Comme si de rien n’était d’Eva Trobisch

Présenté par Maïté dont les notes sur les rapports cinématographiques franco-allemands étaient tellement drôles et justes… drôlerie bienvenue pour ce film grave. 

Grave et réussi, jusqu’à la fin concise et ouverte. 

En voici le synopsis : Jeanne est une femme moderne, éduquée, rationnelle, une femme qui réclame le droit d’être ce qu’elle veut. Lors d’une réunion entre anciens camarades sa vie bascule. Mais elle va persister à faire semblant que tout va bien, refuser de se considérer comme une victime et perdre le contrôle…Jusqu’à quand ?

Voici un premier long-métrage, sans un poil de gras, vif,  bien filmé, rapide, (avec tout de même un rapide travelling semi-circulaire qui arrache les yeux, mais ne chipotons pas). Et puis Aenne Schwarz, belle actrice, dans le rôle de Janne, elle est de tous les plans,  parfaite dans le rôle. Je voudrais revenir sur le nœud du film, c’est-à-dire le viol. 

Janne revient avec Martin (Hans Löw) d’une soirée d’anciens étudiants, ils se connaissent assez bien, il la raccompagne, il est grand un peu gauche, bon enfant, il est tard, tous deux sont un peu émechés, elle lui propose de dormir chez elle :

 « Tu dormiras sur le canapé » lui dit-elle. L’alcool… Le détonnateur de la séquence, c’est connu,  il diminue la perception du danger et ne désinhibe (pas seulement sur les routes).

Quelques minutes tout se passe bien, Martin est un jeune homme « propre sur lui et bien élevé »  mais alcoolisé.  Alors d’un coup, ce qu’il y a de civilisé et de courtois chez lui cède et libére l’homme instinctuel ou pulsionnel comme on voudra. Il devient entreprenant, touche Janne, cherche à l’embrasser, à l’enlacer. Et Janne,  d’une parole ferme le remet à sa place, elle lui dit que ça suffit… mais lui tout à sa pulsion, n’entend pas, ne veut pas voir ni savoir, ni penser, mais aller au bout d’un désir, et qu’importe l’interdit. Entre peur et incrédulité Janne ne sait pas ou ne peut pas résister physiquement. C’est pour la victime, une situation où la mort rode.  De ce Martin un peu bénêt qu’elle a connu  comme camarade de promo, elle s’aperçoit qu’elle ne sait rien, qu’elle le connaît à peine. Et  Martin pousse l’avantage, Janne ne bouge plus, sidérée.   C’est terminé.  Martin a franchi l’espace irrévocable  qui le sépare de la suite…  Pour lui, vivre dans la peau d’un violeur. Et pour Janne ce sera le passage de la femme libre de sa vie et de son corps à celui d’une femme violée. 

Le passage à l’acte,  c’est l’acte qui se substitue à la pensée.  Dans cette histoire «  Cette femme (que je nie en tant que sujet)  est une chose que je désire et que  donc je prends et basta ! ».  Et la réalisatrice a pris soin de mettre en place un dispositif qui le favorise : l’alcool, l’intimité, l’absence de témoins, la disproportion physique des deux personnages qui  se connaissent un peu, c’est-à-dire peu. (Sauf que Martin est  le neveu de Robert, (Tilo Nest)  le futur employeur de Janne) (On remarquera que Robert se présente comme un anti-Martin).

Dégrisé Martin va regretter, sans doute, cela n’appartient  pas à sa conception du monde, ni à l’image qu’il se fait de lui-même et sans doute, il éprouve dela culpabilité. Il va chercher à mettre des mots sur son acte. «  Je suis désolé »  tente-t-il. 

Maintenant regardons Janne, « Comme si de rien n’était »  est un film fait de paradoxes,  si Martin qui ne supporte pas l’idée d’être devenu un violeur et voudrait en quelque sorte remettre la pâte à dentifrice dans le tube,  Janne de son côté, veut continuer sa vie comme si l’acte n’avait pas eu lieu. Une critique tente d’avancer que c’est pour Janne la manière d’affirmer sa supériorité, une forme de combat tout féministe contre la barbarie masculine en somme.  Je ne crois pas à cette version trop influencée par la période où ce film a été réalisé.  Si ce n’est pas tout à fait un déni, ce serait, si j’ai bien vu la  définition psychanalytique ce  qu’on nomme la forclusion, en gros : Elle sait, mais n’accepte  pas de le savoir, comme le titre l’indique.

Lorsqu’elle apprendra qu’elle est enceinte, chez la gynécologue, elle écoute, la procédure qui lui est proposé : 

  1. Vous pouvez prendre une pilule dès maintenant.
  2. Si vous ne le faites pas dans les 3 jours, alors il sera possible de procéder à  une IVG, vous aurez alors jusqu’au 20 septembre.

Et Janne sans doute encore sidérée, laisse passer la première période pour se résigner à la seconde, sans rien en dire à Piet  (Andréas Dölher) l’homme qu’elle aime, et que pour cette raison, elle va perdre. 

Mais comment dire « j’ai été violée, par un homme que je connaissais à peine, en qui j’ai fait confiance, que j’ai fait entrer chez moi,  parce que j’étais  un peu saoûle et lui aussi ? Comment dire la suite ?  Je suis enceinte, et au lieu de prendre la pillule du lendemain, j’ai attendu, je n’arrivai pas à concevoir ce qui m’arrivait,  et là je viens de  me faire avorter en douce et je te demande de venir me chercher, parce qu’on ne me laisse pas repartir toute seule en taxi, donc  tu m’accompagnes et tu ne me poses pas de question»…

Il y a là aussi une forme de passage à l’acte de Janne qui étonne, pourquoi n’a-t-elle pas appelé sa mère ? On se souvient que Janne avait raconté vaguement, sauf l’essentiel, cette histoire à sa mère. Besoin d’avouer ? Peut-être. 

Mais ce que nous a montré Eva Trobish, c’est une femme dynamique, entreprenante, décidée, autonome, qui n’aime pas les conflits, qui a des rapports d’égale à égal avec Piet, mais le viol qu’elle a subi a  dans son esprit, atteint aussi le mode de relation qu’elle avait avec lui. Comment  après cette épeuve,  vivre d’égal à égal avec l’homme qu’elle aime,  contemporain de ce viol ? Il y a dans la demande de Janne à Piet, quelque chose d’autodestructeur -inconsciement assumé-

Le devenir de sa relation à Piet appartient au hors-champ, mais nous voyons,  dans les derniers plans,  dernier passage à l’acte, Janne dans le métro. Elle refuse d’obéir à l’injonction des contrôleurs qui lui demandent de quitter le wagon  pour la verbaliser parce qu’elle n’a pas validé son ticket. Elle ne sait vraisemblablement pas le pourquoi de sa réaction, mais ce faisant, elle réalise symboliquement autre chose, elle découvre et éprouve sa faculté de résister.  

PS : Merci à Maïté qui me signale que j’ai fait des erreurs factuelles sur les circonstances  de l’arrivée de Piet à la clinique. Je reprendrai donc cet article. (à suivre)

Synonymes de Nadav Lapid

Avec les Cramés de la Bobine, on se promène dans le Monde. Parmi tous les pays représentés, trois d’entre eux me semblent avoir un point commun, la Roumanie, l’Iran et Israël. Tous trois font régulièrement un cinéma de contestation, un cinéma qui déplaît au pouvoir. Et ils n’y vont pas avec le dos de la cuillère.

J’aime leur cinéma. « Synonymes » de Nadav Lapid  appartient au cinéma Israélien,  qui est souvent un cinéma fort et très émotionnel, à l’image de fox-trot.   

De Nadav Lapid,  je me souviens d’avoir présenté « l’Institutrice », j’avais beaucoup aimé ce film, je le trouvais vif. Je me souviens de l’importance des mots dans le film, ceux de l’enfant  Yoav, interprété par le très jeune Avi Shnaidman.  

