rapports hommes/femmes.

            Tu vas revenir ? (Léo Grandperret, 2021, France). « Max et Chloé sont timides. Un cours de théâtre pourra-t-il changer la donne ? »

            La Débandade (Fanny Dussart, 2021, France). « Trois hommes, trois générations (70, 50 et 20 ans), un point commun : leur virilité qui déraille… ». Avec Gérard Darmon et Philippe Lellouche.

            Tous notés 4. Mais je parie sur Parallèles.

            Jeudi 21 juillet

            13h 30. Palazzo di Giustizia (Chiara Bellosi, 2020, Italie).

« La limite entre justice et vengeance est parfois perméable. Dans un grand tribunal italien, Viale attend d’être jugé. Son crime ? Avoir poursuivi, puis tué, l’un des deux voleurs qui lui ont soustrait les recettes de sa station service. Le second attend de l’autre côté des barreaux et fait confiance à la rhétorique de son avocat. Dehors, sa compagne attend de savoir, en compagnie de leur fille, s’il sera jugé coupable. Face à elles, la fille de Viale espère que son père sera acquitté pour légitime défense. Toutes ces vies en équilibre instable se croisent dans le tourbillon d’une machine judiciaire où l’attente se cristallise et où le jugement tarde à arriver[4] ».

Jugement que nous ne connaîtrons pas : le sujet du film est ailleurs, dans « les familles, les enfants, les femmes des accusés et des victimes qui attendent dehors[5] ».

Note 4.

15h 30. Troisième séance de courts métrages parmi lesquels je détache

Pour un zeste d’amour (Hadrien Kasker et Mathieu Bouckenhove, 2021, France). 

« Pour séduire Alizée qu’il vient de rencontrer, Sébastien se met en tête de cuisiner le plat parfait mais il n’a pas le citron vert censé le rendre aphrodisiaque[6]… »

            Dernière valse (Jean-Baptiste Delannoy, 2021, France). Quand on perd un être cher, est-ce une offense à sa mémoire de ne pas conserver ses effets personnels ? Est-il choquant de ne pas garder les habitudes qu’on avait avec lui ? Pas très original mais… Avec Rufus. 

            Quant à La Mort de Claudette (Gérard Patoureau, 2021, France), ce documentaire sur une artiste hors norme gagnerait à ne pas raconter son enfance à l’aide de personnages (en pâte à modeler ?) aussi laids, Claudette et ses œuvres ne méritent pas ça.

Wet Sand

            17h 30. Wet sand (2022) d’Elene Naveriani que la présentatrice du film nous apprend être queer, de même que son acteur principal qui d’ailleurs n’en est pas un (il est professeur d’université), aucun comédien géorgien n’ayant accepté de jouer un gay …

            (« Après le suicide de son grand-père Eliko, Moe retourne dans un village au bord de la mer Noire pour organiser ses funérailles. En découvrant le secret du défunt, son histoire d’amour secrète pour un autre homme, Amnon, la jeune femme va mettre en lumière le sectarisme enraciné de la communauté[7] ») 

… la Géorgie est un des pays les plus homophobes d’Europe.

Note : 4.

Vendredi 22 juillet

            14h. Le Cœur noir des forêts (Serge Mirzabekiantz, 2021, Belgique). 

Des deux films belges proposés par Louis Héliot pour le prix Sólveig Anspach, les responsables des Ciné-Rencontres ont sélectionné celui-ci. Je ne sais à quoi ressemble l’autre, mais Le Cœur noir des forêts

(« Nikolaï, 16 ans, vit en foyer d’accueil. Solitaire et hanté par les origines de son abandon, il rêve de fonder une famille. Il convainc Camille, 15 ans, de partir vivre avec lui dans la forêt[8] » et d’avoir un enfant ensemble. Film réaliste qui flirte curieusement avec le fantastique avec ces vues -toujours accompagnées d’un grondement, menace invisible- de forêt artificiellement assombrie dans laquelle Camille finit par se perdre comme une sœur du Petit Poucet qui aurait perdu ses frangins)

… ne trouve pas le chemin de mon intérêt (pourquoi bon sang ce désir d’enfant ?) ni celui de JC qui, en pleine projection (il a piqué un somme, se réveille brusquement, se croit dans son lit devant la télévision), se tourne vers moi et me demande tout haut, Tu regardes ça ? 

