VIVA IL CINEMA! TOURS 2019

On ne dira jamais assez de bien de Viva Il Cinéma !

Heureux cette année encore d’y avoir assisté, et de vous faire partager en quelques notes cette bonne  expérience


Come a Gatto in Tangenziale (comme un chat sur le périphérique)2018.  De Ricardo Milani :

Film d’ouverture une bonne idée, que se passe-t-il lorsqu’un bourgeois voit sa jeune fille s’enticher d’un  jeune pauvre qui habite dans un quartier pourri et réciproquement que se passe-t-il quand une ex-caissière s’aperçoit que son fils fréquente une petite bourgeoise ? 

A la fin du spectacle, la salle immense a applaudi, et une dame a hurlé : c’est une navet ! un grand moment de solitude. Ce n’est pourtant pas ce qui lui donne tort. Ce film brasse des vieux clichés, il est peu drôle … C’est mal parti pour ce festival.  note : (*)

les confessions un film de Roberto Ando 2016 :

Un moine Chartreux est invité à un sommet secret de dirigeants politiques du G8, par le patron du FMI (Daniel Auteuil)  qui meurt brutalement. Voici un film qui a la forme d’un thriller. Le moine, c’est Toni Servillo un homme silencieux,  entre Guillaume Baskerville (le moine du nom de la rose) et Saint François. C’est aussi un discours sur le pouvoir et l’argent, sur la corruption et la violence qui rappelle les meilleurs romans de Sciascia. Et là, nous sommes dans le festival, avec déjà le regret de ne pas avoir vu ce film au moment de sa sortie. Note (***)

Un’giorno all’improvviso (à L’improviste) de Ciro D’Emilio2018 :  

avec deux acteurs exceptionnels, la très connue Anna Foglietta et un jeune premier rôle Giampero De Concilio.   Un jeune homme de 17 ans à pour projet de devenir un footballeur, il travaille dans une station-service et vit avec sa mère qui est particulièrement instable et fragile ! Non seulement c’est bien joué, mais le scénario, la prise de vue,  le rythme, la tension, tout est remarquable dans ce film, jusqu’à l’inquiétude sourde, l’expectation anxieuse qu’il procure. Le jury de Tours ne s’y est pas trompé qui a remis au réalisateur le prix du meilleur film et c’est un premier film !  Certaines scènes et répliques deviendront anthologiques. Un regret bien annexe ! Le prix : une statuette c’est le Monstre de Tours, une sorte de Goldorack abominable, probablement réalisé avec une photocopieuse 3D.  Note(****)

Une storia senza nome (une histoire sans nom) de Roberto Ando 2018 :

la encore dans ce film on sent l’influence de Sciascia, avec l’humour en plus pour ce thriller complexe et enlevé. Valéria (Michaela Ramazzotti) est « nègre » d’un scénariste en mal d’inspiration. Un homme mystérieux (Rénato Carpentièri) la conseille dans l’élaboration d’un scénario particulier qui concerne le vol d’un tableau du Caravage. L’histoire va se corser car cette histoire est vraie ! Doublement vraie car elle s’inspire d’un fait réel.  Note : (***)

L’Hospite (L’invité) de Ducio Chiarini 2018 :

Guido 38 ans, professeur de lettres mène une vie tranquille avec Chiara jusqu’au jour où elle a envie d’ailleurs, d’autre chose. Guido va au gré de l’hospitalité d’amis dont il découvre les errements. Curieusement, je pensais à l’homme fidèle pour la passivité masculine de Guido aidante.  Note : (**)

Menocchio de Alberto Fusalo 2018 :

 biopic d’un personnage pauvre au 16èmesiècle, accusé d’héresie, jugé par un tribunal inquisitorial, repenti ? 
Un film d’une force inouïe. Un homme, simple meunier, mais qui sait lire et écrire face à la machinerie inquisitoriale qui lui tombe dessus. Filmé à bout portant, avec des clairs-obscurs,  et le plus souvent des obscurs, des visages du Caravage, vous voyez, le crucifiement de Saint Pierre et les sons qui se détachent, comme arrachés aux choses et aux êtres… C’est à mon goût un chef-d’œuvre. Le jury jeuneà notre grande  et heureuse surprise lui a descerné son prix. Jury jeune composé cette fois exclusivement de jeunes filles, venus d’écoles de l’image, de l’hôtellerie etc. Elles sont fortes les filles ! Note : (****)

Un Ragazzo d’Oro (un garçon en or) de Pupi Avati 2014 : 