Nous avions alors découvert le réalisateur, Nadav Lapid,  et nous avions compris que son film était largement autobiographique : Etre un enfant précoce, capable de lire, d’écrire des poèmes à 4 ou 5 ans, c’est lui. Et nous avions  aussi compris la distance qu’il y mettait, il ne parle pas exactement de lui, il est son propre matériel. « Synonymes » comporte la même intention autobiographique distanciée et le personnage principal s’appelle lui aussi Yoav. 

Le Yoav de « Synonymes » est interprété par Tom Mercier dont les Inrocks disent ceci : « Ce qu’y accomplit le jeune comédien est inouï. Le cinéaste paraît s’émerveiller de la malléabilité sans limite, des potentialités burlesques et de l’aura érotique insensée de ce corps. À chaque scène, il invente de nouveaux défis pour, dans un même mouvement, le mettre en difficulté et le mettre en orbite, le rouler dans la boue et l’immaculer ». Nadav Lapid a trouvé l’acteur qui dégageait la même énergie que lui-même. Tom Mercier est un ex-champion de Judo, et un acteur de théâtre qui est habitué à jouer avec son corps plus qu’avec les mots. Autant vous le dire, avec « Synonymes » vous êtes sparring-partner sur un ring de boxe.  

Au commencement, un homme marche vite dans les rues de Paris pour se rendre dans un immeuble haussmannien. La caméra portée le suit, ça bouge, tremble, on a l’impression qu’il a été saisi au hasard, que la caméra court derrière lui.  

Il entre dans un appartement grand, vide et froid. (L’image se stabilise et devient parfaite). Il l’arpente, va d’une pièce à l’autre, à la fois décidé et fébrile. C’est Yoav. Il a froid, très.  Il se déshabille et se réchauffe avec le jet d’eau dans la baignoire.  Quand il sort, tout ce qu’il avait, ses vêtements, son sac ont disparu. Panique,  il sort, descend les escaliers à la poursuite dérisoire du voleur,  va jusqu’à la porte d’entrée, remonte, frappe à toutes les portes, nu, il appelle. Silence, partout. Comme dans un mauvais rêve. Il rejoint la baignoire, il ouvre l’eau pour ne plus avoir froid…Ainsi commence le film. 

Nadav Lapid a vécu deux ans et demi à Paris, comme Yoav, il y a débarqué sans le sou. Et on comprend cette tentation elle fut celle d’E. Hemingway, d’H. Miller, de G. Orwell et de bien d’autres. Yoav vient à Paris pour oublier Israël. Et on le voit apprendre, mâcher les mots d’un dictionnaire des synonymes, comme des bons plats, lui qui ne se nourrit que pour la valeur d’un euro vingt-six par jour (spaghetti, tomates en dés). Il s’empare de la langue française à  y perdre son hébreu. (Comme son grand-père a renoncé au Yiddisch en Israël, il renonce à l’Hébreu en France).

Juif errant, aux mots tout droit sortis du dictionnaire de Français, Yoav dit à Emile (Quentin Dolmaire), Israël est un pays méchant, obscène, hideux, vieux, sordide…Qui lui répond : aucun pays ne peut être tout ça à la fois !

Mais, Israel est contenu dans Yoav, et Israël le rend fou ! Renoncer à son identité est une tentative séduisante et perdue d’avance, une façon d’y penser sans cesse pour se dire qu’on la rejette. Et dans ce genre de combat contre soi, on voit reparaître ce dont nous sommes faits, nos faits et gestes oubliés. Ici les ombres du passé sont ombres militaires, celles de la guerre au Liban et de l’état de guerre en général, de sa fureur et de sa folie. Ombres d’un militarisme dont il fut fier et dont d’une manière ambivalente, il veut se déprendre. Et dans ce Paris-là, il retrouve des agents de sécurité de l’ambassade d’Israël qui ne parlent qu’hébreux et à qui il ne répond qu’en français, des gens avec qui il partage l’expérience d’avoir été guerrier et qui n’en sont jamais vraiment sortis, le peut-on ? En voulant oublier sa langue, Yoav fait une tentative de résilience, mais elle est vaine.

Au fur et à mesure, dans Paris, lui qui ne voyait que des différences, ne voit à l’usage, que des similitudes, il commence à discerner sous les traits de la « vieille dame » des desseins connus. Il voit les synonymes. (Me viennent à l’esprit « les cours d’intégration » aux immigrés et l’apprentissage de la Marseillaise !  Professeur : Léa Drucker).

Synonymes est une histoire de vie avec  ses pulsions, ses amitiés, ses tourments,  et ses absurdités.  Le film donne envie de paraphraser Alphonse Allais, « tout mène à tout sortir à condition d’en sortir » ! 

Pour  » Synonymes » la revue Transfuge dit que Nadav Lapid est à  la fois « chorégraphe, sculpteur, philosophe et cinéaste ».  Rien ne me semble  plus juste. J’ajouterai que c’est aussi un conteur qui nous dit qu’entre l’ici et l’ailleurs, il n’y a pas tant d’écart. Et il nous propose donc d’être de partout. En somme de ne pas être nationaliste.

Georges

PS 1 : Le co-scénariste est Haïm Lapide, le père de Nadav, ils ont, à ce que j’en ai lu,  une belle complicité artistique et politique. Bien que Nadav soit plus absolu.

PS 2 : Mon ami Hervé écrit ceci que je vous livre : « En opposant systématiquement tous les antagonismes quelle que soit la scène – l’amitié, l’amour, la violence, les corps, les sentiments, la culture, l’éducation – il interpelle avec violence tout ce qui constitue l’individu, tout ce qui l’identifie, tout ce qui l’oblige et le contraint, et ce à quoi il ne peut jamais renoncer. C’est à la fois assourdissant et angoissant, car on ne peut se libérer de rien. On en ressort vidé, comme le héros Yoav si admirablement bien joué, vidé par un combat physique, mené contre chaque pan des espérances et des désirs, dont le sens se perd dans des formules qui extirpent ce qui resterait de certitudes. Même la musique n’est pas absente de ce stratagème de la déconstruction. On ne peut pas appartenir à un monde qui n’est plus. Ce film repose les limites des appartenances. Il dissout l’image d’une identité construite dans le creuset nationaliste, une notion idéologisée par une bourgeoisie qui en a depuis longtemps quitté le terrain et dont elle s’efforce de faire renaître en vain le mythe, espérant y soumettre les peuples sous son égide réinventée ».

PS 3 : Je tombe sur un petit livre d’Hannah Arendt, « nous autres les réfugiés ». (très beau, pas cher!) Elle y (re) parle du paria juif qui ne peut nulle part se sentir chez lui. Yoav renvoie à sa manière à la définition de H.A.

Sibel de Çagla Zencirci et Guillaume Giovanetti

Çagla Zencirci et Guillaume Giovanetti nous emmènent à Kusköy, le village des oiseaux, où l’on parle la langue sifflée. Ils  appellent leurs films des fictions sincères parce que  fiction et documentaire y sont intimement liés.  Sur le plan documentaire, dans le cas de Sibel, on voit de quoi il est question, les paysages montagnards de la mer noire, Küskoy, le thé, les noisettes, cette langue sifflée, cette curieuse langue. 

Puis plus sociologiques, les rituels du village,   la condition des femmes, celles qui cultivent le thé, celles qu’on marie à coups de marieuses et qui toutes jeunes se font belles pour arrêter de s’appartenir et devenir la femme de… Celle qui sert le thé, tient la maison et obéit à son homme dans le meilleur des mondes paternaliste. Et les plans séquences restituent le mouvement lent ordinaire de cette vie-là. 

Et puis il y a la fiction, un conte, disent les réalisateurs. Qu’est-ce qu’un conte ?  Un moyen de dire des choses qu’on ne dit pas par d’autres voies, ce qui ne peut pas s’entendre tel quel, ce qui est le plus souvent refoulé, ce qui des désirs humains est parfois peu avouable : Inceste, crimes, violences sociales, les contes abordent toutes ces questions et bien d’autres. (En écrivant ces lignes je pense à Catherine Deneuve chantant dans Peau d’Âne, mon enfant… On n’épouse jamais ses parents) 

Donc Sibel est un personnage de conte. Tout la distingue, elle est belle, muette, contrairement aux paysannes du village, elle ne porte pas de foulard, ses cheveux vont au vent au rythme de son pas vif. Elle va où bon lui semble et pire encore, chasseresse, elle manie le fusil que son père lui a offert.  Elle dégage une  impression, d’énergie, d’impétuosité et… de liberté. 