Le réalisateur (né en 1975) est aussi pharmacien à Bruxelles. Qu’il le reste.

Note : 1.

21h 15 (en théorie). Soirée plein air dans le parc de la mairie. Certains l’aiment chaud

(Mais d’où sortent ces sous-titres tout droit sortis d’une traduction de Google où les expressions traduites littéralement -j’essaie d’en retenir mais elles sont si nombreuses que ça m’embrouille- sont du pur charabia ?)

… de Billy Wilder est précédé d’un petit concert (standards des années 1930 à 1950) censé être exécuté… 

(Exécuté, mot approprié : on ne demande pas à la violoniste d’être Stéphane Grappelli ni à la saxophoniste de jouer comme John Coltrane, mais il y a des limites et les couacs dans Petite fleur sont presque des caricatures)

… par des profs du Conservatoire. Cependant, dit le directeur, ce sont les vacances et la plupart sont partis en concert. Alors, qui joue ?

Samedi 23 juillet

            14h. La Dernière nuit de Lise Broholm (Tea Lindeburg, 2021, Danemark).

            « Campagne danoise, fin du XIXe siècle. Lise, aînée d’une famille luthérienne, rêve d’émancipation. Mais lorsque sa mère est sur le point d’accoucher, la jeune fille voit sa vie basculer en une nuit[9]… ».

            Encore une histoire d’accouchement. Et de foi. Lise demande à Dieu de sauver sa mère contre le renoncement à ses études et à son amoureux. Il laisse la mère mourir mais la fille doit quand même renoncer à tout. Ou bien Dieu est injuste ou bien il n’existe pas, rayer la mention inutile.

Et puis les cris, le jeu outrancier (ah ! le naturel des enfants chez Mia Hansen-Løve !), la lenteur, le flirt (encore) avec le fantastique (le nuage rouge sang au fond du champ de blé) dans une situation traitée avec le plus grand réalisme. L’ennui. C’en est trop.

Note : 1

            21h15. Remise des prix…

            (Coup de cœur du jury jeune : Wet sand -bravo-

            Prix du court métrage : La Débandade -très bien-

            Prix Sólveig Anspach : Wet sand -c’est mérité-)


[1] Brochure des Ciné-Rencontres.
[2] Brochure des Ciné-Rencontres.
[3] https://www.senscritique.com/film/godland/47402147
[4] https://festival-villerupt.com/title-item/palazzo-di-giustizia/
[6] Brochure des Ciné-Rencontres.
[7] https://www.rts.ch/info/culture/cinema/12983480-avec-wet-sand-elene-naveriani-brise-les-tabous-de-la-
[8] https://www.senscritique.com/film/Le_Coeur_noir_des_forets/45594381
[9] https://www.ufo-distribution.com/movie/ladernierenuitdelisebroholm/

Le Journal de Dominique Prades 2022

Vendredi 15 juillet 2022

           Hommage est rendu, pour leur fidélité, aux Cramés de la bobine par le président (?) des Ciné-Rencontres en cette soirée d’ouverture, en présence de Jean-Pierre Dardenne (né en 1951) dont L’Enfant (2005, réalisé avec son frère Luc, de trois ans son cadet) est projeté ce soir.

            L’idée du film est venue aux frères pendant le tournage de Le Fils : une jeune femme venait souvent sur les lieux, poussant un landau qu’elle maniait avec une telle violence qu’ils ont pensé qu’il était vide. Comme elle était toujours seule, ils ont imaginé qu’elle cherchait le père de l’enfant → c’est quoi devenir père ?

