Catégorie : Vu par…Dominique

Mardi 19 juillet

            Mia Hansen-Løve est arrivée.

Mercredi 20 juillet

            Ayant vu Bergman Island il y a moins d’un an, nous n’assistons pas à la première rencontre avec elle.

Jeudi 21 juillet

            9h. Tout est pardonné…

(« Victor habite Vienne avec Annette et leur petite fille Pamela. C’est le printemps, Victor qui fuit le travail passe ses journées et parfois ses nuits dehors. Très éprise, Annette lui fait confiance pour se ressaisir dès qu’ils seront rentrés à Paris. Mais à Paris, Victor reprend ses mauvaises habitudes^[1] ». Vu en 2007 lors de sa sortie mais oublié. Mon seul souvenir :  ça tourne autour de la figure paternelle) 

… premier long métrage (réalisé à l’âge de 25 ans) de Mia Hansen-Løve qui est là (et le sera jusqu’au dernier jour) à la fin de la projection pour nous en parler.

Elle se souvient très bien comment l’idée du film, avec ses trois parties, s’est imposée à elle. Chacun de ses films étant fondé sur quelque chose qu’elle a vécu…

(Elle n’a rien contre les adaptations littéraires à condition qu’elle puisse y dire ce qui lui tient à cœur : des choses personnelles)

… tout est parti d’un deuil. Un oncle mort quand elle avait 12-13 ans et le silence (blessée qu’on ne la laisse pas aller à l’enterrement) autour de sa disparition, un mois après qu’il a retrouvé sa fille. Bien que ce ne soit pas sa propre histoire, elle s’identifie à cette fille.

En même temps, Mia Hansen-Løve est très attachée à la fiction, au romanesque. Plaisir de raconter une histoire. But : rendre compte du réel en le transformant. 

Ses films prennent une histoire en cours et se terminent avec le sentiment que la fin n’est pas définitive, que quelque chose va se poursuivre : dans ce double portrait d’un père et de sa fille, que va faire cette dernière de cette histoire ? De même pour les scènes : la réalisatrice donne toujours le sentiment de rentrer dans une action qui a déjà commencé et qu’elle quitte sans que celle-ci soit terminée. 

Force et beauté intérieure de Pamela : elle fait par elle-même le choix d’aller vers son père, de se faire sa propre idée sans se laisser influencer par sa mère. Que le film ne juge pas : on peut comprendre qu’elle ne veuille plus voir Victor, incarné par Paul Blain (rencontré lors d’une rétrospective, qu’il présentait, des films de son père Gérard ; a tourné dans trois ou quatre films mais n’est pas vraiment un acteur).

Pamela adolescente : incarnée par Constance Rousseau (maladie des yeux, héritée de son père : ils sont toujours en mouvement). Comme Mia Hansen-Løve cherchait une petite fille pour jouer Pamela enfant, Constance proposa sa petite sœur Victoire. Afin de ne pas laisser de côté la troisième sœur, la réalisatrice écrivit spécialement pour elle le rôle d’une cousine qui apparaît à la fin du film.

Le premier titre envisagé, « Je viendrai seul », enfermait le film du côté du père. Dans le titre définitif Tout est pardonné, le choix est fait de porter le regard sur la fille. 

Il n’est pas convenu de s’intéresser à une jeune fille qui décide de pardonner et non de se venger. Mia Hansen-Løve n’aime pas l’idée de vengeance au cinéma.

La dernière séance du jour (précédée d’un repas en musique) a lieu à 21h 30 sous les remparts de Villefranche-de-Conflent et, même s’il y a possibilité de covoiturage, pas envie de sortir de Prades. Nous ne verrons donc pas Eden de Mia Hansen-Løve. Pas trop grave, la musique électro n’est pas notre truc.

Vendredi 22 juillet

            9h. Le Père de mes enfants (2009), second film de Mia Hansen-Løve.

            « Grégoire Canvel a tout pour lui. Une femme qu’il aime, 3 enfants délicieuses, un métier qui le passionne. Il est producteur de films. Révéler les cinéastes, accompagner les films qui correspondent à son idée du cinéma, libre et proche de la vie, voilà justement sa raison de vivre, sa vocation. Avec sa prestance et son charisme exceptionnel, Grégoire force l’admiration. Il semble invincible^[2]… »

Il n’était pas dans les plans de Mia Hansen-Løve de faire un film sur le cinéma. Ce sont les circonstances -le suicide en 2005 d’Humbert Balsan qui devait produire Tout est pardonné-…

(La réalisatrice dut se trouver une autre maison de production. Celle-ci n’ayant pas voulu produire Eden, elle se vit dans l’obligation d’en chercher une seconde. Depuis, elle est fidèle aux deux qui la produisent tour à tour, ce qui donne de l’air à l’une quand elle choisit l’autre)

… qui ont été l’élément déclencheur. Elle a voulu garder une trace de cet homme. Le cinéma : un art qui fixe l’éphémère, qui rend éternelle la fragilité de l’existence.

Mia Hansen-Løve a grandi hantée par l’idée de suicide. Après que le sien eut mis fin à ses jours, son propre père s’est retrouvé dans la situation de le remplacer, de devenir le père de la famille. Le suicide de son producteur a ranimé cette histoire. 

Une question hante ses films : celle de la survie de l’âme. Est-ce le vide ou bien l’esprit reste-t-il ? Dans ce cas, comment ? Grégoire Canvel survit-il à travers ses enfants ou les films qu’il produit ? Mia Hansen-Løve est athée mais elle est dans l’interrogation. Désir de croire en l’au-delà mais incertitude totale sur l’hypothèse que quelque chose puisse persister.

Ses films parlent de la mélancolie à laquelle le cinéma lui a permis d’échapper. 

