Blog des Cramés de la bobine

Prades, tout commence par ce « single » musical sur fond de Clip, (voir ci dessus), et des spectateurs qui tapent des mains pour accompagner la musique. C’est la même ambiance, la même magie du lieu, beaucoup d’habitués, nous le savons parce que nous le sommes un peu devenus.

Nous avons vu le documentaire de Chris Marker sur Simone Signoret, sincère, lucide sur elle-même, quelquefois drôle, toujours consciente. Les morceaux d’interviews sont épatants, car jamais dans ses réponses aux questions, elle ne se place où on l’attend, toujours elle surprend. Et puis Chris Marker, quel documentariste !

Nous avons déjà vu quelques bons films de cinéastes iraniennes, présenté par Mamad Haghighat que les habitués de Prades connaissent bien. Mais je remets à plus tard de vous en parler, parce qu’il va y en avoir beaucoup et en ce moment c’est aussi la rencontre avec Damien Manivel et la projection de tous ses films. Tous ceux d’entre les Cramés de la Bobine qui ont vu ses films n’ont jamais manqué d’être perplexes et déconcertés. Tous ceux qui l’ont entendu commenter ses films ont toujours été intéressés par la manière qu’il a de parler de son travail, il y a une sorte de candeur et de profondeur dans ses propos et toujours ce flou artistique. On a aussi l’impression qu’il élabore et réinvente en permanence son commentaire.   

Vous souvenez-vous de Chantal Akerman, elle disait quelque chose comme « si à la fin d’un film vous dites : « je n’ai pas vu passer le temps », c’est qu’on vous a volé votre temps !

Le temps, c’est le premier sujet de Damien Manivel, et son parti pris, c’est la lenteur. Qu’est-ce qui se passe durant ses films ? Rien ou presque, ces riens qui sont le sel même de ses films, l’imprévu, une lumière, un son, une apparition imprévue dans le champ. Son travail se manifeste souvent par des détails insolites. Quant à sa manière de filmer, un cinéphile de Prades remarquait : « pour filmer on commence par dire « Action », or il nous présente un cadre vide, l’acteur y entre par un côté, un peu quand il veut… » 

C’est exagéré ! Sans doute n’est-il pas conventionnel pourtant son travail est reconnu, il n’y a aucun doute sur ce point,  l’un de ses courts-métrages lui a permis d’obtenir le prix Jean Vigo. De toutes les façons, il semble imperméable au nombre de spectateurs dans la salle ou durant les débats. Il réalise et produit ses films lui-même, sans rien demander. Il fait son œuvre comme il l’entend. Le plus souvent dit-il avec « des lignes narratives assez simples », (et sur ce point nous ne pouvons que confirmer!).

Il nous faut donc accepter de renoncer à nos attentes et lâcher prise.

J’ai été séduit par Les Enfants d’Isadora son dernier film. Damien Manivel était danseur, il ne manque jamais de le dire. Au moment du tournage, il se sentait mûr pour faire un film sur la danse. Comme il venait de gagner un peu d’argent en produisant des films, il pense alors à travailler sur ce sujet de danse, il y avait longtemps songé, maintenant, il se sent mûr. Il commence avec Agathe Bonitzer qui n’est pas danseuse, mais crédible. Il la dirige curieusement, lorsqu’elle lui demande : « qu’est-ce que je dois faire ? » il lui dit juste d’être lente. La coach de danse d’Agathe remarque : « ce qu’elle fait en ce moment ressemble beaucoup à « la Mère » d’Isadora Duncan. Damien qui commence son film sans savoir trop ce qu’il va mettre dedans, consulte internet et les livres, la nuit, le jour, il tient son sujet : 

« Après la mort accidentelle de ses deux enfants, la danseuse mythique Isadora Duncan après une longue période de prostration a composé un solo d’adieu : La Mère ». Un siècle plus tard, quatre femmes font la rencontre de cette danse bouleversante ». 

La musique c’est celle de Scriabine. Et la structure du film est une sorte de triptyque, la rencontre avec le solo d’Isadora et son déchiffrage, l’exploration du sujet (Agathe Bonitzer), le travail (Marika Ritzi et Manon Carpentier) et la reception par le public (Elsa Wolliaston, son actrice fétiche). On est surpris et troublé par le choix des acteurs, mais c’est un bon choix, rien que ça est créatif… ils sont vraiment très bien. Comme on peut lire entre les lignes, on peut voir entre les images :  ce film réussit à montrer l’ineffable, à nous faire sentir comment chacun est saisi par une chorégraphie et sa musique, et comment elle travaille en chacun des personnages. 