Cette liberté, elle lui est accordée car elle n’est pas comme les autres, sinon jamais elle ne l’obtiendrait. Mais elle a un prix, elle est ostracisée par les femmes du village. Elles ne lui parlent pas, elles ne s’assoient pas à côté d’elle, surtout si elles sont enceintes. Elle est de celles qu’on ne songerait pas à marier. Elle a le mauvais œil. 

Pourquoi la forme conte ?  Les thèmes du film sont sulfureux, un critique de journal turc l’a bien repéré. « Le scénario est parsemé de personnages et de péripéties qui tournent autour de concepts clichés comme la marginalité, l’autorité, l’étranger ou la liberté – autant de mots qu’il est de bon ton d’employer pour éblouir les jurys des festivals internationaux ». Ici, le censeur rend péjoratives et complaisantes  les vertus du film. D’autres critiques Turcs disent : Le propos du film est de s’élever contre ce modèle qu’il décrit et qui consiste, à l’échelle d’un village, d’un quartier ou d’une société entière, à réagir contre l’autre, celui qui est différent, à le contraindre, puis, avec l’avantage que procure le nombre, à l’étouffer, lui et sa différence ». Dans les deux cas le fond paternaliste du film échappe aux critiques, et c’est bien ainsi car nos deux réalisateurs l’insèrent dans un cadre plus vaste, celui de la discrimination et de  la violence mimétique. C’est-à-dire de la répétition à l’infini de la violence institutionnelle ou non,  et des choses cachées. Sibel et le loup est un moyen de parler de ces choses cachées. Les métamorphoses du loup, de Sibel à Ali, nous conduisent à un fantôme, celui de Fuat, l’amant de Narin  assassiné par les frères de Narin.

Le meurtre, cette chose cachée, que Sibel (d’une manière quasi chamanique) cherchait inconsciemment sous la forme d’un loup continue de gouverner la communauté. Et les hurlements du loup ne sont peut-être que ceux d’une mauvaise conscience collective.  

Autre particularité du film, les hommes y  sont rares, pourtant la loi, c’est  la leur, celle du paternalisme qui fonctionne sans même leur présence. Le film montre aussi que cette loi est toute aussi aliénante pour les hommes. Emin le chef du village et  père de Sibel et Fatma est tiraillé dans son rôle, entre père institutionnel, représentant de la loi des mâles, ou père affectif,  il lui faut choisir. On voit bien la différence, le premier rôle est posé de toute éternité, le second doit chaque fois s’inventer. Le premier fige, le second fait devenir. Et Emin choisi de voir le monde comme Sibel le lui proposait… avec amour.

Mais après tout, n’a-t-il pas donné à Sibel un prénom  qui vient du fond des âges une sorte de  désaveu du paternalisme ?  « Sibel est un prénom féminin d’origine turque dérivé de la déesse phrygienne. Cybèle (en « gardienne des savoirs ») adoptée par les Grecs et les Romains, personnifiant la nature sauvage. On disait qu’elle pouvait guérir des maladies (et les envoyer) et qu’elle protégeait son peuple pendant la guerre. Elle est présentée comme Déesse mère ou encore Mère des dieux. C’est l’une des plus grandes déesses de l’Antiquité au Proche-Orient ».

Le village de  Kusköy est un village monde, rien des choses humaines qui s’y déroulent ne nous est étranger. A la violence humaine  universelle, les réalisateurs opposent ceux qui lui résistent, ils pourraient sembler une minorité définitive,  c’est ce que Çagla Zencirci et Guillaume Giovanetti ne tiennent pas pour acquis et  c’est la raison même de Sibel. 

Coup d’œil sur le Week-End des Jeunes Réalisateurs.

Comme chaque fois certainement, j’ai trouvé que ces journées étaient les meilleures que j’avais vues. Mais qu’il me suffise de revenir seulement un an en arrière pour m’apercevoir de l’illusion rétrospective.  Nous présentions alors  des films tels que « jusqu’à la garde »de Xavier Legrand qui un an plus tard allait rafler tous les Césars !  Ou encore « Makala»d’Emmanuel Gras ce documentariste  qui fait une œuvre originale et superbe.

La réalité  c’est que ces journées nous donnent chaque fois l’occasion de voir des merveilles et qu’elles appartiennent aux jours de fêtes de nos vies d’amateurs de cinéma.

Voici quelques brèves (et moins brèves)  notes sur ces films. 

Samedi 14 h30-Avec les Drapeaux de Papierde Nathan Ambrosini, nous commencions bien. Ce garçon de 30 ans, (Guillaume Gouix) relâché de prison qui débarque chez sa sœur (Noémie Merlant) , avec tout ce qu’il est, son traumatisme carcéral, ses colères et violences infantiles,  et qui va bouleverser sa vie. Il y a dans ce film une tension permanente, une imprévisibilité,  on est à chaque plan en attente d’un clash. Souvent filmé de dos, boule à zéro, ce jeune homme donne l’impression d’un boxeur qui va rentrer sur un ring. Qui va de manque d’amour en amour manqué.  Mais toute la beauté du film est de montrer que cette vie qui rend malade peut être aussi une vie qui soigne. Le tandem d’acteurs est remarquable nous connaissions Guillaume Gouix et découvrions Noémie Merlant (une actrice à suivre).

Suit « l’ordre des médecins »que je n’ai pas revu mais dont beaucoup de spectateurs ont dit le plus grand bien et sûr que ce film aura un beau succès.

Puis « L’amour debout » clos cette journée, avec la présence  pour le débat de Michaël Dacheux- Très beau film et superbe débat !  Un film d’un réalisateur qui aime le réel et les gens. Et cela se traduit par son attention bienveillante portée au public comme dans le choix de ses acteurs, dans l’importance qu’il donne à la vraisemblance des personnages. C’est un film qui ausculte une société de gens cultivés,  qui vivent chichement, dans  ce qu’on a entendu appeler le « précariat contemporain ». Dont le souci n’est pas d’être riches mais de vivre de ce qu’ils aiment et de ce en quoi ils croient, pour le meilleur et le pire. Des gens modestes qu’on ne montre pas habituellement car ils ne sont symboliques de rien. Et parmi eux Martin qui veut faire du cinéma, qui est homosexuel, qui est mal de l’être. Mal parce qu’il sépare sa sexualité de ses sentiments. Et parmi eux encore Léa la guide parisienne à son compte,  qui hésite à aimer après avoir aimé Martin, mais qui aime tout de même, « un vieux » de deux fois son âge…Musicien, compositeur et qui ne peut pas faire autrement que de l’être. On pense à Marcel Proust voit bien ce qui pourrait séparer le réalisateur d’un Marcel Proust. Il y a pourtant quelques choses qui le rapprocheraient de la recherche : La question de l’effet du temps, de la séparation et des retrouvailles. Il y a aussi ce goût immodéré pour les arts et les sciences,  le 7èmeles rassemblant tous, et il ne s’en prive pas, avec une l’architecture d’un Paris peu connu, la musique de Schuman et Ravel, la qualité littéraire des dialogues, les livres etc…  

Micahël Dacheux  nous fait découvrir son univers avec finesse, par touches légères, il a la modestie et la profondeur de quelqu’un qui fait et fera une œuvre authentique et originale. 