            Humbert Balsan donnait l’impression que tout allait bien. Il était dans une addiction destructrice : la vitesse, qui est conservée dans le film (et à laquelle Mia Hansen-Løve a pris goût) même dans les scènes avec les enfants. Louis-Do de Lencquesaing a quelque chose du panache du personnage. Clémence, sa fille dans le film, est joué par sa propre fille Alice dont l’émotion à la mort du père est réelle.

            Les enfants. État de grâce par rapport à eux. Forte de l’expérience de son premier film, Mia Hansen-Løve a écrit celui-ci pour leur donner de l’espace suivant un canevas non cadenassé. Les scènes sont pensées en fonction de la liberté qui leur est laissée, au contraire des adultes pour qui tout est écrit.

            Le titre. Considère le point de vue de la mère mais tout le monde est dedans. Il fait exister toute la famille. Mise à distance et intimité mêlées.

            17h. Un Amour de jeunesse (2011), troisième film de Mia Hansen-Løve qu’elle considère (Tout est pardonné et Le Père de mes enfants lui ayant été « imposés » par les circonstances) comme son premier.

« Camille a 15 ans, Sullivan 19. Ils s’aiment d’un amour passionnel, mais à la fin de l’été, Sullivan s’en va. Quelques mois plus tard, il cesse d’écrire à Camille. Au printemps, elle fait une tentative de suicide. Quatre ans plus tard, Camille se consacre à ses études d’architecture. Elle fait la connaissance d’un architecte reconnu, Lorenz, dont elle tombe amoureuse. Ils forment un couple solide. C’est à ce moment qu’elle recroise le chemin de Sullivan^[3]… ».

Le sujet : la construction d’une personnalité. Histoire fondatrice. Lien entre la vocation et le très long deuil amoureux.

Camille est faible par rapport à Sullivan…

(Elle est aussi amoureuse de son sentiment et peut-être est-ce pour cette raison que Sullivan la fuit)

… mais malgré tout elle fait sa vie. Il fallait une adolescente qui devenait femme. Ce fut Lola Creton…

(Jeu minimaliste. N’est jamais affectée et en même temps est très gracieuse, avec encore quelque chose de l’enfance)

… repérée dans Barbe bleue, un film de Catherine Breillat. 

Sebastian Urzendowsky (Sullivan) : il y eut des commentaires négatifs sur lui alors que Mia Hansen-Løve a été touchée par sa fragilité. 

Importance du rôle de la mémoire dont on se nourrit, ce qui n’empêche pas les films de la réalisatrice d’être tournés vers l’avenir.

Au départ d’un film, il y a une image. Ici, le chapeau emporté par le vent.

Un Amour de jeunesse a été écrit en deux fois. Une première du point de vue masculin, la seconde du côté féminin.

L’architecture. Mia Hansen-Løve s’y connaît peu mais elle y est sensible + c’est photogénique + architecture et cinéma ont beaucoup en commun (rapport à l’espace et recherche de l’ombre pour mettre en valeur la lumière, et là je pense à L’Eloge de l’ombre du grand Tanizaki)

Samedi 23 juillet

            11h. Rencontre-débat avec Mia Hansen-Løve.

            Elle n’est pas passée par une école de cinéma (me rappelle Marion Hänsel). Une expérience décisive : à 17 ans, elle s’est retrouvée à jouer (dix jours de tournage) dans un film…

(Fin août début septembre, revu il y a quelques mois. J’ai alors eu la surprise de la retrouver actrice quand je la croyais uniquement réalisatrice)

… d’Olivier Assayas suite à un casting sauvage (sa prof de philo : Vas-y). Impressionnée, émerveillée, elle échappe à ses problèmes de l’époque…

(Un chagrin d’amour -voir Un amour de jeunesse- qui avait amenée l’ado mélancolique à faire le geste radical de couper ses cheveux très courts.)

… et découvre le bonheur du cinéaste sur un tournage.

Après son bac, elle suit des études germaniques à la Sorbonne.

Quelques années plus tard, elle réalise un court métrage qui, sélectionné dans un concours étudiant, est remarqué par un membre du jury, le producteur Humbert Balsan. Six mois après, ayant reconnu son nom peu commun (d’origine danoise) dans Les Cahiers du cinéma, il recontacte la jeune réalisatrice afin de lui demander si elle écrit un long métrage. Oui. 

Humbert Balsan : avait été assistant et acteur sur le Lancelot de Robert Bresson, cinéaste qu’aime aussi Mia Hansen-Løve. De même qu’Eric Rohmer…

(Peut-être aurait-elle été intéressée d’apprendre que « dans la perspective de la donation par la famille Schérer de sa [E. Rohmer] maison natale à la ville de Tulle, un travail est en cours sur le projet d’un futur lieu culturel et associatif à rayonnement international ». J’espère qu’on pourra la visiter, une photo de l’intérieur resté « dans son jus » -des rayonnages remplis de livres surmonté d’un tableau naïf moyenâgeux sur fond de papier peint style toile de Jouy- m’a alléchée sur une grande affiche -la même, en petit format, sur les vitrines de boutiques ainsi qu’en carte postale au dos de laquelle j’ai trouvé les renseignements retranscrits ci-dessus)

… qui également l’influence : il parle de gens qu’elle connaît. Dans Conte d’hiver, l’héroïne retrouve par hasard l’homme qu’elle attendait. Choix d’être dans l’espoir et du côté de la vie même si elle est cruelle. 