Histoire d’un jeune homme qui se pensant détesté de son père, réalisateur médiocre, découvre une  réalité qui contredit ses certitudes. Parmi les actrices il y a  Sharon Stone dont Pupi Avati présent parmi nous et dernier des Mohicans des grandes heures du cinéma italien nous dit les travers de star capricieuse. Il fallait voir ce film  pour assister au  numéro de Pupi Avati, ce grand nom du cinéma italien. (il a fait tourner de grands acteurs tel Ugo Tognasi). Rien que pour ça donc… et seulement pour ça. Note : (**)

Capri Révolution de Maria Martone 2018 : 

L’Italie se prépare à la guerre. « L’Ile de Capri  semble un peu à l’abri des tumultes du monde. C’est là que vit une communauté de jeunes venus d’Europe du Nord »ainsi commence le synopsis. Mal assis au cinéma Thélème, impossible de bouger ses genoux, douleur dans le dos,  le film dure 2 heures,  impossible de partir sans déranger 12 personnes… On dit qu’en vieillissant, on a l’impression d’accélération du temps. Cela n’est pas toujours vrai ! Note : (*)

 I Villani (les rustres) de Danile Michel :

Un documentaire ! 5 ans de travail « Ils sont maraîchers, éleveurs, pêcheurs, ils ont choisi de travailler à la manière de leurs ancêtres. Ils ont une passion vitale de leur métier et un l’amour de leur terroir. Ils produisent la matière première  d’une gastronomie menacée d’extinction ».Il faut voir ces femmes et hommes, regarder les paysages où ils vivent, entendre ce qu’ils nous disent. Salle comble 500 personnes environ. Standing- ovation, un tonnerre d’aplaudissement ! Nul n’aspire à vivre au 19èmesiècle, mais on sent à l’occasion du débat très riche et varié, que nous sommes entrés dans une critique intuitive d’un modèle économique qui détruit plus qu’il ne créé, aculture plus qu’il ne cultive. Qui va jusqu’à laisser s’éteindre la langue et les mots pour parler des choses.  La réception de ce documentaire superbement filmé,  à caractère anthropologique montre une attente sociale une attente de civilisation, pourrait-on dire et  en même temps une aspiration, une adhésion  du public pour ce cinéma. Note : (****)

Sono Tornato (je suis de retour)  un film de Luca Miniero 2018 :

Une farce ! Musolini revient, il est là en Italie en 2018, il voit le monde. Premières images, il est persuadé que les abyssins ont gagné la guerre ! Revenu à la réalité, le Duce apprend vite, il voit les sous Duce qui lui ont succédé,  et il  veut savoir comment les Italiens vivent aujourd’hui, il entame un tour de la péninsule accompagné d’un journaliste, et il y a de bonnes possibilités pour lui. Désopilant et inquiétant à la fois ! Un film à voir pour sa drôlerie et pour la manière dont il  montre la réalité  et (par la même occasion)  la téléréalité, d’aujourd’hui.  Ajoutons que par moments ce Mussolini est filmé face à des figurants involontaires et les réactions de foule méritent d’être vues. Ça c’est l’Italie, être drôle et grave, et c’est l’une des mille raisons pour laquelle nous aimons son cinéma. Est-ce qu’un réalisateur français aurait eu l’idée de nous montrer Pétain avec dérision ? Jamais !  Note: (****)

Nous quittons le festival sur ces dernières images… Un très bon  cru, même si parfois le très bon voisine avec le moins bon.  Il nous reste qu’à espérer qu’il vous sera possible de voir les meilleurs à l’occasion de notre WE du cinéma italien.  

« Nous les coyotes » de Hanna Ladoul et Marco La Via

 

Du 21 au 26 février 2019
Soirée débat mardi 26 à 20h30

Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et mardi après-midi

Film américain ( décembre 2018, 1h27) de Hanna Ladoul et Marco La Via avec Morgan Saylor, McCaul Lombardi, Betsy Brandt

Distributeur : New Story

Présenté par Georges Joniaux

Synopsis : Amanda et Jake ont la vingtaine et veulent commencer une nouvelle vie ensemble à Los Angeles. Rien ne se passe comme prévu pour le jeune couple. Leur première journée dans la Cité des Anges va les emmener de déconvenues en surprises d’un bout à l’autre de la ville

 