Dimanche 11 heures,   Pearl d’Elsa Amiel, avec une actrice peu commune (Julia Föry). Le monde du Body-Building féminin, c’est-à-dire de l’auto-construction un peu monstrueuse de son corps, un corps mû par une volonté venue d’ailleurs, un coach (Peter Mullan). Cette femme  a fait un enfant à un homme, un homme joueur, un peu marginal, pas terrible. Il revient dans sa vie alors qu’elle prépare un concours crucial pour son coach par elle-même interposée. Ce film  mixe des choses vues mille fois, le renoncement à être mère, le renoncement à être soi-même pour être championne !  Mais, il y a quelque chose de troublant et de fascinant dans ce monde hors norme où l’on prend des potions magiques comme on prendrait un café. Où l’exploitation de l’homme par l’homme est réduite à sa plus simple expression et il faut bien avouer, si les thèmes sont connus, voir ces femmes étranges est assez rare.

« Un violent désir de bonheur » de Clément Schneider en présence du réalisateur, Encore un film original, ça commence par un portefaix, un colporteur qui court et annonce la nouvelle : les révolutionnaires approchent. Nous sommes en 1792 et ils réquisitionnent les bâtiments d’église. Un monastère, des moines, et l’irruption des révolutionnaires hirsutes, et parmi eux, étonnante, une femme noire, Marianne, (Grace Sery).On est rapidement captivé par ce film car un moine (Quentin Dolmaire) les questionne sur leurs fins, et son sang-froid est grand et sa langue exquise. Avec ce vent des hommes de la liberté souffle aussi celui d’une autre liberté, de l’émancipation de notre moine sous l’effet de Marianne la grace, le bonheur et la liberté souveraine dans un monde soi-disant libre. Au demeurant elle est à  l’image du réalisateur qui quitte 1792  à la fin de son film par une chanson de Marianne Faithfull. Je n’ai hélas pas entendu le réalisateur, mais je suis prêt à parier que nous le reverrons pour une autre oeuvre,  et ses acteurs  ont de l’avenir, parce qu’ils sont formidables.

PS : Nous avionsvu Grace Sery à Prades dans un court-métrage, « le bleu, blanc rouge de mes cheveux ! »

« L’époque » en présence de Matthieu Bareyre son réalisateur,un documentaire. On croit d’abord qu’on va être dans le prolongement des documentaires sociologiques dans la lignée de « Chronique d’un été » de Jean Rouch ou encore de « le Joli mai » de Chris Marker,  mais M.B ne se positionne pas en élève. Il tourne juste après le massacre de Charlie,  après « Je suis Charlie » et son unité opportuniste. Derrière cette unité il y a le  bouillonnement passionnel des jeunes. Et les mots pour le dire des jeunes qu’on peut résumer par impasse, oppression,  fureur, colère et désespérence. On est tantôt Place de la République à Paris, tantôt ailleurs, non loin. La colonne vertébrale du film c’est Rose, une jeune femme, française  et noire (avec les dicriminations d’usage !), noctambule, intellectuelle « surdiplômée »,  (il faut bien être maintenant pour inventer un tel mot !).On peut parier sur le succès de ce documentaire car il est construit comme la musique qu’il utilise : La follia de la sonate n°12 de Vivaldi par Il Giardino Armonico, musique folle et  impétueuse. Impétueuse, comme l’est cette jeunesse pour laquelle les parents n’ont pas prévu d’avenir, si ce n’est pathétiquement le leur. 

Lune de Miel d’Elise Otzenberger, le synopsis annonçait  du compliqué, conjuguer le souvenir de l’extermination des juifs de Pologne avec le désir de descendants juifs polonais de retourner sur la terre de leurs ancêtres Polonais pour une commémoration ! En faire une comédie. On suspectait que ça allait grincer. Sortant de la salle, j’ai immédiatement dit que ce film était loupé ! Et je regrette ma stupidité. Je pense que j’irai le revoir. L’humour est toujours une tentative de civilisation. Et le choix de la fiction est judicieux, faire un documentaire est une chose, montrer le regard d’un couple d’origine juive sur « le présent du passé » en est une autre ! J’ajouterai mon bon souvenir sur le kitsch de Cracovie et « les juifs » en plastique.  Ce kitsch là,  la marque des antisémites reconvertis.

Et au Total : On aurait bien aimé que la salle 4 soit toujours  comble, mais on a aussi eu le  bonheur de voir un public heureux pour cette 8èmeet superbe édition. A l’année prochaine ! 

A cause des Filles? de Pascal Thomas

Pascal Thomas est une figure familière du cinéma dont la carrière débute d’une manière fulgurante avec les Zozos dans les années 70 suivi d’ une série de films à petit budget. Nous sommes en 2019, il est égal à lui-même après 24 films et séries tournées. Léger et profond.  À propos de « A cause des filles »,  Michel Ciment dit : « J’ai vu une méchante critique disant : « C’est un film désuet ».  (Thomas Sotinel) Mais Pascal Thomas a toujours été désuet ! C’est ça, sa grandeur ! C’est quelqu’un qui n’est pas de son époque. Quand Les Zozos (1973) sont sortis, ce n’était pas du tout le cinéma qu’on faisait à l’époque ! Il a une sorte de nostalgie pour un art de vivre que Pascal Thomas aime et qui est en train de disparaître ». 

Et j’ajouterai, que Pascal Thomas a de l’humour, ce qu’on ne lui pardonne pas toujours.

Selon l’art et la manière  de Pascal Thomas, le film commence vite et fort par la scène du Mariage.  Dès les premiers plans sur fond de musique austère, une femme sort de sa voiture décapotable, tourne le dos au public en s’appuyant contre la portière et regarde, caméra subjective,  travelling avant, une église. Dans l’église contraste, c’est la joie de la célébration. Puis, sortie joyeuse de l’église, baiser des mariés… Puis fuite du marié avec la jeune femme inconnue dans la voiture décapotable derrière laquelle sont accrochées quatre casseroles…Une scène folle, une scène de cinéma.  C’est Victoria Olloqui La mariée et Fréderic Beigbeder… (Le marié)  et Alexandra Stewart (la mère du marié) et c’est une mère qui apprécie son fils à sa valeur, et là aussi c’est autant une belle trouvaille du scénario qu’un numéro d’artiste.

Ensuite il faut tenir le rythme c’est toute la question, et quand on a vu ce film, on a la réponse. Enchaînements, invention, drôlerie, et en même temps quelque chose d’indicible dont nous toucherons un mot tout à l’heure.

Le synopsis dans sa discrétion dit quelque chose comme : « A cause des Filles », est un film choral un film  à sketches, où toutes les générations sont présentes. Le départ du film est cocasse,  ça se passe dans le bassin d’arcachon, une noce tourne mal. Ce qui amène tous les convives de la noce à remonter le moral de la femme abandonnée. Tous ont alors leur mot à dire sur l’inconstance, les surprises de la vie conjugale, les péripéties inattendues et les amours malheureuses… 

Cette présentation n’est que partiellement vraie, nombre d’histoires sont racontées hors de la présence de la mariée. Et c’est tout le charme des films de Pascal Thomas de vouloir aussi montrer avec humour, comment les invités cherchent à effacer l’incongruité de cette scène initiale, à demeurer ensemble, à être ce qu’ils doivent être, des convives…conviviaux. Pascal Thomas est un maître dans l’art de montrer simultannément une chose et son contraire, bref à montrer nos inclinations ce qui pulse en nous et nous pousse du bon côté. 

Le choix d’une forme chorale ne doit rien au hasard, Pascal Thomas aime les acteurs, il aime les histoires et les gens qui les racontent. Des histoires ? Il aime parfois en chercher aussi, ainsi sa réplique : « Le chasseur français est fait pour les chasseurs et les cahiers du cinéma pour les gens qui regardent des films »…Lui permet d’obtenir et de conforter( ?) le mépris des « Cahiers » pour son cinéma en général et ce dernier film…

Pour tous ceux qui se rappellent des sketches, voici un petit mémento succinct de la galerie des acteurs qui leur correspondent :

José Garcia et Valérie Decobert (un père de famille), 

Pierre Richard et Marie-Agnès Gillot (le veil homme et la mort) 

Audrey Fleurot et Louis-Do de Lancquesaing (les saucissonés)  

Rossi de Palma et François Morel (le peintre)  

Barbara Schulz et Arthur Teboul (le tatoué) … 

Irène Jacob et Laurent lucas (la veillée funèbre) 

Marie Josée Croze (Béatrice, la prof de français) 

et Victoria Lafaurie, (la chanteuse)…

Certains sketches rappellent le cinéma italien et il est sûr que Pascal Thomas aime ce cinéma depuis toujours.  Certains dialogues ceux de Woody Allen, un curieux Woody qui n’aimerait pas Freud !