Le lendemain, il nous présentait « Takara, la nuit où j’ai nagé » très vite,  j’ai somnolé…

23/07 fin de festival, le jury des jeunes a attribué une mention spéciale à Takara ce petit enfant marchant dans la neige, pour la beauté des images,

La prochaine fois je vous toucherai quelques mots de ce cinéma féminin iranien

Les ciné-rencontres sont de retour, comme chaque année (ou presque) entre le 17 et le 23 juillet.

J’avais lu l’avant programme et 2021 s’annonçait comme un cru moyen, et puis les Cramés de la Bobine n’y sont pas venus en nombre cette année, seuls, Martine et moi…

…Et puis il y a eu l’ouverture le dimanche soir. Ça commençait par un film de Bertrand Tavernier « La princesse de Montpensier » sorti en salle en 2010, avec une distribution que je ne vais pas détailler, mais où l’on peut voir les jeunes acteurs qui nous sont désormais familiers : Mélanie Thierry, Grégoire Leprince-Ringuet, Gaspard Ulliel etc… Un film alerte, sur l’apprentissage de la condition de « jeune femme prête à marier » de cette jeune princesse…

Tout de même, ces films qui en leur temps sont passés dans les salles puis régulièrement sur nos télévisions, il faut les revoir en Salle, c’est un truisme de le dire, les films sont faits pour le cinéma. Ce Dimanche commence une rétrospective Simone Signoret, la lumière de son visage et de ses yeux, son regard, on pourrait presque dire son intériorité, je me demande comment je n’ai pu voir la plupart de ses films que sur petit écran.

Les films sont présentés et débattus par Franck Loiret Directeur de la Cinémathèque de Toulouse, et c’est une chance de l’entendre dans sa simplicité et sa précision et avec la sincérité d’une admiration qui n’est ni pesante, ni superlative. (ce qui ne sera pas mon cas).

Ça commence par « les Chemins de la Haute Ville » un film de l’anglais Richard Clayton 1959, Simone a 38 ans, c’est étrange ce film à mi-chemin où l’on reconnait à la fois la ravissante jeune femme de ses débuts et la femme mure et marquée de ses derniers rôles. Pour ce film, elle a été la première française à obtenir l’Oscar de la meilleure actrice, puis à Cannes celui d’interprétation féminine.

Voici en bref l’histoire : Joe, un jeune homme pauvre, une sorte de Julien Sorel, qui vient de sa ville industrielle, fier de ce qu’il est, convoite de devenir amoureux d’une femme riche, « de première classe » comme il dit. Il va en en convoiter deux, l’une Susan jeune dont le père est très riche, Alice (Simone), 18 ans plus âgée que lui… C’est Simone Signoret qui joue ce rôle, celui d’une femme délaissée qui séduit ce Joe, cette belle illusion. Ce film est à la fois une peinture sociale qui nous fait naviguer entre les deux mondes peu conciliables des pauvres et des riches dans cette Angleterre début de siècle.

On enchaîne avec « Casque D’or », un petit tour chez les « apaches ». Je n’avais vu ce film que deux fois et à la télé. Aujourd’hui c’est au Lido de Prades ! Je ne vais guère vous en parler, vous le connaissez, le débat sur ce film portait à la fois sur Jacques Becker qui réalise avec « Le Trou » l’un de ses deux plus grands films. « Casque d’Or » est un chef-d’œuvre. Franck Loiret nous fait remarquer deux choses, tout d’abord la banalité des échanges dans le film, tout y est simple, limpide, ensuite la rareté des répliques. Serge Reggiani qui joue le grand rôle masculin n’en a que très peu, pourtant, il ne joue pas moins que l’un de ses plus grands films. (Après ce film, il lui a fallu cinq ans pour rebondir). Jacques Becker avec son sens du détail se fait peintre fidèle d’une époque, de quartiers, ceux de Belleville et les bords de marne avec ses guinguettes à la Renoir, des milieux interlopes de cette époque et mieux que personne, la splendeur de Simone.