Mia Hansen-Løve écrit seule ses scénarios, en surmontant ses angoisses parce que c’est difficile. Mais il faut en passer par là et affronter sa solitude face à l’écriture. C’est différent du cinéma qui est un art collectif…

(A ce propos je ne comprends pas qu’on boycotte un film sous prétexte que le réalisateur est devenu persona non grata. Injuste pour les acteurs et les équipes techniques. Qu’ont-ils fait pour mériter ça ? Idem d’ailleurs pour tout le domaine artistique et même scientifique, fera remarquer Orlan sur France Inter le mois prochain, qui sait si ça ne nous aurait pas privé des antibiotiques -c’est un exemple comme un autre, ni elle ni moi ne connaissons rien de la vie privée d’Alexander Fleming- et s’il fallait ôter des musées les œuvres des salauds -il sera question de Picasso- ils seraient presque vides)  

… mais c’est important si on veut dire quelque chose d’essentiel. L’écriture d’un scénario est la promesse d’autre chose.

Les décors naturels sont très importants pour Mia Hansen-Løve, très sensible à la nature. Elle a grandi à Paris dans un petit appartement sombre mais chaque été elle partait avec sa famille dans la maison de sa grand-mère, près des sources de la Loire (où ont été tournées des séquences d’Un amour de jeunesse). Les mêmes lieux toujours parcourus et le contraste ville/espace continuent de la nourrir. Scènes de baignade dans presque tous ses films. 

De même il y a toujours des personnages qui marchent. Marcher raconte un cheminement intérieur invisible.

Mia Hansen-Løve définit son style ainsi : clarté, lumière, concision. Rejet de toute emphase. Sobriété et retenue. Recherche de la justesse des mouvements de façon invisible. 

Marion Monnier : monteuse de tous les films de la réalisatrice en collaboration avec elle (elle adore le montage). La première aurait du mal à choisir une prise sans la seconde et réciproquement. 

Mia Hansen-Løve a fait le choix de ne pas travailler avec un compositeur (pas de musique qui souligne). Les chansons sélectionnées ont leur propre histoire et donnent aux films une dimension supplémentaire. 

L’Avenir. Ecrit pour Isabelle Huppert. Désir de travailler avec elle…

(Pour autant, Mia Hansen-Løve était terrorisée de tourner avec la célèbre actrice. Un moment inoubliable : cette dernière est dans sa loge, brouhaha sur le plateau. Elle en sort. Silence. Huppert : charmante et facile -idem en ce qui concerne Edith Scob : humour + aucun narcissisme- avec un respect immense pour le travail du metteur en scène -si elle butait sur un mot, elle voulait réussir à dire ce qui était écrit- mais la réalisatrice est restée intimidée)

… pour son énergie, son humour, sa vivacité, parfaits pour incarner la prof de philo. Mia Hansen-Løve redoutait la façon dont le film allait être perçu. Grâce à Isabelle, les spectateurs rient ou sourient. 

Comment interpréter les larmes de sa fille à la maternité ? Quand Isabelle Huppert dit des choses violentes contre son père, elle est dans l’amour → ça la heurte (j’avance une autre hypothèse : c’est elle qui, par son intransigeance, a poussé son père à quitter sa mère ; ne peut-elle le regretter ?).

Avec L’Avenir…

(« Nathalie est professeur de philosophie dans un lycée parisien. Passionnée par son travail, elle aime par-dessus tout transmettre son goût de la pensée. Mariée, deux enfants, elle partage sa vie entre sa famille, ses anciens élèves et sa mère, très possessive^[4]… »)

… le cinéma de Mia Hansen-Løve prend un tournant : ses acteurs sont connus. Mais elle conserve intact le plaisir de travailler avec des gens sans expérience. 

Les livres. Quand elle présente le film à l’avance sur recette, le premier reproche qu’on lui fait est : pourquoi une prof de philo, une intellectuelle ? Par fidélité envers sa mère, enseignante en philosophie. Et aussi : c’est l’amour de la pensée qui sauve le personnage d’Isabelle Huppert. Lui permet de ne pas être abattue. L’intellectualité est associée à la bourgeoisie (cependant, dans les films bourgeois, les grands appartements sont vides de livres) mais le milieu dans lequel a grandi la réalisatrice n’était pas bourgeois. Ses parents, tous deux profs de philo, travaillaient très dur. Ils lui ont transmis des valeurs, des interrogations, même si elle-même possède très peu de livres de philo,

Il est intéressant de faire des films différents des précédents. De ne pas s’enfermer.

            17h. Maya (2018) de Mia Hansen-Løve, tourné avant Bergman island.

            « Décembre 2012, après quatre mois de captivité en Syrie, deux journalistes français sont libérés, dont Gabriel, trentenaire. Quelques semaines plus tard, voulant rompre avec sa vie d’avant, Gabriel décide de partir à Goa. Il s’installe dans la maison de son enfance et fait la connaissance de Maya, une jeune indienne^[5] ».

Le rapport avec la réalisatrice : son grand-père était reporter de guerre, correspondant pour Paris Match. Désir aussi de faire un film sur quelqu’un qui doute de son métier.

Le thème : la vocation.

Film ouvertement romanesque. Après L’Avenir…

(Vu déjà deux fois → pas allés à sa projection ce matin, d’autant plus que nous nous sommes couchés à 2 heures du mat’, les séances à la belle étoile ça ne commence jamais à l’heure indiquée mais quand la nuit veut bien tomber, et en plus il y avait le concert qui s’est fait attendre) 

… Mia Hansen-Løve est en quête de renaissance. Elle veut explorer un autre territoire, échapper au monde qu’elle connaît. Maya incarne l’inconnu, une forme d’interdit, un amour impossible. Le film = le portrait d’un homme qui regarde cette jeune fille. Qui cherche à retrouver son corps, à se réincarner. Qui part en Inde pour se reconstruire et retrouver son passé mais ça rate : sa maison brûle (incendiée par les promoteurs qui veulent récupérer son terrain ?) et le courant ne passe pas avec sa mère. Sauvé par Maya : on peut chercher une chose et en trouver une autre.