…et revenons à l’ambiance générale du film, l’image est belle, chatoyante par instants, on se souvient du passage le « parfum de la femme en noir » qui rappelait  E.Hoper, les décors y participent.   La musique « A cause des Filles » qui ouvre et ferme le film, très réussie, et Victoria Lafaurie est une chanteuse à suivre. 

Et sur l’ambiance générale,  la nostalgie, le passage du temps et notre finitude,  et simultanément la gratitude,  le bonheur de vivre. Tels ceux de la mariée qui conclut le film dans un élan de résilience, de dépassement, de confiance et d’humour!

VIVA IL CINEMA! TOURS 2019

On ne dira jamais assez de bien de Viva Il Cinéma !

Heureux cette année encore d’y avoir assisté, et de vous faire partager en quelques notes cette bonne  expérience


Come a Gatto in Tangenziale (comme un chat sur le périphérique)2018.  De Ricardo Milani :

Film d’ouverture une bonne idée, que se passe-t-il lorsqu’un bourgeois voit sa jeune fille s’enticher d’un  jeune pauvre qui habite dans un quartier pourri et réciproquement que se passe-t-il quand une ex-caissière s’aperçoit que son fils fréquente une petite bourgeoise ? 

A la fin du spectacle, la salle immense a applaudi, et une dame a hurlé : c’est une navet ! un grand moment de solitude. Ce n’est pourtant pas ce qui lui donne tort. Ce film brasse des vieux clichés, il est peu drôle … C’est mal parti pour ce festival.  note : (*)

les confessions un film de Roberto Ando 2016 :

Un moine Chartreux est invité à un sommet secret de dirigeants politiques du G8, par le patron du FMI (Daniel Auteuil)  qui meurt brutalement. Voici un film qui a la forme d’un thriller. Le moine, c’est Toni Servillo un homme silencieux,  entre Guillaume Baskerville (le moine du nom de la rose) et Saint François. C’est aussi un discours sur le pouvoir et l’argent, sur la corruption et la violence qui rappelle les meilleurs romans de Sciascia. Et là, nous sommes dans le festival, avec déjà le regret de ne pas avoir vu ce film au moment de sa sortie. Note (***)

Un’giorno all’improvviso (à L’improviste) de Ciro D’Emilio2018 :  

avec deux acteurs exceptionnels, la très connue Anna Foglietta et un jeune premier rôle Giampero De Concilio.   Un jeune homme de 17 ans à pour projet de devenir un footballeur, il travaille dans une station-service et vit avec sa mère qui est particulièrement instable et fragile ! Non seulement c’est bien joué, mais le scénario, la prise de vue,  le rythme, la tension, tout est remarquable dans ce film, jusqu’à l’inquiétude sourde, l’expectation anxieuse qu’il procure. Le jury de Tours ne s’y est pas trompé qui a remis au réalisateur le prix du meilleur film et c’est un premier film !  Certaines scènes et répliques deviendront anthologiques. Un regret bien annexe ! Le prix : une statuette c’est le Monstre de Tours, une sorte de Goldorack abominable, probablement réalisé avec une photocopieuse 3D.  Note(****)

Une storia senza nome (une histoire sans nom) de Roberto Ando 2018 :

la encore dans ce film on sent l’influence de Sciascia, avec l’humour en plus pour ce thriller complexe et enlevé. Valéria (Michaela Ramazzotti) est « nègre » d’un scénariste en mal d’inspiration. Un homme mystérieux (Rénato Carpentièri) la conseille dans l’élaboration d’un scénario particulier qui concerne le vol d’un tableau du Caravage. L’histoire va se corser car cette histoire est vraie ! Doublement vraie car elle s’inspire d’un fait réel.  Note : (***)

L’Hospite (L’invité) de Ducio Chiarini 2018 :

Guido 38 ans, professeur de lettres mène une vie tranquille avec Chiara jusqu’au jour où elle a envie d’ailleurs, d’autre chose. Guido va au gré de l’hospitalité d’amis dont il découvre les errements. Curieusement, je pensais à l’homme fidèle pour la passivité masculine de Guido aidante.  Note : (**)

Menocchio de Alberto Fusalo 2018 :

 biopic d’un personnage pauvre au 16èmesiècle, accusé d’héresie, jugé par un tribunal inquisitorial, repenti ? 
Un film d’une force inouïe. Un homme, simple meunier, mais qui sait lire et écrire face à la machinerie inquisitoriale qui lui tombe dessus. Filmé à bout portant, avec des clairs-obscurs,  et le plus souvent des obscurs, des visages du Caravage, vous voyez, le crucifiement de Saint Pierre et les sons qui se détachent, comme arrachés aux choses et aux êtres… C’est à mon goût un chef-d’œuvre. Le jury jeuneà notre grande  et heureuse surprise lui a descerné son prix. Jury jeune composé cette fois exclusivement de jeunes filles, venus d’écoles de l’image, de l’hôtellerie etc. Elles sont fortes les filles ! Note : (****)

Un Ragazzo d’Oro (un garçon en or) de Pupi Avati 2014 : 

Histoire d’un jeune homme qui se pensant détesté de son père, réalisateur médiocre, découvre une  réalité qui contredit ses certitudes. Parmi les actrices il y a  Sharon Stone dont Pupi Avati présent parmi nous et dernier des Mohicans des grandes heures du cinéma italien nous dit les travers de star capricieuse. Il fallait voir ce film  pour assister au  numéro de Pupi Avati, ce grand nom du cinéma italien. (il a fait tourner de grands acteurs tel Ugo Tognasi). Rien que pour ça donc… et seulement pour ça. Note : (**)

Capri Révolution de Maria Martone 2018 : 

L’Italie se prépare à la guerre. « L’Ile de Capri  semble un peu à l’abri des tumultes du monde. C’est là que vit une communauté de jeunes venus d’Europe du Nord »ainsi commence le synopsis. Mal assis au cinéma Thélème, impossible de bouger ses genoux, douleur dans le dos,  le film dure 2 heures,  impossible de partir sans déranger 12 personnes… On dit qu’en vieillissant, on a l’impression d’accélération du temps. Cela n’est pas toujours vrai ! Note : (*)

 I Villani (les rustres) de Danile Michel :

Un documentaire ! 5 ans de travail « Ils sont maraîchers, éleveurs, pêcheurs, ils ont choisi de travailler à la manière de leurs ancêtres. Ils ont une passion vitale de leur métier et un l’amour de leur terroir. Ils produisent la matière première  d’une gastronomie menacée d’extinction ».Il faut voir ces femmes et hommes, regarder les paysages où ils vivent, entendre ce qu’ils nous disent. Salle comble 500 personnes environ. Standing- ovation, un tonnerre d’aplaudissement ! Nul n’aspire à vivre au 19èmesiècle, mais on sent à l’occasion du débat très riche et varié, que nous sommes entrés dans une critique intuitive d’un modèle économique qui détruit plus qu’il ne créé, aculture plus qu’il ne cultive. Qui va jusqu’à laisser s’éteindre la langue et les mots pour parler des choses.  La réception de ce documentaire superbement filmé,  à caractère anthropologique montre une attente sociale une attente de civilisation, pourrait-on dire et  en même temps une aspiration, une adhésion  du public pour ce cinéma. Note : (****)

Sono Tornato (je suis de retour)  un film de Luca Miniero 2018 :

Une farce ! Musolini revient, il est là en Italie en 2018, il voit le monde. Premières images, il est persuadé que les abyssins ont gagné la guerre ! Revenu à la réalité, le Duce apprend vite, il voit les sous Duce qui lui ont succédé,  et il  veut savoir comment les Italiens vivent aujourd’hui, il entame un tour de la péninsule accompagné d’un journaliste, et il y a de bonnes possibilités pour lui. Désopilant et inquiétant à la fois ! Un film à voir pour sa drôlerie et pour la manière dont il  montre la réalité  et (par la même occasion)  la téléréalité, d’aujourd’hui.  Ajoutons que par moments ce Mussolini est filmé face à des figurants involontaires et les réactions de foule méritent d’être vues. Ça c’est l’Italie, être drôle et grave, et c’est l’une des mille raisons pour laquelle nous aimons son cinéma. Est-ce qu’un réalisateur français aurait eu l’idée de nous montrer Pétain avec dérision ? Jamais !  Note: (****)

Nous quittons le festival sur ces dernières images… Un très bon  cru, même si parfois le très bon voisine avec le moins bon.  Il nous reste qu’à espérer qu’il vous sera possible de voir les meilleurs à l’occasion de notre WE du cinéma italien.  