L’Enfant : avec Olivier Gourmet et Jérémie Renier, qu’on retrouve régulièrement… (Vous faites souvent appel aux mêmes comédiens,  jamais aux comédiennes, leur a fait

 remarquer Emilie Dequenne. Ils n’ont pu qu’en convenir) 

            … dans les films des frères.

            Après des démêlés avec le gouvernement français en 1968, Armand Gatti enseigne à  Bruxelles. Jean-Pierre étudie avec lui l’art dramatique (Luc : philosophie et sociologie). Gatti demande aux Dardenne de réaliser des documentaires sur les résistants de la Seconde guerre mondiale et sur les ouvriers. Suivent deux longs métrages de fiction jamais sortis en France…

            (Falsch, avec Bruno Crémer en 1987 et Je pense à vous avec Robin Renucci et Fabienne Babe en 1992)

… = des échecs retentissants… 

(Ne maitrisent pas les techniciens, en particulier sur le second film où le chef opérateur n’en fait qu’à sa tête, disant qu’il s’y connaît mieux qu’eux. Les frères : syndrome de l’autodidacte) 

… → ils fondent leur propre maison de production → leur troisième long, La Promesse (1996), est fait contre le précédent. C’est le premier dont ils ont la maîtrise…

(Belle séquence, que j’avais oubliée, de poursuite entre un scooter et une voiture : ne me souvenais que de la vente de l’enfant -et de sa récupération-) 

… et le film fondateur de leur cinéma.

Samedi 16 juillet

            Débat avec Jean-Pierre Dardenne après la projection de La Promesse

            A l’époque, les immigrés qui arrivent en Belgique bénéficient d’une assistance publique s’ils ont une adresse où habiter → des gens comme Roger les attendent à la gare pour leur louer un logement contre du travail au noir. Le bas de Seraing (banlieue de Liège d’où les Dardenne sont originaires) devient un ghetto pour immigrés (ayant vu les frères faire des repérages pour un autre film, un homme leur propose des logements).

            Olivier Gourmet. Immense acteur de théâtre. Il joue dans quatre pièces par an mais les Dardenne ne l’ont jamais vu. Ils le rencontrent dans un jury qui se réunit tous les trois mois. Alors qu’ils le filment, Luc remarque, Tu n’as pas les yeux bien ajustés. Olivier n’en convient pas, mais pour les frères, c’est formidable. Ce qui leur plaît en lui : il n’a pas l’air d’un acteur (= mon propre ressenti). Sans lunettes, il est perdu et c’est bien, parce que cet accessoire est très important dans le film. Les lunettes choisies sont celles payées par la Sécu. Elles sont moches.

            Jérémie Rénier. Trouvé par casting.

            Avant le tournage, Olivier et Jérémie passent du temps ensemble tout seuls. Les frères leur demandent de s’entraîner à changer de place en voiture pour se passer le volant : afin de ne pas perdre de temps au tournage, il faut qu’ils le fassent naturellement sans effort. 

            Répétition des scènes de bagarre pour les chorégraphier.

            Tout le monde doit être dans la même optique → les frères prennent le moins de collaborateurs possible entre eux et les comédiens.

            Jérémie Renier/Igor n’est pas conscient de ce qu’il fait. Ce sont les gestes qui l’amènent à changer.

            Tournage chronologique. Ça coûte un peu plus cher mais quand on revient sur les lieux on bénéficie du chemin fait entre temps et on peut améliorer au besoin ce qu’on a déjà tourné.

            Plans séquences et ellipses où la musique n’a pas sa place : les Dardenne travaillent à partir de leurs manques. Leur musique: le vent, le silence. « Mais on épargne du pognon, ça coûte cher un musicien ».