Pourquoi l’Inde ? Pour s’en rapprocher, aller au-delà des apparences. La réalisatrice a choisi de tourner dans les rues sans les vider de leur population, sans mettre des figurants à la peau plus claire comme c’est l’usage dans les films indiens. De même la jeune fille qui incarne Maya ne correspond pas aux critères bollywoodiens : elle est mince et s’habille à l’occidentale, ce que Mia Hansen-Løve a choisi de conserver.

Séquence tournée à Hampi qui, pour la réalisatrice, est un lieu de calme, de paix, de plénitude.

            21h 30. Projection en avant-première du dernier film en date de Mia Hansen-Løve, Un beau matin…

            (« Sandra, jeune mère qui élève seule sa fille, rend souvent visite à son père malade, Georg. Alors qu’elle s’engage avec sa famille dans un parcours du combattant pour le faire soigner, Sandra fait la rencontre de Clément, un ami perdu de vue depuis longtemps^[6]… »

            Le film s’inspire des rapports de Mia Hansen-Løve avec son père Ole -auteur des notes sur l’évolution de sa maladie censées être écrites par Pascal Greggory- atteint du syndrome de Benson.

Lien entre Tout est pardonné et Un beau matin, le second ayant fait ressortir des émotions ressenties au cours du premier.

Un joli moment : la fille de Sandra -elle est veuve- vient réveiller sa mère qui lui dit, Je ne suis pas seule. Alors, la tête de Melvil Poupaud -ni lui ni Léa Seydoux ne sont au mieux de leur forme d’acteur, je trouve- émerge des draps comme un diable jaillit de sa boîte. La gamine rit. C’est gagné)

… pour clôturer la 63è édition des Ciné-Rencontres :

            La sueur en mille gouttes d’eau

Me dégouline dans le dos

C’est la faute à la canicule, canicule, canicule, canicule

Hou canicule canicule

            Mettons ce soir dans l’réservoir

            De l’essence et poussons

            A fond la climatisation

Rentrons à Montargis.

Ça ne changera pas d’ici

I f’ra trente-huit degrés aussi

Y’aura toujours la canicule, canicule, canicule, canicule

Hou canicule canicule.

L’année prochain’ nous reviendrons

Car aller ailleurs à quoi bon

Ce s’ra encor’ la canicule, canicule, canicule, canicule

Hou partout  la canicule.

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^[1] Brochure des Ciné-Rencontres.
^[2] Brochure des Ciné-Rencontres.
^[3] https://vodkaster.telerama.fr/films/un-amour-de-jeunesse/674091
^[4] Brochure des Ciné-Rencontres
^[6] https://filmsdulosange.com/film/un-beau-matin/

Samedi 16 juillet

21h30. Cinéma sous les étoiles dans le parc de la mairie.

Le court métrage Toutes les deux de Clara Lemaire Anspach…

(Une fille et sa mère atteinte d’un cancer en phase terminale, qui pourraient être Clara et sa propre mère morte de cette maladie, partent vers le sud pour un dernier voyage ensemble)

…..Pendant la projection passe une étoile filante.

Dimanche 17 juillet

            17 h. Unrueh (Cyril Schäublin, 2022, Suisse), premier des huit films (des premières, secondes ou troisièmes réalisations, toutes européennes) en compétition pour le prix Sólveig Anspach (souvent venue à Prades), attribué par le public et doté de 3000 euros.

Au bout d’une vingtaine de minutes, je glisse à l’oreille de JC, C’est chiant (trois spectateurs quittent la salle) : 

Images statiques dans lesquelles les personnages prennent des poses rappelant les tableaux du 19è siècle (couleurs idem) où l’action se situe. 

Mis à part un traveling latéral gauche qui part d’une montre accrochée à une branche pour s’arrêter juste avant (ça, c’est futé) de montrer les amoureux qui se sont avoué leur flamme, longs plans fixes où parfois deux personnages dialoguent dans le lointain avant que ça ne défile juste devant la caméra.

Nombreux inserts sur des mécanismes de montres (nous sommes dans une ville horlogère où de nombreux ouvriers s’engagent dans le mouvement anarchiste).

C’est joué par, me semble-t-il, des amateurs (en tout cas, ça parle plat).

Cependant (quand un film ne me plaît pas au départ, je reste quand même jusqu’au bout, les choses peuvent s’améliorer et c’est le cas ici) :

La ville est réglée sur quatre horaires (ceux de la municipalité, de l’usine, de la gare et du télégraphe) qui diffèrent de quelques minutes, ça ne simplifie pas l’existence mais c’est drôle.

Le patron de l’usine n’a rien contre la presse anarchiste (au contraire, sa lecture instructive lui donne des tuyaux pour gagner encore plus de sous).

Le parler plat finit par être (volontairement) comique, surtout quand c’est celui des gendarmes, qui souhaitent une bonne journée aux contrevenants après les avoir verbalisés. 

A son amoureux potentiel (et géomètre) qui lui demande en quoi consiste son travail, une ouvrière répond en le détaillant par le menu pendant plus d’une minute et en énumérant moult termes spécialisés et inconnus du profane, après quoi elle lui demande s’il a compris et il répond, Oui, je pense. 

Ça doit être ça l’humour suisse.

De 1 à 5, j’attribue au film la note 2 (passable) qui ne correspond pas vraiment à mon ressenti après coup. J’aurais pu mettre 3 mais il faut rendre son papier à chaud dès la sortie et on n’a pas le temps de la réflexion.

Lundi 18 juillet

11h. A l’occasion du 70è anniversaire de la revue Positif, débat avec Yann Tobin… (Pseudonyme de N.T. Binh  sous lequel  il a envoyé  son premier article à la revue afin 

de ne pas se ridiculiser si ce dernier n’était pas retenu, ce qui ne fut pas le cas)

… membre du comité de rédaction, qui nous apprend que :

            Les critiques qui écrivent pour la revue ne sont pas rémunérés. C’est stimulant car ils restent des amateurs (= des amoureux du cinéma). Aucune contrainte. Les seuls salariés sont le secrétaire de rédaction et deux coordinateurs.