Une Affaire de Famille – Kore-Eda

Festival  du 16 au 22 janvier 2019
Palme d’or 2018
Du 17 au 22 janvier 2019
Soirée débat mardi 22 à 20h30
Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et mardi après-midi

Film japonais (vo, décembre 2018, 2h01) de Hirokazu Kore-eda avec Lily Franky, Sakura Andô et Mayu Matsuoka

Titre original Manbiki kazoku
Distributeur : Le Pacte

Présenté par Marie-Annick Laperle

Synopsis : Au retour d’une nouvelle expédition de vol à l’étalage, Osamu et son fils recueillent dans la rue une petite fille qui semble livrée à elle-même. D’abord réticente à l’idée d’abriter l’enfant pour la nuit, la femme d’Osamu accepte de s’occuper d’elle lorsqu‘elle comprend que ses parents la maltraitent. En dépit de leur pauvreté, survivant de petites rapines qui complètent leurs maigres salaires, les membres de cette famille semblent vivre heureux – jusqu’à ce qu’un incident révèle brutalement leurs plus terribles secrets…

Ce film présenté par Marie-Annick a été bien et amplement débattu.Difficile famille en effet que cette famille-là, et c’est un tour de force que de reconstituer les liens qui en nouent les membres.

On apprend à la connaître au fur et à mesure. Et quand, dans le dernier quart du film, la police et les services sociaux se mêlent de leurs affaires, on en découvre encore, et ce ne sont pas de moindres détails.

L’histoire commence par  l’enlèvement d’une petite fille, Juri abandonnique et mal traitée, qui deviendra la petite sœur de Shota jeune adolescent, lui aussi « trouvé » dans une voiture.

Ces enfants  sont élevés par des « parents » Osamu (un petit voleur)  et Nabuyo (une repasseuse, ex-maltraitée, ex prostituée soft). Ces deux là, nous le saurons vers la fin du film,  sont unis par un assassinat. Au sommet de la famille, une grand-mère dont on ne sait pourquoi elle l’est, si ce n’est qu’elle a le mérite de recevoir mensuellement un « dédommagement » qui lui sert de pension. Dédommagement parce qu’elle assure la garde (en secret) d’Aki,   fille  du fils de la seconde épouse de son ex-mari. Fille qui travaille comme prostituée soft.

Une famille qui s’est reconstituée à partir d’intérêts matériels divers et d’affection élective.  Famille dont le mode de vie est  transgressif et marginal au sens plein du terme.

Une affaire de Famille est remarquablement filmée, les critiques soulignent les qualités de cadrage. Parmi toutes celles que j’ai pu lire, toutes ne sont pas élogieuses, tant s’en faut. C’est pourtant l’une de celles-ci  qui me le fait aimer davantage. Ainsi celle de l’excellente revue « Transfuge » dit qu’on est un peu piégé par le côté bonhomme, par la volonté de Kore-Eda d’adoucir la brutalité du monde, d’aseptiser, voire de stériliser la teneur dramatique du film et sa façon d’éviter le réel.  Quant aux enfants du film, ils seraient trop mignons. Le genre « mignon » serait d’ailleurs, le signe distinctif du film. Et je dois dire que je suis impressionné par ces arguments,  d’autant que leurs auteurs sont des gens brillants et qu’il y a bien un niveau où leur critique  est parfaite.

En même temps, je me dis que le réalisme n’est qu’une des figures de style du cinéma et que rien n’oblige un réalisateur à prendre cette voie pour dire ce qu’il a à dire. Et je pense qu’on oppose trop souvent cette revendication de réalisme pour des films qui ne veulent pas l’être. Je me souviens de nos dernières projections, Heureux comme Lazzaro ou encore de High Life ont pu faire l’objet de semblables remarques.

Kore-Eda prend en effet ce langage de la douceur « du mignon » pour reprendre les termes de Transfuge, pour  montrer des  figures violentes : enlèvements d’enfants, vols, destruction de véhicules, enterrement sauvage, prostitution, chantage etc. Chacun de ces forfaits habilement justifié est inséré dans un tissu relationnel fort qui le justifie- Il faut bien vivre-

On est avec eux.  En témoigne le débat d’hier soir où nous avons tous manifesté de l’empathie pour ces personnages. Je dirai même que nous les aimions. Nous étions  pris dans une sorte de « syndrome de Stockholm », on trouvait que la police et les services sociaux étaient de vilains moralisateurs, des empêcheurs de transgresser en rond !

C’est le premier tour de magie de Koré-Eda, de nous montrer que la fraternité est toujours possible, même pour un spectateur confortable dans son fauteuil. (Dans The Third Murder, il nous faisait aimer un probable assassin). Kore-Eda a ses thèmes, (chez lui les questions de filiation sont très marquées),  il a son langage, sa cohérence, et ses intentions. Par exemple, depuis qu’il fait du cinéma, Kore-Eda sait bien à qui il destine  ses films.

Qui les regarde en effet ?  Nous ! Il sait qu’il nous leurre avec ses partis pris, il sait aussi que nous le savons.

Il sait comme nous  que ce ne sont pas les pauvres africains qui viennent regarder Makala, les sans abris qui viennent en masse regarder Louise Wimmer etc.  C’est bien nous et nous pouvons parfois être nombreux. Nous les cinéphiles. Notre  point commun, être  disponibles pour la culture des autres et leur société.

Or, Kore-Eda soulève par son film beaucoup de questions, nous n’y reviendrons pas Marie-Annick les a très bien exposées. Et il  ne veut pas seulement nous raconter une histoire originale et gentille.

Ici, il   dénonce les travers de la société japonaise. Si l’on en croit les réactions des autorités japonaises, le message a été reçu. Si Koré-Eda était turc, il serait bani, Iranien ou Russe, il serait en prison, Israélien en proie à la vindicte étatique, Chinois, il n’aurait pas fait de film du tout et serait en prison …etc.

Koré-Eda est un lanceur d’alerte d’un genre spécial qui se distingue par les moyens qu’il utilise,  dans ce film il nous dit aussi qu’au Japon, une grande partie de la population est reléguée, rendue invisible et doit se débrouiller comme elle peut. Et nous lisons les journaux et apprenons comment sont traités les vieux travailleurs, les vieux tout court qui représentent 20% des prisonniers au Japon, ils commettent des larcins pour s’y faire enfermer, c’est le seul endroit où on peut s’occuper d’eux.