Les coyotes sont des animaux sauvages à l’allure majestueuse qui coexistent avec les humains, parce que les humains ont envahi leur habitat naturel. Ils errent à la recherche de nourriture et d’un endroit où passer la nuit. Amanda et Jake, avec lesquels nous vivons les premières 24 heures de leur arrivée à L.A., sont des coyotes qui cherchent à se faire une petite place parmi les anges.
Lacher la rampe et se lancer sans filet dans ce nouveau monde et l’envers de son décor, est courageux et, respectueux de cette entreprise, nous nous attachons très vite à ces amoureux qui, s’ils ne savent pas encore exactement où ils vont et comment y aller, savent très bien ce qu’ils ne veulent pas devenir et à qui ils ne veulent pas ressembler.
Parce qu’ils partent sans rien et qu’elle ne peut pas faire part de son projet à ses parents, Amanda a emprunté de l’argent à son père, sans son accord.
C’est blâmable sans doute. Pourtant, malgré les apparences,  c’est une jeune femme bien sous tout rapport et son honnêteté la fait se dénoncer quand ses géniteurs attribuent le larcin à Jake,  évidemment, car chez ces gens-là, l’habit fait toujours le moine.
Jake est un peu débraillé, il n’a pas de « situation », mais il a la vie devant lui. On lui devine de belles qualités humaines et il connait Francis Ponge.

« L’huître
L’huître, de la grosseur d’un galet moyen, est d’une apparence plus rugueuse, d’une couleur moins unie, brillamment blanchâtre. C’est un monde opiniâtrement clos. Pourtant on peut l’ouvrir : il faut alors la tenir au creux d’un torchon, se servir d’un couteau ébréché et peu franc, s’y reprendre à plusieurs fois. Les doigts curieux s’y coupent, s’y cassent les ongles : c’est un travail grossier. Les coups qu’on lui porte marquent son enveloppe de ronds blancs, d’une sorte de halos.
A l’intérieur l’on trouve tout un monde, à boire et à manger : sous un firmament (à proprement parler) de nacre, les cieux d’en dessus s’affaissent sur les cieux d’en dessous, pour ne plus former qu’une mare, un sachet visqueux et verdâtre, qui flue et reflue à l’odeur et à la vue, frangé d’une dentelle noirâtre sur les bords.
Parfois très rare une formule perle à leur gosier de nacre, d’où l’on trouve aussitôt à s’orner. » 
Francis Ponge – Le parti pris des choses (1942)

 

Il est comme ça le monde.
Celui qu’ils ont choisi dans la cité des Anges, patiemment, avec la force de leur jeunesse (et un peu de chance aussi), Amanda et Jake le feront s’ouvrir pour y boire leurs jours.

L’american way of life, en mode today.
Joli film, jolis personnages qu’on prend le temps de bien regarder.

 

Marie-No

Claude Goretta 1929-2019

« J’ai toujours eu le souci constant de me faire l’interprète de gens ne disposant pas du pouvoir ou des capacités de s’exprimer. J’ai toujours regardé vers le bas. C’est sans doute lié à mon origine familiale modeste.
Claude Goretta, cinéaste

Claude Goretta est mort hier à l’âge de 89 ans. Scénariste, producteur (Groupe 5), réalisateur de très beaux documentaires (dont ceux pour Continents sans visa sur RTS) et d’une quarantaine de films de fictions, pour moitié pour la télévision. Il était l’ami d’Alain Tanner depuis leur jeunesse.
Le nom de Claude Goretta reste associé à « L’Invitation » et aussi, particulièrement, à « La Dentellière » (1976) film emblématique des années 70, qui le fit connaître du grand public et propulsa Isabelle Huppert dans une lumière restée sur elle..
De Claude Goretta, je me souviens aussi des épisodes de grande qualité de la série des Maigret/Bruno Kremer qu’il réalisa pour la télévision : « Maigret et la grande perche » (le tout premier de la série) avec Michael Lonsdale, « Maigret et les caves du Majestic » avec Jérome Deschamps, « Maigret a peur » avec Jean-Paul Roussillon.
Du bon cinéma

 

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L’Homme fidèle de Louis Garrel

Du 7 au 12 février 2019Soirée débat mardi 12 à 20h30


Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et mardi après-midi

Film français ( décembre 2018, 1h15) de Louis Garrel avec Laetitia Casta, Louis Garrel et Lily-Rose Depp

Distributeur : Ad Vitam

Présenté par Françoise Fouillé

Synopsis : Abel et Marianne sont séparés depuis 10 ans.
Alors qu’ils se retrouvent, Abel décide de reconquérir Marianne.
Mais les choses ont changé : Marianne a un fils, Joseph, et sa tante, la jeune Ève, a grandi.
Et ils ont des secrets à révéler….