Pour faire une rétrospective d’actrice, on ne doit rien laisser au hasard, il faut prendre les films qui parlent le mieux d’elle, et puisqu’elle a disparu, ceux qui à chaque film nous la font regretter. Le jeu de Simone, les mots, la gestuelle, le corps peut-être ! Mais d’abord les yeux, le visage traversé d’émotions presque imperceptibles. Un prodigieux film dramatique interprété par Simone avec une exquise subtilité.

En ce moment, ce sont les Diaboliques, et demain matin ce sera « La vie devant Soi » Mais ce soir 12 courts-métrages ! Je ne vous dis que ça !

Lundi matin : « La vie devant soi » de Moshé Mizrahi qui a obtenu l’Oscar du meilleur film étranger. Bien heureux de revoir ce film qui a su conserver bien des choses de Romain Garry. Pour ma part, grand amateur d « Ajar » qui m’avait alors ravi, je regrette un peu le manque de distance humoristique du film, et celle de sa fausse naïveté, ce petit côté swing (pulsion-détente) de l’écriture de Garry. Pour le reste tout est parfait, Madame Rosa, le petit Momo, on ne pouvait imaginer mieux. Et Simone Signoret obtiendra le César de la meilleure actrice. Distinctions totalement justifiées, ce temps qui transforme les corps et les visages ne l’affecte pas, elle dépasse ça. Il y a une chose que Moshé Misrahi réussi tout comme Ajar/Garry avant lui, c’est d’émouvoir. D’ailleurs, sur ce registre, je ne sais pas si Sophia Lauren qui a interprété Madame Rosa il y a peu (pour Netflix!), a pu être aussi bouleversante que Simone Signoret.

A bientôt, Demain un documentaire de Chris Marker sur Simone Signoret, je vous en toucherai un mot, mais nous entrons désormais dans une sélection de Cinéma Iranien Féminin.

En 1961, Paul Vecchiali réalisateur débutant n’hésite pas à solliciter Nicole Courcel pour tourner « Les petits drames » son premier film. Donnez-moi une bonne raison de jouer dans votre film lui demanda-t-elle ? « Danielle Darrieux » répondit-il. Elle accepta. En 2020, Paul Vecchiali se souvient de Nicole Courcel. Il se souvient qu’en 1961, à ce même moment, elle jouait Andromaque de Racine, mis en scène par Marguerite Jamois au Théâtre des Célestins. Il y a dans ce film deux dédicaces visibles, celle à sa sœur et comédienne disparue, Sonia Saviange, une autre à Douglas Sirk et puis il y a celle-ci, invisible, intime. Un soupçon d’amour est placé sous le signe d’Andromaque et commence à un détail près par sa répétition… Marianne Basler, Geneviève dans le film en est l’interprète. Elle est sans doute pour Paul Vecchiali l’égale de Danielle Darrieux et Nicole Courcel une grande actrice. D’ailleurs, pour ce « soupçon d’amour », c’était elle ou personne.

Tout comme Henri, voir l’article ci-dessous, nous sommes intrigués par le titre du film. Ce soupçon, est-il un doute (soupçonner) ou un ajout, comme on ajoute un soupçon d’épices ou de vanille ?

De même que le titre du film cache son signifiant, le film cache son suspens.

Pour le spectateur, à mesure que le film avance, ce soupçon d’amour mutera en « Un soupçon de mort ». Jusqu’au moment où dans une très belle scène, celle de la certitude où André (Jean-Philippe Puymartin, son époux pour le film et pour la vie) rappelle à Geneviève que son enfant Jérôme, (Ferdinand Leclere) est mort il y a vingt ans.

Et nous sommes à ce moment pris dans une sorte de va-et-vient rétrospectifs, nous nous rappelons alors cette toute première image, un transat vide, sur une pelouse.
Puis la douleur de Geneviève durant la répétition d’Andromaque (Rendre un fils à sa mère), elle craque et quitte la scène …c’est une artiste dit André, elle va se ressourcer!
Et cette considération de Geneviève sur Andromaque : « Je trouve cette pièce assez ampoulée, avec cet enfant de tous les débats et qu’on ne voit jamais ! »
On se rappelle cet autre moment clé : « N’oublie pas que je t’aime » de Geneviève à André
Et encore Jérôme, cet enfant si aimant, si éthéré, presque un ange
Ce faux triangle amoureux et de vraies confidentes. (Isabelle (Fabienne Babe) Geneviève, André)

« Un soupçon d’amour » si aimable se transfigure alors, et chaque passage du film est à revisiter, les scènes et les mots prennent d’autres valeurs, d’autres significations. Geneviève devient une Andromaque qui n’a pas pu protéger son enfant contre l’adversité, et qui pourtant ne cesse de le faire et le fera toujours. Un deuil impossible, une tragédie !