Alors, si ce film nous montre à la fois  une famille « ex nihilo », pour nous interroger sur la famille, il nous montre en creux    ce que seraient ces personnes sans famille. Il nous signifie que la solitude est souvent une réalité et plus particulièrement une réalité japonaise. Les institutions japonaises sont des machines à produire de la solitude.  Il nous parle aussi des travailleurs à trois sous, comme l’étaient ses parents. La misère des gens de peu,  ceux pour qui il n’y a pas d’état et qui vivent selon leurs lois faute de mieux.
Bref, il soulève les tapis, indispose, se rend détestable et politiquement incorrect…avec du mignon…

Et en outre, son film est beau et captivant

 

01:13:31   (ce lien ouvre sur les critiques de la revue Transfuge)

COLD WAR-Pawel Pawlikowski

 

Du 20 au 25 décembre 2018

Soirée débat jeudi 20 à 20h30

Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et mardi après-midi
Film polonais (vo, octobre 2018, 1h28) de Pawel Pawlikowski avec Joanna Kulig, Tomasz Kot et Borys Szyc
Distributeur : Diaphana
Titre original Zimna Wojna

 

Présenté par : Marie-Annick Laperle

Synopsis : Pendant la guerre froide, entre la Pologne stalinienne et le Paris bohème des années 1950, un musicien épris de liberté et une jeune chanteuse passionnée vivent un amour impossible dans une époque impossible.

 

Avec une recette simple, on peut faire un bon film, un scénario qui tient la route, prenons un triangle, genre triangle amoureux,  pour cette fois, l’un des amoureux c’est la Pologne (genre mère jalouse et possessive).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Désynchronisons les élans amoureux, façon je t’aime ! Moi non plus !

Zula préfère la Pologne au moment où Wictor l’aime et Wictor n’aime plus la Pologne etc…. Variez à souhait amour et désamour.

Et surtout,  ne jamais oublier que la Pologne du coup,  est du genre vindicative et  rancunière. Stalinienne comme pas possible. On se demande pourquoi on l’aime, mais l’amour est à la fois  filial et aveugle.

On attend le moment synchrone, ce sera le final amoureux,  le « mariage/suicide » à la pilule  de Zula et Wictor, dans cette Pologne aimée…Enfin tous trois réunis.

Arrosez sans compter de  musique propagandiste  nationale et folklorique, de Jazz  bop ; puis générique : Glen Gould, Variations Goldberg et re-musique folklorique, fin.

Heureux comme Lazzaro- Alice Rorhwacher.


 

Prix du scénario au Festival de Cannes 2018
Prix jean Renoir des lycéens
Du 13 au 18 décembre 2018
Soirée débat mardi 18 à 20h30Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et lundi après-midi
Film italien (vo, novembre 2018, 2h07) de Alice Rohrwacher avec Adriano Tardiolo, Alba Rohrwacher, Agnese Graziani, Tomaso Ragno et Sergi LopezDistributeur : Ad Vitam 
Titre original : Lazzaro Felice

Présenté par Georges Joniaux

Synopsis : Lazzaro, un jeune paysan d’une bonté exceptionnelle vit à l’Inviolata, un hameau resté à l’écart du monde sur lequel règne la marquise Alfonsina de Luna.
La vie des paysans est inchangée depuis toujours, ils sont exploités, et à leur tour, ils abusent de la bonté de Lazzaro.
Un été, il se lie d’amitié avec Tancredi, le fils de la marquise. Une amitié si précieuse qu’elle lui fera traverser le temps et mènera Lazzaro au monde moderne.

Pour ce qui me concerne, ce fut un bonheur de voir ce film, je le tiens pour l’un de mes préférés. J’aime qu’on me raconte des histoires. Avec Alice Rorhwacher, le cinéma devient aussi une aventure  poétique,  tout l’est, l’esthétique de l’image et sa vivacité,  le choix des décors et des personnages, le son, la musique et l’histoire en forme de conte, et Lazzaro donc, cet étrange personnage !

Heureux comme Lazzaro est bien dans une tradition italienne qui souvent  conjugue réalisme et fantastique. Le journal La Croix évoque Victorio de Sica et Fédérico Félini. Alice R  cite Italo Calvino et Novecento de Bernardo Bertolluci. Pas de doute.

Parmi les caractéristiques du film, il est construit comme un diptyque, ou mieux encore comme les cartes d’atout d’un jeu de  tarot. Tête bêche scènes des champs et scènes bourgeoises. Mais la réalisatrice  y a ajouté autre chose : l’effet du temps. L’effet du temps sur les lieux et les personnages. Des scènes des champs aux scènes de la ville, 20 ans ! Ce sont donc des figures en mutation qu’on nous présente, qui conduisent des paysages de campagne à devenir ville, des groupes de paysans à devenir citadins. Des jeunes à devenir vieux. Des serfs à exclus. Ce qu’Alice Rorhwater énonce ainsi, on va du Moyen Âge technologique au Moyen Âge des âmes.

Quelques figures émergent 

La marquise Alfonsina de la Luna, elle regarde du haut de son château, dans un surplomb écrasant, ses ouvriers agricoles, qu’elle traite comme ses serfs. Elle  vole et trompe. « Les libérer c’est leur faire prendre conscience de leur esclavage ». D’ailleurs tout le monde exploite tout le monde, moi je les exploite, et eux, ils exploitent Lazzaro ! Et qui exploite Lazzaro ? demande Tancredi son fils. Forcément quelqu’un répond la marquise. Impossible pour elle,  dans son système, de penser autrement.

La figure de la marquise mute quand arrive le temps de la ville 20 ans plus tard. Les serfs sont devenus des gueux.  La ville a son cœur battant, ses banques, ses quartiers d’affaires, et sa population bien insérée, elle a aussi ses franges. (Curieusement, nous verrons ce même thème prochainement dans le film Une affaire de famille  de Kore-Eda). Dans ces franges, ces non-lieux,  les habitats précaires, de fortune dominent. Les marquises ne sont plus là, les banques leur succèdent comme système d’oppression. Banques et franges sont bien entendu des figures analogiques de l’oppression.

La figure du peuple dans la première partie est représentée avec les artifices du conte. Une petite communauté, marquée par  sa condition. Son lot c’est le servage, la duperie, la spoliation, l’escroquerie, la captation de leur force de travail et le mépris.  Peuple aliéné, tenu dans l’ignorance. Sur les terres de la marquise, pas d’école,  il n’est pas question d’apprendre à lire. Pas ou peu de lumière non plus. La marquise leur donne deux ampoules, il faut les dévisser pour aller de pièce en pièce.(la marquise n’aime pas les lumières).  Quant à l’éducation, c’est l’absence de scolarité pour les enfants et le catéchisme de la Marquise.  Le catéchisme de la marquise, la vie des saints,  dont elle les gratifie, symbolise l’action chrétienne durant des siècles vers le peuple.

Le  réalisme et le fantastique se rencontrent, puisque cette communauté vie cela dans les années  1980.  Le fantastique rend la scène contemporaine, le réalisme, c’est qu’en effet avec le christianisme du moyen âge à l’orée du 20èmesiècle, n’enseignait guère la lecture. Au peuple l’ignorance.

Dans les années 2000, cette même communauté vit aux franges de la ville. Ces membres ne sont plus serfs, ils sont  devenus gueux. Ils vivent de petits commerces et de petits larçins, rejettent tout ce qui appartient à la terre, préfèrent les chips à la chicorée qu’il leur faudrait ramasser. Là encore la forme conte fantastique fait du larcin  un métier. La seule et la dernière activité des réprouvés, rouler des gens cupides et bien pensants. Ces gueux, le cinéma italien  les connaît bien, autant  que les feuilletonnistes du 19èmesiècle partout en Europe. Ils ont d’autres attributs plus positifs, ils sont solidaires.

La figure de Lazzaro  appartient à ceux dont  Alice Rorhwacher dit : « En explorant mon pays et mon époque, j’ai souvent rencontré des « Lazzaro » : des personnes que je qualifierais de « gens braves » mais qui, le plus souvent, ne se consacrent pas à faire le bien, car elles ne savent pas ce que cela signifie. Leur nature même est de rester dans l’ombre, quand elles le peuvent, elles renoncent toujours à elles-mêmes pour laisser la place aux autres, pour ne pas déranger. Ce sont des personnes qui ne peuvent pas émerger de la masse où plutôt elles ignorent qu’il est possible de le faire. Ces gens-là s’occupent des tâches désagréables et lourdes que l’humanité laisse derrière elle, elles remédient à tout ce que les autres foulent aux pieds par inadvertance, sans que personne ne s’en aperçoive ».