Brigitte Sy et Philippe Garrel

Brigitte Sy in Les baisers de secours

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ont eu un fils, Louis

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Devenu grand,

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là, souffle coupé, on prend une grande inspiration …
Louis est à tomber ! Jamais vu ça
Même les plus grands ex. Trintignant, Piccoli, Depardieu, Dutronc ne sidèrent, stupéfient à ce point
Il est un film. Regarder l’acteur, le réalisateur,  les deux. Fascinant.
Il a fait deux films longs métrages épatants : Les deux amis et L’Homme fidèle. Vivement le troisième !

J’ai aimé L’Homme fidèle et tous ses personnages. J’ai aimé  les dialogues et l’image, le rythme soutenu et léger et les situations bien vues et enchaînées.
J’ai été captivée *

L’Homme fidèle éclaire l’infidélité subie, volontaire, occasionnelle, permanente, culpabilisante, libératrice. Marianne est fidèle à ses deux hommes, Abel est infidèle à Marianne et en même temps est fondamentalement fidèle à Marianne, la femme qu’il aime.
Marianne, maîtresse de cérémonie, qui orchestre, organise et distribue les cartes dans sa vie professionnelle et dans sa vie privée et qui relaie cette totale implication, son énergie vitale à son jeune fils, Joseph qui, pour ce qui le concerne et pour se rassurer, revisite la réalité pour trouver une explication, une cause et donner une suite aux injustices de la vie.
Et protéger sa mère dont il se veut le seul à savoir les grands secrets.
Joseph (formidable Joseph Engel !) est l’allié de sa mère, son chevalier, à vie.
Laetitia Casta est Marianne, une femme de 40 ans qui a vécu, souffert aussi, en a les marques et l’élégance de les faire paraître légères, qui s’applique à accueillir les sentiments simplement, sans faire un drame de rien. Elle fait des choix, elle marche sans se laisser envahir par les convenances, les habitudes, la peur. La meilleure défense c’est l’attaque alors vaillamment, elle va attaquer le noeud du problème. Ainsi, il n’y aura plus de doute. La situation sera comme elle : claire. Très beau personnage.
J’avais quelques réserves sur le choix de Lily Rose Depp parce que fille de et pourquoi ne pas choisir une jeune actrice qui a besoin de travailler .Mais il faut reconnaître qu’elle est parfaite dans le rôle de la très jeune Eve pour qui Abel est un fantasme d’enfant qu’elle croit devenu passion.
Marianne saura contrer les armes de cette chasseresse de vingt ans tout simplement en lui offrant sa proie désamorçant ainsi la relation qui se dégonfle comme un ballon de baudruche. Stratégie courageuse d’une femme fidèle.
Abel revient. Ils se sont accordés. C’est toujours elle qui donne le la.

Après …
Les instruments de musique toujours se désaccordent
Toujours, il faut les ré-accorder. Parfois changer une pièce devient inévitable.

Marie-No

PS : Louis Garrel filme beaucoup en gros plans.
* Cette interview de Jean Renoir illustre ce que le cinéma de Louis Garrel nous fait ressentir.

AGA- Milko Lazarov

 

Grand Prix au Festival du film de Cabourg

Du 24 au 29 janvier 2019

Soirée débat mardi 29 à 20h30
Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et mardi après-midi
Film bulgare (vo, novembre 2018, 1h37) de Milko Lazarov aAvec Mikhail Aprosimov, Feodosia Ivanova et Galina Tikhonova

Distributeur : Arizona Distribution

Présenté par Mireille Lhormoy avec Émilie Maj spécialiste de la Yakoutie

Synopsis : La cinquantaine, Nanouk et Sedna vivent harmonieusement le quotidien traditionnel d’un couple du Grand Nord. Jour après jour, le rythme séculaire qui ordonnait leur vie et celle de leurs ancêtres vacille.
Nanouk et Sedna vont devoir se confronter à un nouveau monde qui leur est inconnu.

un homme et une femme seuls dans l’immensité de l’hiver yakoute. Une leçon de vie.

C’est un très beau film, rare, une pépite dans l’océan de productions cinématographiques ordinaires.
Film tourné en Iakoutie région de la Fédération de Russie située au nord-est, non loin du cercle polaire ( Sakha de leur nom d’origine). Film interprété par des acteurs professionnels Iakoutes, dans ce véritable désert glacé par des températures descendant jusqu’à moins 40 degrés. Mais l’histoire racontée n’est pas celle de véritables Iakoutes qui sont traditionnellement des éleveurs de chevaux ou de rennes, mais celle d’Inuits ( peuples vivant dans les régions polaires du nord ).