            La Promesse : présenté à Cannes à la Quinzaine des réalisateurs. Un seul journaliste dans la salle : un film avec Lolo Ferrari est programmé à la même heure et tous les autres ont choisi… 

(Et ça me rappelle qu’en 1985 Lucile et moi avions boudé Emir Kusturica -qui c’est celui-là ?- et son Papa est en voyage d’affaires, qui devait remporter la Palme d’or, pour L’Hôtel du libre échange de Marc Allégret, je n’en suis pas encre remise) 

… de voir les seins de Lolo. Le lendemain, le film fait la une de Libération et les journalistes marris recopient l’article, à grands renforts de « sic ».

Jean-Pierre et Luc Dardenne

  

Pour leur film suivant, les Dardenne suivent un personnage féminin qui se bat pour trouver sa place dans la société.

Sur 1000 postulantes (seul critère inscrit dans le scénario, l’âge : 16-17 ans) les Dardenne en retiennent deux et choisissent finalement Emilie Dequenne, plus terrienne. 

Scène dans laquelle Rosetta doit s’accrocher à un sac de farine. Répétition avec une chaise tenue par Luc : Emilie s’y agrippe avec rage. Idem avec la paire de bottes que Rosetta porte dans le film : Emilie, qui suit des cours d’art dramatique et est plutôt sophistiquée, les enfile tout naturellement.

Le but des Dardenne : sans que ce soit cérébral, faire perdre à quelqu’un qui n’a jamais joué la personne qu’il ou elle est dans la vie. Pour les pros, leur faire oublier leur technique, leurs tics.

Rosetta : un film de guerre. La caméra la suit, toujours derrière. Rosetta est amoureuse du travail comme Emma Bovary l’est de l’amour. Son obsession : trouver un boulot. Pour elle, la solidarité n’existe pas. Les autres sont des ennemis. C’est chacun pour soi. Libéralisme. Jusqu’au moment où elle est bouleversée par Fabrizio Rongione.

Film mal reçu en Belgique. Perçu comme une insulte à la Wallonie mais à la suite un plan est mis en place en faveur des jeunes.

Le Fils. La caméra est sur la nuque d’Olivier Gourmet → ça lui donne une grande fragilité…

(Et je pense à ce tableau de Bonnard, L’Enfant au pâté de sable -musée d’Orsay-, qui représente un petit garçon accroupi dans le sable, absorbé par son occupation il tourne le dos au spectateur, tendre nuque offerte entre sa blouse à carreaux et son béret noir, et je suis toujours épouvantée à l’idée qu’une grosse main la saisisse et la brise)

… → on a envie de voir son visage, ce qu’il pense, va-t-il se venger de celui qui a tué son fils → énorme tension.

Olivier avait interdit au jeune jouant l’assassin de l’approcher hors tournage à moins de trois mètres. C’était un jeu, dit Jean-Pierre Dardenne, ce que confirme l’acteur dans le documentaire de Luc Jabon et Alain Marcoen, L’âge de raison, le cinéma des frères Dardenne (2014, Belgique) que nous verrons mercredi matin. Un jeu sans doute. Ou présenté comme tel ? 

En Belgique existe le Tax shelter…

 (« Produit financier, mis en place en 2004 par le Gouvernement fédéral, destiné à encourager les entreprises à investir dans la production audiovisuelle en Belgique, moyennant un avantage fiscal intéressant[1] ». Un crédit d’impôt en quelque sorte) 

… qui permet à la société de production des Dardenne, Les Films du Fleuve, de produire des films de Cristian Mungiu ou de Ken Loach.

Le Gamin au vélo. Lors d’un déjeuner avec les frères et le gamin, Cécile de France, qui vient de tourner avec Clint Eastwood, explique que ce dernier ne fait qu’une seule prise (les Dardenne en font beaucoup : au bout de nombreuses prises, le travail disparaît). Aussi, quand à la fin d’une journée de tournage les frères ne sont pas contents du travail acompli, le gamin croit que c’est de sa faute quand ce sont les réalisateurs qui n’ont pas su placer leur caméra. Alors, pour lui faire plaisir, ils lui feront tourner une scène difficile en une seule prise, « à la Clint Eastwood ».