Et on mesure aussi la part personnelle de Paul Vecchiali dans cette histoire, qui se souvient de cette manière de la perte d’êtres chers et doit leur dire quelque chose comme « vous êtes toujours avec moi » ou encore « je suis toujours avec vous », et en même temps, son attitude dans la vie, celle d’un homme qui affirme, dans une interview à « A voix nue » France Culture, ignorer la peur. Un homme qui ces dix dernières années a réalisé 9 longs-métrages, 3 courts, fait de la mise en scène, écrit l’Encinéclopédie un ouvrage de 1700 pages sur le cinéma des années trente ! Bien droit avec ses 91 ans, préparant un autre film, avec un budget deux fois plus élevé que pour « Un soupçon d’amour »…400 000 euros, mazette! Une somme pour ce recalé des avances sur recettes!

« Notarangelo ladro di anime » signifie Notarangelo Voleur d’âmes, il s’agit d’un documentaire qui devait passer à « Viva Il Cinéma de Tours ». Il nous parle de Domenico Notarangelo qui est photographe et d’un lieu qu’il a photographié : les Sassi de Matera.

Mais de quoi s’agit-il ? Un article de l’UNESCO nous dit que les Sassi sont situés dans la région de Basilicate de l’Italie du sud, comprenant un ensemble de maisons et d’églises rupestres, de monastères et d’hermitages couvrant 1016 hectares. Et ajoute un autre document touristique : Ce n’est pas un hasard si Matera les Sassi est aussi appelée la « deuxième Bethlehem », elle a été le décor de « L’Évangile selon saint Matthieu » de Pier Paolo Pasolini, et le document ajoute : « Dans les années cinquante, la population qui vivait dans les grottes creusées dans la montagne fut contrainte d’abandonner ces maisons pour s’installer dans des quartiers modernes.»

Grâce au témoignage photographique de D.Notarangelo nous voyons comment les documents touristiques gomment les choses. Tout y est vrai mais il y manque l’essentiel. L’essentiel de cette histoire des Sassi est contenu sur les visages et les corps de femmes, et hommes et enfants des Sassi que Notarangelo a photographié. Ce ne sont pas les magnifiques habitations troglodytes qui depuis la préhistoire etc.,  mais un lieu où sauf la solidarité humaine, tout manque, un lieu insalubre, sans même l’eau potable. L’essentiel, c’est la grande pauvreté des habitants, son dénuement, sa misère,  avec son cortège de maladies et de mort. Et cette mort est d’abord celle des jeunes enfants pour qui les parents fatalistes offrent alors de beaux et pieux enterrements.

  « Ce n’est pas nous qui regardons les Sassi de Matera, ce sont les Sassi qui nous regardent » dit-il. Notarangelo a traversé son époque en artiste engagé.  Il a tout consigné avec soin, à l’exemple de cette photo de Pasolini mondialement connue. Avec lui, on découvre les luttes sociales et les mutations qu’elles engendrent : la première femme maire de Matera, le relogement des villageois et les promesses d’un certain progrès, qui selon ce qu’on nous montre, oblige le malheur à moderniser ses moyens d’expression.

L’art de Domenico Notarangelo en s’exerçant sur les habitants des Sassi devient pour nous  un document historique rigoureux autant qu’un objet d’art. Tout le mérite de ce documentaire est de nous donner l’ambiance et le fil de cette histoire d’une manière fluide et captivante. Un grand documentaire. 

DAVID GRIECO

Le réalisateur David Grieco (Rome, 1951) est une personnalité éclectique. Comédien, en 1968 il joue dans Roméo et Juliette (Franco Zeffirelli), Théorème (P.ier Paolo Pasolini) et dans Partner (Bernardo Bertolucci), mais aussi scénariste, producteur et réalisateur de documentaires et de deux longs-métrages de fiction Evilenko (2004) et La macchinazione (2016).