Et les images de ce film évoquent tout de suite l’admirable film tourné en 1922 par l’explorateur Robert Flaherty  » Nanouk l’Esquimau » qui fictionnait la vie réelle des Inuits canadiens ( un chef – d’oeuvre ).
Aga, se situe dans cette lignée de films d’exception qui révèlent l’Homme face à son destin, face à la nature, face à lui-même.
Tout est silence, blancheur des paysages glacés de l’hiver, une neige profonde et un peu chaotique, s’offre au regard, une ligne d’horizon qui se dérobe entre ciel et terre.

Cet univers silencieux et blanc est dépeint avec de larges plans-séquences, la caméra fixe enregistrant les quelques mouvements de vie, traîneau, animal, qui entrent dans la cadre, traversent le plan, et ressortent à l’autre bord du cadre. Enregistrement de la lenteur et de la rareté de la vie dans cet univers.

Au milieu de ce nulle part, se dresse une yourte artisanale, construite de perches de bois et de peaux de bêtes. Habitat traditionnel de ces peuples éleveurs nomades, qui se révèle fragile lorsque la tempête se déchaîne.
Un homme, une femme et leur chien habitent cette yourte et leur intimité nous est révélée avec de nombreux gros plans de leur visage, de leur repas frugaux, de leur corps ensommeillés, habillés encore de peaux et nous écoutons le bruit de leur respiration.

Nous suivons avec précision et lenteur la vie de ce couple dans leur vie ou survie quotidienne, la pêche et la chasse aléatoires, les parcours en traîneau, les poissons et les peaux qui sèchent dehors, leurs difficultés de tous les jours.

Mais aussi leur sérénité, calme, tendresse rentrée l’un vis à vis de l’autre, leur nécessaire solidarité. Tout est montré avec beaucoup de pudeur et de retenue. La violence est celle de la nature mais les hommes ont une grande maîtrise d’eux-mêmes.

Voir les quelques plans qui nous montrent la femme malade et la progression de la maladie jusqu’à sa mort quasi inattendue.
Ce plan presque furtif où l’on voit le corps de la femme allongée, les yeux clos, et contre-champ sur les yeux rougis et en pleurs de son compagnon.
Ici tout n’est pas expliqué, pourquoi Aga à-t-elle quitté ses parents ( photo du bonheur perdu avec leur fille) que leur a-t-elle fait de mal ? La visite du fils qui vient apporter le bois et l’essence.
Enfin il faut parler de la bande-son, magistrale, qui pendant une grande partie du film ne comprend que quelques échanges rares du couple et à l’unisson de la nature elle aussi discrète et quasi silencieuse.

Ce désert blanc et sonore est cependant de temps à autre perturbé par les bruits propres à la  » civilisation urbaine et matérialiste  » ceux des réacteurs des avions et de leurs lignes blanches tracées dans le ciel, le passage d’un hélicoptère ou le bruit de la moto-neige du fils.
Deux mondes co-existent, celui du film Aga, qui est celui du rêve, de la fable et d’une réalité humaine et culturelle disparue et celui de notre monde moderne. Que l’Inuit du film découvre peu à peu en allant à la recherche de sa fille qui habite bien loin et travaille dans une mine de diamant.
Plan fabuleux à la fin qui montre ce père dans ses habits de peaux avec son visage buriné isolé, minuscule, désemparé au milieu d’une énorme mine traversé de machines découvrant le monde mécanisé, minéral, urbain, dans lequel vit sa fille.
Mais sa fille pleure, elle reconnaît son père.  En même temps que les retrouvailles et le pardon,  elle discerne  en lui,  l’époux qui  annonce la mort de l’épouse, qui par sa simple présence silencieuse lui dit :  » tu n’as plus de  mère » « et moi, je ne peux plus être là bas, je suis déraciné, mais maintenant je suis près de toi ». Tandis que nous, nous voyons  l’humanité qui parcourt tous les êtres humains de tous les temps et tous les espaces.

 

Avec nos remerciements à Emilie Maj notre présentatrice  pour sa sympathie, sa générosité et sa science durant cette belle soirée

 

Michel Legrand (1932-2019)

Triste nouvelle
Michel Legrand n’est plus.

Formidable musicien, né dans la musique, souriant à la vie.

Aux Cramés, on l’avait « côtoyé » récemment, à nouveau, à l’occasion de notre cycle Jacques Demy et, lors de notre rétrospective Agnès Varda, on l’avait reconnu, tout jeune, dans Cléo de 5 à 7, une de ses deux seules apparitions sur grand écran.