            Toutes générations confondues, les jeunes ont toujours côtoyé les anciens (à la différence de ce qui se passe aux Cahiers du Cinéma). Quand certains cessent d’écrire parce qu’ils n’ont plus envie, il en vient d’autres.

            Les textes sont expédiés par la poste. Le premier ne sera peut-être pas publié (arrive trop tard, n’est plus d’actualité) mais s’il est bon on en demande un autre à l’auteur. Ce fut le cas d’Emmanuel Carrère (son prof de latin écrivait pour la revue) : il envoya un texte sur Hitchcock qui fut refusé mais on lui demanda d’en rédiger un autre sur les batailles au cinéma et celui-ci fut publié.

            Pas de rédacteur en chef à Positif mais un comité de rédaction dont les membres se réunissent dans les bureaux (au début : au domicile des uns et des autres) de la revue chaque dimanche à 17 heures. 

Si le comité est parisien (il faut assister aux réunions au moins deux fois par mois), Positif compte aussi des collaborateurs (qui envoient un texte de temps en temps) et des correspondants à l’étranger. 

            La revue a changé d’éditeur plusieurs fois. Parce que le titre Positif lui appartenait, l’un d’eux a voulu virer les rédacteurs → rachat par le comité afin de garder son indépendance. A présent le titre lui appartient et depuis 12 ans un contrat le lie à l’Institut Lumière et aux éditions Acte Sud. La revue tire à 10 000 exemplaires. C’est peu mais elle est lue par les professionnels de la profession. Le compte-rendu de juillet/août sur le festival de Cannes est très consulté par les distributeurs et les exploitants.

            Positif a des liens avec les cinéastes mais, afin de garder son indépendance, ne donne pas dans l’amitié. Yann Tobin cite l’exemple de Wim Wenders avec qui la revue a une relation très forte jusqu’au jour où un de ses films déçoit → annulation de la mise en couverture et du rendez-vous pris avec le réalisateur, qui n’a jamais pardonné ce revers. Quand des rédacteurs de Positif se retrouvent en face de lui lors d’un dîner, il les ignore. Puis il fait un film qui plaît à la revue → bonne critique → respect de Wim Wenders.

            La critique : un genre littéraire mineur. Une critique écrite par Flaubert sera toujours moins importante que Madame Bovary.

            Yann Tobin : j’aime quand il remarque que Michel Ciment peut être « distant »

14h. Jacky Caillou (Lucas Delangle, 2022, France). Dans les Alpes, une histoire de louve-garou chez les magnétiseurs-guérisseurs. 

Incapable de donner au film la note minimale de 1 (= « ne se prononce pas », façon polie de dire que le film est nul), je ne peux lui attribuer qu’un 2, mais comme ça correspond  à celle donnée à Unrueh qui lui est, selon moi, supérieur, je ne suis pas satisfaite.

17h. Golda Maria (2020) du producteur… 

(Il a, entre autres, produit les films de Sólveig Anspach -la cinéaste la plus libre qui soit- et insiste bien, Je ne suis pas réalisateur) 

… Patrick Sobelman et son fils Hugo. 

Après avoir produit pour Arte des films sur les déportés, il se dit qu’il en a oublié une : sa grand-mère. En 1994 c’est le bon moment, pour lui et pour elle : elle a envie de parler, ce qu’elle n’avait jamais fait en famille. Il la filme sur des cassettes VHS.

En 2018 sa femme, également productrice (elle a produit Lune de miel d’Elise Otzenberger), lui dit qu’il a fait le travail à moitié → l’idée du film qu’une  amie productrice l’invite à montrer, Vous ne pouvez pas garder ça pour vous.

« Face à la caméra, ses [ceux de sa grand-mère Golda Maria Tondovska] souvenirs reviennent, de son enfance en Pologne à sa vie de femme en France, nous livrant le témoignage vivant d’une femme juive née en 1910, sa traversée du siècle et de ses horreurs^[1] ».

Question : pourquoi attend-elle quinze mois pour accepter d’aller en Suisse…

(Sa réponse -elle veut être en France pour y vivre la victoire- ne satisfait ni son petit-fils -qu’est-ce que ça cache ?- ni moi)

… quand son mari, qui y est avec leur fille Simone (future mère de Patrick Sobelman), lui envoie tous les jours un passeur ? Elle est arrêtée lors de sa tentative, en compagnie de son fils Robert, trois ans, et de sa belle-mère qui seront tous les deux gazés…

(A un Allemand qui lui demande pourquoi elle n’a pas demandé réparation pour la perte de son fils, elle répond, Comment peut-on mesurer la valeur d’un enfant ? Ce qui nous ramène à L’Enfant des frères Dardenne, vendu par son père pour 5000 euros)

… dès leur arrivée à Auschwitz-Birkenau. 

(La colère de Maria est intacte quand elle mentionne le négationniste Faurisson)

En 1948, Golda Maria a un autre fils prénommé Gérard dont l’enfance a dû, dit Patrick Sobelman, être un cauchemar : elle l’appelait toujours Robert. Gérard a été fait pour remplacer Robert.

Simone, qui prétendait ne pas être au courant de ce que sa mère avait vécu, n’a pas voulu voir les rushes. Elle a attendu sa mort (à l’âge de 102 ans, c’était donc en 2022) pour regarder le film et a dit, Je n’ai rien appris que je ne savais déjà (a-t-elle écouté aux portes quand Golda Maria s’enfermait avec son amie de déportation Yvette ? se demande son fils).