Lazzaro présente des traits de sainteté, Saint François,  Sainte Agathe, et Saint Lazare (comme lui il ressuscite) .  Sa figure oppose au chritianisme institué, une sainteté qui n’appartient à aucune religion particulière,  dans un monde où comme hier,  l’homme bon est suspect et où le saint serait une menace telle qu’il faudrait le tuer.

Alors et le loup  dans cette histoire ? Il y a d’abord un hurlement au loin, un appel de l’inconnu, celui d’un être dangereusement libre. Et puis le loup dit le philosophe Baptiste Morizot est l’animal qui dans nos sociétés occidentales, nous rappelle que nous sommes aussi de la viande. Et Michel Pastoureau, l’historien a noté les occurrences des traits attachés aux loups dans la littérature du Moyen Âge au 19èmesiècle : voleur, menteur, lâche, cruel et sanguinaire, couard, fourbe, paresseux, avare ». Bref, des traits humains.

Pour terminer, par hypothèse,  la Marquise Alfonsina de Luna semble devoir son nom  à Alfonsina Storni, célèbre poétesse mexicaine s’étant suicidé et dont F. Luna a fait une chanson que voici .

Mercedes Sosa-Alfonsina y el mar – YouTube

PS : Drôle la mutation de Nicolas le régisseur et homme-lige  de la marquise, paternaliste et voleur devenant 20 plus tard recruteur à la criée au moins disant salarial.

 

Un amour impossible-Catherine Corsini

 

 

 

Du 6 au 11 décembre 2018

Soirée débat mardi 11 à 20h30

Autres séances jeudi et dimanche en fin d’après-midi et mardi après-midi

Film français (novembre 2018, 2h15) de Catherine Corsini avec Virginie Efira, Niels Schneider, Jehnny Beth et Estelle Lescure

Distributeur : Le Pacte

Synopsis : À la fin des années 50 à Châteauroux, Rachel, modeste employée de bureau, rencontre Philippe, brillant jeune homme issu d’une famille bourgeoise. De cette liaison passionnelle mais brève naîtra une petite fille, Chantal. Philippe refuse de se marier en dehors de sa classe sociale. Rachel devra élever sa fille seule. Peu importe, pour elle Chantal est son grand bonheur, c’est pourquoi elle se bat pour qu’à défaut de l’élever, Philippe lui donne son nom. Une bataille de plus de dix ans qui finira par briser sa vie et celle de sa fille.

Présenté par Laurence Guyon

Christine Angot a connu le pire, l’inceste pédophilique. Et ce film, reprend  l’un de ses récits.

Dans « un amour impossible », un titre qui flatte à cause de ses doubles, triple sens et sonne comme un roman de gare, Chantal adolescente sera, comme son auteur,  sodomisée par son père, et l’on retrouve dans le film, les thèmes de Christine Angot, les figures  de la violence familiale, des passions douloureuses et de la colère. Servi par une écriture « vérité » ou prétendue telle.

La trame du film, c’est le déroulement linéaire de la vie de Chantal et de Rachel sa mère. La vie de Chantal commence avant sa naissance par la rencontre de Philippe et Rachel. La carpe et le Lapin*(1).On peut se croire un instant dans « pas son genre de Lucas Belvaux », mais nous ne sommes pas là seulement pour ça…

Nous sommes  là pour assister à la mise en pièces par « un prédateur » de Rachel, une belle et gentille femme, qui ne demande rien, qui est travailleuse et courageuse et pas bête du tout et… de Chantal sa fille.

Rachel est une femme qui n’a pas connu son père, et qui par une sorte de compulsion de  répétition trouve l’amant  absent qui plus tard, refusera de reconnaître Chantal sa propre fille. Et ce sera le seul combat de Rachel  de faire en sorte que Philippe la reconnaisse. Et, il va la reconnaître pour mieux la connaître*(3).

Donc, il lui donnera son nom et la sodomisera. Ce qui fait dire à Chantal dans un dialogue avec sa mère quelque chose comme : « Ce qu’il voulait c’est nous humilier, humilier notre condition : Cet homme a voulu nous atteindre dans ce que nous sommes, (des gens modestes et dignes)  et à travers moi c’est toi qu’il voulait atteindre dit Chantal à Rachel, sa mère.

Voilà l’essentiel, du coup, il y a aussi le récit de Philippe*(2)  cet amant qui ne veut pas se marier, ce père qui refuse de l’être. Que sait-on de lui ?  Il est riche, beau, intelligent, polyglote  et cultivé. Son père est un homme de pouvoir antipathique. Il vit avec une femme  qui finira par se défenestrer.

Cette scène de saut invite le spectateur à en  faire un lui aussi, car le film suggère que cette suicidée est nécessairement la victime d’un époux sadique, et donc  Tel père, Tel fils ! Et cette dame n’est plus là pour nous contredire.

Christine Angot n’aime rien de mieux qu’escamoter les femmes de même qu’elle suicide la mère de son amant, elle fait disparaître sa propre mère sous le poids des déterminismes sociaux. (fille de fille mère et fille mère à son tour, fille de pauvre  et pauvre elle-même, fille d’un juif errant etc).

Or,  ce système de « bonnes raisons » qui paraît peu crédible,  ne l’est plus du tout lorsqu’un  jour Chantal raconte à sa mère que son père  l’abaisse et l’humilie gravement. Elle lui répond : «  il peut être comme ça !  »

Alors, raisonnablement on en vient à reconsidérer  « l’hagiographie » de Rachel.  C’est une femme qui accepte tout, les petites et grandes humiliations, les longues absences, et plus encore les brefs retours, qui accepte de risquer d’être enceinte et de l’être, d’élever seule son enfant, de ne rien réclamer pour elle-même et seulement, longtemps après, la reconnaissance paternelle de sa fille etc.…

Mais ça, ça porte un nom :   Le masochisme. Bref,  elle a un rapport masochiste pathologique à cet homme.  Elle privilégie tout au long de sa vie, ce mode de rapport avec Philippe.

Et donc Philippe et Chantal forment un couple sadomasochiste et Rachel est une victime pour une part d’elle même, consentante. (Ce qui n’exonère nullement Philippe, qui serait à lui seul un sujet)

Sans doute,  le parler vrai et cru de Christine Angot (Chantal) comporte sa part d’omission et probablement de dissimulations diverses autour de cette question. Toujours est-il que les dangers que faisait courir Rachel à sa fille en la confiant à son géniteur, sont aussi le produit de son masochisme permanent. (Ce qui ne comporte ni condamnation, ni jugement moral d’aucune sorte).

…Bref, il y a quelque chose de  passif-agressif dans ce récit de Christine Angot.

Pris par ce bavardage, j’allais oublier presque de dire que ce film ambiguë s’étire un peu, que sa musique emprunte beaucoup à Phil Glass, et que la narration par la petite fille est assommante.

 

 

P.S : Je me relis, bon, c’est écrit, cependant,  j’aurais peut-être dû dire que l’auteur place ses projecteurs où il veut. Par exemple, il aurait été interessant de connaître la mère de Philippe. Et la mère de Rachel donc!  Christine Angot me semble prise dans sa rationalité,  dans son système explicatif.

 

 

*(1)Cette expression appliquée aux humains servait de métaphore au couple composé d’un noble et d’une roturière. Pour y pallier, le noble se voit dans l’obligation de donner la main gauche à l’épouse  pendant la cérémonie, signifiant par ce geste qu’il ne transmettait son rang ni à sa femme ni à leur progéniture. Il est à signaler que si le noble donne sa main gauche, c’est parce que l’alliance normale entre deux personnes de même rang se mettait à la main droite. (Sur le site expressions française)

 *(2) Philippe, sans doute comme Philippe Petain, car le père de Rachel est juif, et le Philippe du film manifeste un instant un antisémitisme bon teint.

*(3) Dans l’interprétation Chrétienne de  la Genèse, Loth qui accueillait deux étrangers (en fait deux anges) vit sa maison entourée par les habitants de Sodome qui voulait …les « connaître ».