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Les débuts d’une belle vie de créations ! Plus de 200 musiques de films pour les plus grand réalisateurs sur 7 décennies !

S’échappant du décor, sortant du cadre, ses musiques se sont envolées pour vivre leurs vies et continuer à rythmer nos années de leurs tempos intemporels.

 

Une Affaire de Famille – Kore-Eda

Festival  du 16 au 22 janvier 2019
Palme d’or 2018
Du 17 au 22 janvier 2019
Soirée débat mardi 22 à 20h30
Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et mardi après-midi

Film japonais (vo, décembre 2018, 2h01) de Hirokazu Kore-eda avec Lily Franky, Sakura Andô et Mayu Matsuoka

Titre original Manbiki kazoku
Distributeur : Le Pacte

Présenté par Marie-Annick Laperle

Synopsis : Au retour d’une nouvelle expédition de vol à l’étalage, Osamu et son fils recueillent dans la rue une petite fille qui semble livrée à elle-même. D’abord réticente à l’idée d’abriter l’enfant pour la nuit, la femme d’Osamu accepte de s’occuper d’elle lorsqu‘elle comprend que ses parents la maltraitent. En dépit de leur pauvreté, survivant de petites rapines qui complètent leurs maigres salaires, les membres de cette famille semblent vivre heureux – jusqu’à ce qu’un incident révèle brutalement leurs plus terribles secrets…

Ce film présenté par Marie-Annick a été bien et amplement débattu.Difficile famille en effet que cette famille-là, et c’est un tour de force que de reconstituer les liens qui en nouent les membres.

On apprend à la connaître au fur et à mesure. Et quand, dans le dernier quart du film, la police et les services sociaux se mêlent de leurs affaires, on en découvre encore, et ce ne sont pas de moindres détails.

L’histoire commence par  l’enlèvement d’une petite fille, Juri abandonnique et mal traitée, qui deviendra la petite sœur de Shota jeune adolescent, lui aussi « trouvé » dans une voiture.

Ces enfants  sont élevés par des « parents » Osamu (un petit voleur)  et Nabuyo (une repasseuse, ex-maltraitée, ex prostituée soft). Ces deux là, nous le saurons vers la fin du film,  sont unis par un assassinat. Au sommet de la famille, une grand-mère dont on ne sait pourquoi elle l’est, si ce n’est qu’elle a le mérite de recevoir mensuellement un « dédommagement » qui lui sert de pension. Dédommagement parce qu’elle assure la garde (en secret) d’Aki,   fille  du fils de la seconde épouse de son ex-mari. Fille qui travaille comme prostituée soft.

Une famille qui s’est reconstituée à partir d’intérêts matériels divers et d’affection élective.  Famille dont le mode de vie est  transgressif et marginal au sens plein du terme.

Une affaire de Famille est remarquablement filmée, les critiques soulignent les qualités de cadrage. Parmi toutes celles que j’ai pu lire, toutes ne sont pas élogieuses, tant s’en faut. C’est pourtant l’une de celles-ci  qui me le fait aimer davantage. Ainsi celle de l’excellente revue « Transfuge » dit qu’on est un peu piégé par le côté bonhomme, par la volonté de Kore-Eda d’adoucir la brutalité du monde, d’aseptiser, voire de stériliser la teneur dramatique du film et sa façon d’éviter le réel.  Quant aux enfants du film, ils seraient trop mignons. Le genre « mignon » serait d’ailleurs, le signe distinctif du film. Et je dois dire que je suis impressionné par ces arguments,  d’autant que leurs auteurs sont des gens brillants et qu’il y a bien un niveau où leur critique  est parfaite.

En même temps, je me dis que le réalisme n’est qu’une des figures de style du cinéma et que rien n’oblige un réalisateur à prendre cette voie pour dire ce qu’il a à dire. Et je pense qu’on oppose trop souvent cette revendication de réalisme pour des films qui ne veulent pas l’être. Je me souviens de nos dernières projections, Heureux comme Lazzaro ou encore de High Life ont pu faire l’objet de semblables remarques.