Le Silence de Lorna. Film -que nous (re)voyons à 14h- sur la mafia albanaise qui sévi(ssai)t à Seraing. Les Dardenne demandent à Jérémie Rénier une prouesse physique en lui faisant perdre 15 kilos (sous contrôle médical) pour son rôle de camé. 

Le film contient la plus belle ellipse…

(Qui ne peut être que celle-ci : Jérémie Rénier/Claudy a repris du poil de la bête, il part à vélo en se donnant un but. Au plan suivant, Lorna trie ses vêtements : il est mort)

…du cinéma des frères, dit Louis Héliot, responsable cinéma au Centre Wallonie-Bruxelles/Paris.

Dimanche 17 juillet

            Nous voilà dans un’ bell’ panade

Le soleil cogn’ comme un malade

Il doit bien fair’ trent’ six degrés, six degrés, six degrés, six degrés

Et ça doit encor’ monter.

Il fait un temps abominable

            Ah quelle chaleur c’est intenable 

Heureusement que le ciné, le ciné, le ciné, le ciné

L’ciné est climatisé.

Mais aujourd’hui, en l’absence de Jean-Pierre Dardenne… 

(Déjà reparti, un petit tour et puis s’en va -nous sommes déçus- et ceux qui comme nous ont choisi de ne pas revoir hier Le Gamin au vélo n’ont pas bénéficié de ses dernières confidences) 

… et ayant vu relativement récemment les films programmés en début de journée…

(Deux jours une nuit et La Fille inconnue. Quant à Rosetta, projeté à 21 heures, je ne prendrai pas le risque de vomir en pleine séance -caméra tourbillonnante- comme ce fut le cas en 1999, c’est encore ancré dans ma chair. 

N’irons pas non plus demain -re-voir Le Jeune Ahmed, vu en 2019 aux Cramés, son souvenir : encore vif. Ni Le Fils-pas vomi en 2002 mais atteinte tout du long de nausées, et la magnétique présence d’Olivier Gourmet ne me fera pas revenir aujourd’hui sur ma décision, je ne suis pas maso-)

… nous restons tranquillement chez nous, tous volets fermés, dans la brise du ventilateur.


….De la cinémathèque : Jean Claude Carrière

Chers amis cramés de la Bobine,

Sur le site de la Cinémathèque, un réjouissant court métrage de Jean-Claude Carrière qui me conforte (je ne serais donc pas la seule dans ce cas, d’autres, et des meilleurs, ressentiraient la même chose ?) dans mon impression que les objets ont une vie propre qu’ils s’emploient (et c’est même là le but de leur existence) à perturber la nôtre.

Dominique

LA CINÉMATHÈQUE CHEZ VOUS 13 > 20 AVRIL Toute l’équipe de la Cinémathèque a hâte de vous retrouver dans ses espaces d’exposition/musée, ses salles de cinéma et de vous voir flâner dans le jardin de Bercy à l’heure des beaux jours. Pour tenir le coup, encore un peu, la plateforme HENRI s’est dotée de films exceptionnels à l’occasion de son premier anniversaire. Et oui, déjà ! Profitez également de nos nouvelles recommandations cinéma de la semaine, à travers une affiche de nos collections et les souvenirs de voyage d’une célèbre scripte. « Le rêve est la vraie victoire sur le temps. »Jean-Claude Carrière Et surtout, prenez soin de vous.         
UN FILM EN VOD LA PINCE À ONGLES DE JEAN-CLAUDE CARRIÈRE Cette unique incursion de Jean-Claude Carrière dans la réalisation a la grâce poétique d’un rébus et pose de manière inédite une question : et si les objets avaient une vie qui leur est propre ?