Pour terminer sur une note moins tragique Patrick Sobelman dit de sa grand-mère, C’était une coquine. C’est avec elle qu’il a pris sa première cuite, à la sangria, à l’âge de 13 ans.

21 h. Seis dies corrents (Neus Ballús, 2021, Espagne-Catalogne) que je traduirais bien par « Six jours ouvrables » mais dont le titre français, Les Plombiers, est tout aussi pertinent. Film (drôle) sur l’acceptation de l’autre et la nécessité de vivre ensemble malgré ses différences. Ma note : 4 (« très bon »).

Incendies de forêt monstres en Gironde à la Teste-de-Buch depuis près d’une semaine. Pas de victimes humaines, se réjouit-on (et c’est normal) mais quid de la faune et de la flore ?

Mardi 19 juillet

            11h. A cause de Langlois (Mamad Haghighat, 2022, France).

            « Un jeune cinéphile d’Ispahan envoie une lettre » (en persan, qu’il conclut par le mot « merci ») « à Henri Langlois dans laquelle il lui exprime son désir de le rencontrer. Ne recevant pas de réponse, il débarque » (en 1977) « à Paris pour le voir. Trop tard, Langlois vient de décéder. Le jeune homme ira pourtant converser avec lui au cimetière Montparnasse. Dans son voisinage se trouve la tombe du fondateur de la cinémathèque iranienne » Faroukh Gaffari, longuement interviewé) «  lui-même formé par Langlois^[2] ».  

            Si Langlois est mort, Mamad Haghighat (nom qui signifie « vérité ») découvre qu’à la Cinémathèque on peut voir quatre à cinq films par jour. Dès 1979 il y propose un cycle de films iraniens. Il dirige pendant plusieurs années la Filmothèque Quartier latin. Est retraité depuis six ans. Mais il fait toujours des films et écrit des livres.

            17h. Première séance de courts métrages (un prix sera attribué). Se détachent

            Dernière station (Pierre Ferrière, 2021, France). « Un client fait le plein dans une station-service isolée, puis… ». Avec Dominique Pinon et Pascal Légitimus. Note : 5 (excellent).

            Parallèles (Ambroise Carminati, 2021, France). « L’observation parallèle de deux jeunes femmes : une bergère et une custom success manager » (traduction ?) « dans le quotidien de leur journée de travail ». Devinette : laquelle a ma préférence ? Note : 4. Mais je regrette de ne pas lui avoir donné 5.

            21 h. Alcarràs (Nos soleils). Autre devinette : des arbres fruitiers ou des panneaux solaires, qui sera gagnant ?

Premier film catalan (Carla Simón) en 120 ans à recevoir un prix international, à savoir l’Ours d’or au festival de Berlin 2022.

Mercredi 20 juillet

            14h. Godland (Hlynur Pálmason, 2022, Danemark, Islande). 

« À la fin du XIXe siècle, un jeune prêtre danois se rend dans une région reculée de l’Islande pour y construire une église et photographier ses habitants. Mais plus il s’enfonce dans ce paysage impitoyable, plus il s’éloigne de son but, de sa mission et de sa moralité^[3] ».

La première partie (difficile marche à travers une Islande inhospitalière) me fait penser à Jauja, film de Lisandro Alonso (2014) dans lequel Viggo Mortensen sue sang et eau dans le désert argentin (« pays de merde ! ») à la recherche de sa fille enfuie. 

Note 4. Mais j’aurais dû lui donner 5.

            17h. Deuxième séance de courts métrages. J’aime assez

            La Meute (Sept réalisateurs, 2021, France). « Après une journée éprouvante, une jeune femme d’une vingtaine d’années raconte son histoire à un policier dans l’espoir de se faire entendre… ». Film d’animation. A noter : trois films aujourd’hui sur les violences faites aux femmes ou les rapports hommes/femmes.

            Tu vas revenir ? (Léo Grandperret, 2021, France). « Max et Chloé sont timides. Un cours de théâtre pourra-t-il changer la donne ? »

            La Débandade (Fanny Dussart, 2021, France). « Trois hommes, trois générations (70, 50 et 20 ans), un point commun : leur virilité qui déraille… ». Avec Gérard Darmon et Philippe Lellouche.

            Tous notés 4. Mais je parie sur Parallèles.

            Jeudi 21 juillet

            13h 30. Palazzo di Giustizia (Chiara Bellosi, 2020, Italie).

« La limite entre justice et vengeance est parfois perméable. Dans un grand tribunal italien, Viale attend d’être jugé. Son crime ? Avoir poursuivi, puis tué, l’un des deux voleurs qui lui ont soustrait les recettes de sa station service. Le second attend de l’autre côté des barreaux et fait confiance à la rhétorique de son avocat. Dehors, sa compagne attend de savoir, en compagnie de leur fille, s’il sera jugé coupable. Face à elles, la fille de Viale espère que son père sera acquitté pour légitime défense. Toutes ces vies en équilibre instable se croisent dans le tourbillon d’une machine judiciaire où l’attente se cristallise et où le jugement tarde à arriver^[4] ».

Jugement que nous ne connaîtrons pas : le sujet du film est ailleurs, dans « les familles, les enfants, les femmes des accusés et des victimes qui attendent dehors^[5] ».

Note 4.

15h 30. Troisième séance de courts métrages parmi lesquels je détache

Pour un zeste d’amour (Hadrien Kasker et Mathieu Bouckenhove, 2021, France). 

« Pour séduire Alizée qu’il vient de rencontrer, Sébastien se met en tête de cuisiner le plat parfait mais il n’a pas le citron vert censé le rendre aphrodisiaque^[6]… »

            Dernière valse (Jean-Baptiste Delannoy, 2021, France). Quand on perd un être cher, est-ce une offense à sa mémoire de ne pas conserver ses effets personnels ? Est-il choquant de ne pas garder les habitudes qu’on avait avec lui ? Pas très original mais… Avec Rufus. 