Kore-Eda prend en effet ce langage de la douceur « du mignon » pour reprendre les termes de Transfuge, pour  montrer des  figures violentes : enlèvements d’enfants, vols, destruction de véhicules, enterrement sauvage, prostitution, chantage etc. Chacun de ces forfaits habilement justifié est inséré dans un tissu relationnel fort qui le justifie- Il faut bien vivre-

On est avec eux.  En témoigne le débat d’hier soir où nous avons tous manifesté de l’empathie pour ces personnages. Je dirai même que nous les aimions. Nous étions  pris dans une sorte de « syndrome de Stockholm », on trouvait que la police et les services sociaux étaient de vilains moralisateurs, des empêcheurs de transgresser en rond !

C’est le premier tour de magie de Koré-Eda, de nous montrer que la fraternité est toujours possible, même pour un spectateur confortable dans son fauteuil. (Dans The Third Murder, il nous faisait aimer un probable assassin). Kore-Eda a ses thèmes, (chez lui les questions de filiation sont très marquées),  il a son langage, sa cohérence, et ses intentions. Par exemple, depuis qu’il fait du cinéma, Kore-Eda sait bien à qui il destine  ses films.

Qui les regarde en effet ?  Nous ! Il sait qu’il nous leurre avec ses partis pris, il sait aussi que nous le savons.

Il sait comme nous  que ce ne sont pas les pauvres africains qui viennent regarder Makala, les sans abris qui viennent en masse regarder Louise Wimmer etc.  C’est bien nous et nous pouvons parfois être nombreux. Nous les cinéphiles. Notre  point commun, être  disponibles pour la culture des autres et leur société.

Or, Kore-Eda soulève par son film beaucoup de questions, nous n’y reviendrons pas Marie-Annick les a très bien exposées. Et il  ne veut pas seulement nous raconter une histoire originale et gentille.

Ici, il   dénonce les travers de la société japonaise. Si l’on en croit les réactions des autorités japonaises, le message a été reçu. Si Koré-Eda était turc, il serait bani, Iranien ou Russe, il serait en prison, Israélien en proie à la vindicte étatique, Chinois, il n’aurait pas fait de film du tout et serait en prison …etc.

Koré-Eda est un lanceur d’alerte d’un genre spécial qui se distingue par les moyens qu’il utilise,  dans ce film il nous dit aussi qu’au Japon, une grande partie de la population est reléguée, rendue invisible et doit se débrouiller comme elle peut. Et nous lisons les journaux et apprenons comment sont traités les vieux travailleurs, les vieux tout court qui représentent 20% des prisonniers au Japon, ils commettent des larcins pour s’y faire enfermer, c’est le seul endroit où on peut s’occuper d’eux.

Alors, si ce film nous montre à la fois  une famille « ex nihilo », pour nous interroger sur la famille, il nous montre en creux    ce que seraient ces personnes sans famille. Il nous signifie que la solitude est souvent une réalité et plus particulièrement une réalité japonaise. Les institutions japonaises sont des machines à produire de la solitude.  Il nous parle aussi des travailleurs à trois sous, comme l’étaient ses parents. La misère des gens de peu,  ceux pour qui il n’y a pas d’état et qui vivent selon leurs lois faute de mieux.
Bref, il soulève les tapis, indispose, se rend détestable et politiquement incorrect…avec du mignon…

Et en outre, son film est beau et captivant

 

01:13:31   (ce lien ouvre sur les critiques de la revue Transfuge)

Amanda (2) Mikhael Hers

 

Amanda : Affiche

Vous prendrez bien un peu de pathos ? Non, merci.
Et surtout pas en tisane.

C’est le premier film sur la vie post attentats, bien.
Mais, placés sans échappatoire possible parmi les gentils, qu’avec des gentils, on manque d’air sous les grosses ficelles du scénario : une petite orpheline grassouillette (surnommée « mon p’tit lardon » par son oncle et que sa mère laisse se gaver de paris-brest), une autre mère anglaise absente qui va immanquablement surgir (c’est amené à la truelle avec le coup des billets pour Wimbledon), la parabole autour de « Elvis has left the building » et le match de tennis qui sonne tellement faux quand elle débarque enfin, en bouquet final, c’en est presque gênant !
Tout se passe comme si les personnages, proches des survivants des attentats, et survivants en rôles secondaires, étaient dans du coton et la mise en scène et le jeu des acteurs, assez moyen, tentent de nous y envelopper. Trop peu de mal à ne pas se laisser faire, hélas et on reste à distance, peu ému par cette histoire de deuil et de reconstruction dans un décor où tout est amorti, lissé, normalisé.
Comme si toute la violence du monde était dans l’attentat et leurs auteurs, Mikhaël Hers nous impose la bonté incontestable de ses personnages, des gens simples, transparents, normaux, nous et en forçant l’émotion par leur sincérité mêlée de maladresse, subrepticement, il amène le pathos, sans en avoir l’air (mais en oubliant d’ôter ses gros sabots, mince !), dans un Paris qui n’existe pas, n’a jamais existé, mais ce n’est pas gênant puisque au contraire l’histoire s’insère parfaitement dans ces parcs ensoleillés, si verts. Forcément verts. Définitivement verts. Aseptisés.