            Quant à La Mort de Claudette (Gérard Patoureau, 2021, France), ce documentaire sur une artiste hors norme gagnerait à ne pas raconter son enfance à l’aide de personnages (en pâte à modeler ?) aussi laids, Claudette et ses œuvres ne méritent pas ça.

            17h 30. Wet sand (2022) d’Elene Naveriani que la présentatrice du film nous apprend être queer, de même que son acteur principal qui d’ailleurs n’en est pas un (il est professeur d’université), aucun comédien géorgien n’ayant accepté de jouer un gay …

            (« Après le suicide de son grand-père Eliko, Moe retourne dans un village au bord de la mer Noire pour organiser ses funérailles. En découvrant le secret du défunt, son histoire d’amour secrète pour un autre homme, Amnon, la jeune femme va mettre en lumière le sectarisme enraciné de la communauté^[7] ») 

… la Géorgie est un des pays les plus homophobes d’Europe.

Note : 4.

Vendredi 22 juillet

            14h. Le Cœur noir des forêts (Serge Mirzabekiantz, 2021, Belgique). 

Des deux films belges proposés par Louis Héliot pour le prix Sólveig Anspach, les responsables des Ciné-Rencontres ont sélectionné celui-ci. Je ne sais à quoi ressemble l’autre, mais Le Cœur noir des forêts…

(« Nikolaï, 16 ans, vit en foyer d’accueil. Solitaire et hanté par les origines de son abandon, il rêve de fonder une famille. Il convainc Camille, 15 ans, de partir vivre avec lui dans la forêt^[8] » et d’avoir un enfant ensemble. Film réaliste qui flirte curieusement avec le fantastique avec ces vues -toujours accompagnées d’un grondement, menace invisible- de forêt artificiellement assombrie dans laquelle Camille finit par se perdre comme une sœur du Petit Poucet qui aurait perdu ses frangins)

… ne trouve pas le chemin de mon intérêt (pourquoi bon sang ce désir d’enfant ?) ni celui de JC qui, en pleine projection (il a piqué un somme, se réveille brusquement, se croit dans son lit devant la télévision), se tourne vers moi et me demande tout haut, Tu regardes ça ? 

Le réalisateur (né en 1975) est aussi pharmacien à Bruxelles. Qu’il le reste.

Note : 1.

21h 15 (en théorie). Soirée plein air dans le parc de la mairie. Certains l’aiment chaud…

(Mais d’où sortent ces sous-titres tout droit sortis d’une traduction de Google où les expressions traduites littéralement -j’essaie d’en retenir mais elles sont si nombreuses que ça m’embrouille- sont du pur charabia ?)

… de Billy Wilder est précédé d’un petit concert (standards des années 1930 à 1950) censé être exécuté… 

(Exécuté, mot approprié : on ne demande pas à la violoniste d’être Stéphane Grappelli ni à la saxophoniste de jouer comme John Coltrane, mais il y a des limites et les couacs dans Petite fleur sont presque des caricatures)

… par des profs du Conservatoire. Cependant, dit le directeur, ce sont les vacances et la plupart sont partis en concert. Alors, qui joue ?

Samedi 23 juillet

            14h. La Dernière nuit de Lise Broholm (Tea Lindeburg, 2021, Danemark).

            « Campagne danoise, fin du XIXe siècle. Lise, aînée d’une famille luthérienne, rêve d’émancipation. Mais lorsque sa mère est sur le point d’accoucher, la jeune fille voit sa vie basculer en une nuit^[9]… ».

            Encore une histoire d’accouchement. Et de foi. Lise demande à Dieu de sauver sa mère contre le renoncement à ses études et à son amoureux. Il laisse la mère mourir mais la fille doit quand même renoncer à tout. Ou bien Dieu est injuste ou bien il n’existe pas, rayer la mention inutile.

Et puis les cris, le jeu outrancier (ah ! le naturel des enfants chez Mia Hansen-Løve !), la lenteur, le flirt (encore) avec le fantastique (le nuage rouge sang au fond du champ de blé) dans une situation traitée avec le plus grand réalisme. L’ennui. C’en est trop.

Note : 1

            21h15. Remise des prix…

            (Coup de cœur du jury jeune : Wet sand -bravo-

            Prix du court métrage : La Débandade -très bien-

            Prix Sólveig Anspach : Wet sand -c’est mérité-)

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^[1] Brochure des Ciné-Rencontres.
^[2] Brochure des Ciné-Rencontres.
^[3] https://www.senscritique.com/film/godland/47402147
^[4] https://festival-villerupt.com/title-item/palazzo-di-giustizia/
^[6] Brochure des Ciné-Rencontres.
^[7] https://www.rts.ch/info/culture/cinema/12983480-avec-wet-sand-elene-naveriani-brise-les-tabous-de-la-
^[8] https://www.senscritique.com/film/Le_Coeur_noir_des_forets/45594381
^[9] https://www.ufo-distribution.com/movie/ladernierenuitdelisebroholm/

Vendredi 15 juillet 2022

           Hommage est rendu, pour leur fidélité, aux Cramés de la bobine par le président (?) des Ciné-Rencontres en cette soirée d’ouverture, en présence de Jean-Pierre Dardenne (né en 1951) dont L’Enfant (2005, réalisé avec son frère Luc, de trois ans son cadet) est projeté ce soir.

            L’idée du film est venue aux frères pendant le tournage de Le Fils : une jeune femme venait souvent sur les lieux, poussant un landau qu’elle maniait avec une telle violence qu’ils ont pensé qu’il était vide. Comme elle était toujours seule, ils ont imaginé qu’elle cherchait le père de l’enfant → c’est quoi devenir père ?