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Marie-No

Amanda – Miakhaël Hers

Prix Jean renoir des lycéens 2018/2019
Du 3 au 8 janvier 2019
Soirée débat mardi 8 à 20h30
Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et lundi après-midi
Film français (novembre 2018, 1h47) de Mikhaël Hers avec Vincent Lacoste, Isaure Multrier, Stacy Martin et Ophélia Kolb

Distributeur : Pyramide

 

Présenté par Françoise Fouillé

Synopsis : Paris, de nos jours. David, 24 ans, vit au présent. Il jongle entre différents petits boulots et recule, pour un temps encore, l’heure des choix plus engageants. Le cours tranquille des choses vole en éclats quand sa sœur aînée meurt brutalement. Il se retrouve alors en charge de sa nièce de 7 ans, Amanda.

Pourquoi on peut aimer ou pas Amanda ?

– Pour le beau couple de cinéma formé par David et Amanda. David, adolescent prolongé, un peu timide, poli, insouciant, souriant, vivant au jour le jour et vivant de l’élagage des arbres parisiens ainsi que de la gestion de studios pour Airbnb.
Un gentil garçon, toujours pressé et en retard à ses rendez-vous. Un corps jeune, filmé marchant et vélocipédant ( néologisme !!) dans les rues parisiennes.
Amanda, petite blondinette aux beaux yeux bleus expressifs, aux rondeurs nourries par les Paris-brest, nièce de David.
Ils sont de nombreux plans, côte à côte, de dos, de profil, de face.
Montrer leur visage en gros plans, filmer leurs pleurs, grimaces est-ce du sentimentalisme comme le dit Michel Ciment ?
je ne sais pas ? C’est pourquoi on s’attache à eux parce qu’on les voit de près, on touche leur souffrance, ça sert à ça le gros plan. Et les filmer ensemble puisqu’ils sont unis dans leur deuil et se renforcent, s’épaulent mutuellement.

– Pour le beau Paris ( certes très personnel de M.Hers) filmé l’été, avec plein de verdure, de feuilles. Paris vu d’un vélo, reconnaître les monuments ( effet visite touristique ). En tout cas, les images traduisent un sentiment de liberté, de respiration, de vie.

-Pour la mise en scène  » sans aspérité, sans force » selon Michel Ciment, mais elle est délicate, lisse, étale parce que justement elle refuse le spectaculaire, le trop visible, l’extériorisation et fait le choix de l’intérieur ( au propre et figuré) des émotions.
D’où le refus de mouvements de caméra trop appuyés, pas de plans séquence, pas de brusquerie, d’effets.
Le réalisateur (je crois, hypothèse ) préfère montrer les sentiments de ses personnages par l’humanité de leur visage ( ceux des assassins sont invisibles ).
Il y a quelque chose de feutré, d’ordinaire, de banal mais justement comme la vie l’est, M. Hers ne filme pas des héros mais des gens comme vous et moi, ordinaires, mais dont la vie bascule du jour au lendemain.

-Pour le réalisme à l’oeuvre dans tout le film et la justesse du ton. Que ce soit par la description de la vie quotidienne, des objets, meubles, dans les appartements de Sandrine ou de Maud. Il y a beaucoup de détails, des gestes et parcours précis ( par exemple la salle de bain de Sandrine ).

-Pour la fin du film, poétique, la référence à Rohmer  » le rayon vert », pour la phrase dite par Amanda  » Elvis has left the building » .

Ce que l’on peut moins ou pas du tout aimer..

– Certaines scènes assez surjouées par les deux protagonistes ( lors du match de foot avec son copain Alex )

– Le Paris montré, dénué de tout bruit, pollution, voitures klaxonnant, enfin moi quand je vais dans le XII° c’est pas tout à fait pareil !!
C’est plus déréalisé et sublimé..que réel, pas mal d’onirisme.

– La première partie, trop heureuse, dansante et chantante.

– Les violons un peu trop présents par moments.

J’ai moins d’arguments pour cette partie ..

Finalement on peut conclure en disant que c’est un beau film, sensible, mettant en scène de belles personnes ( comme on dit ! ) à voir et qui a le mérite de susciter le débat.