L’Enfant : avec Olivier Gourmet et Jérémie Renier, qu’on retrouve régulièrement… (Vous faites souvent appel aux mêmes comédiens,  jamais aux comédiennes, leur a fait

 remarquer Emilie Dequenne. Ils n’ont pu qu’en convenir) 

            … dans les films des frères.

            Après des démêlés avec le gouvernement français en 1968, Armand Gatti enseigne à  Bruxelles. Jean-Pierre étudie avec lui l’art dramatique (Luc : philosophie et sociologie). Gatti demande aux Dardenne de réaliser des documentaires sur les résistants de la Seconde guerre mondiale et sur les ouvriers. Suivent deux longs métrages de fiction jamais sortis en France…

            (Falsch, avec Bruno Crémer en 1987 et Je pense à vous avec Robin Renucci et Fabienne Babe en 1992)

… = des échecs retentissants… 

(Ne maitrisent pas les techniciens, en particulier sur le second film où le chef opérateur n’en fait qu’à sa tête, disant qu’il s’y connaît mieux qu’eux. Les frères : syndrome de l’autodidacte) 

… → ils fondent leur propre maison de production → leur troisième long, La Promesse (1996), est fait contre le précédent. C’est le premier dont ils ont la maîtrise…

(Belle séquence, que j’avais oubliée, de poursuite entre un scooter et une voiture : ne me souvenais que de la vente de l’enfant -et de sa récupération-) 

… et le film fondateur de leur cinéma.

Samedi 16 juillet

            Débat avec Jean-Pierre Dardenne après la projection de La Promesse. 

            A l’époque, les immigrés qui arrivent en Belgique bénéficient d’une assistance publique s’ils ont une adresse où habiter → des gens comme Roger les attendent à la gare pour leur louer un logement contre du travail au noir. Le bas de Seraing (banlieue de Liège d’où les Dardenne sont originaires) devient un ghetto pour immigrés (ayant vu les frères faire des repérages pour un autre film, un homme leur propose des logements).

            Olivier Gourmet. Immense acteur de théâtre. Il joue dans quatre pièces par an mais les Dardenne ne l’ont jamais vu. Ils le rencontrent dans un jury qui se réunit tous les trois mois. Alors qu’ils le filment, Luc remarque, Tu n’as pas les yeux bien ajustés. Olivier n’en convient pas, mais pour les frères, c’est formidable. Ce qui leur plaît en lui : il n’a pas l’air d’un acteur (= mon propre ressenti). Sans lunettes, il est perdu et c’est bien, parce que cet accessoire est très important dans le film. Les lunettes choisies sont celles payées par la Sécu. Elles sont moches.

            Jérémie Rénier. Trouvé par casting.

            Avant le tournage, Olivier et Jérémie passent du temps ensemble tout seuls. Les frères leur demandent de s’entraîner à changer de place en voiture pour se passer le volant : afin de ne pas perdre de temps au tournage, il faut qu’ils le fassent naturellement sans effort. 

            Répétition des scènes de bagarre pour les chorégraphier.

            Tout le monde doit être dans la même optique → les frères prennent le moins de collaborateurs possible entre eux et les comédiens.

            Jérémie Renier/Igor n’est pas conscient de ce qu’il fait. Ce sont les gestes qui l’amènent à changer.

            Tournage chronologique. Ça coûte un peu plus cher mais quand on revient sur les lieux on bénéficie du chemin fait entre temps et on peut améliorer au besoin ce qu’on a déjà tourné.

            Plans séquences et ellipses où la musique n’a pas sa place : les Dardenne travaillent à partir de leurs manques. Leur musique: le vent, le silence. « Mais on épargne du pognon, ça coûte cher un musicien ».

            La Promesse : présenté à Cannes à la Quinzaine des réalisateurs. Un seul journaliste dans la salle : un film avec Lolo Ferrari est programmé à la même heure et tous les autres ont choisi… 

(Et ça me rappelle qu’en 1985 Lucile et moi avions boudé Emir Kusturica -qui c’est celui-là ?- et son Papa est en voyage d’affaires, qui devait remporter la Palme d’or, pour L’Hôtel du libre échange de Marc Allégret, je n’en suis pas encre remise) 

… de voir les seins de Lolo. Le lendemain, le film fait la une de Libération et les journalistes marris recopient l’article, à grands renforts de « sic ».

  

Pour leur film suivant, les Dardenne suivent un personnage féminin qui se bat pour trouver sa place dans la société.

Sur 1000 postulantes (seul critère inscrit dans le scénario, l’âge : 16-17 ans) les Dardenne en retiennent deux et choisissent finalement Emilie Dequenne, plus terrienne. 

Scène dans laquelle Rosetta doit s’accrocher à un sac de farine. Répétition avec une chaise tenue par Luc : Emilie s’y agrippe avec rage. Idem avec la paire de bottes que Rosetta porte dans le film : Emilie, qui suit des cours d’art dramatique et est plutôt sophistiquée, les enfile tout naturellement.

Le but des Dardenne : sans que ce soit cérébral, faire perdre à quelqu’un qui n’a jamais joué la personne qu’il ou elle est dans la vie. Pour les pros, leur faire oublier leur technique, leurs tics.

Rosetta : un film de guerre. La caméra la suit, toujours derrière. Rosetta est amoureuse du travail comme Emma Bovary l’est de l’amour. Son obsession : trouver un boulot. Pour elle, la solidarité n’existe pas. Les autres sont des ennemis. C’est chacun pour soi. Libéralisme. Jusqu’au moment où elle est bouleversée par Fabrizio Rongione.

Film mal reçu en Belgique. Perçu comme une insulte à la Wallonie mais à la suite un plan est mis en place en faveur des jeunes.

Le Fils. La caméra est sur la nuque d’Olivier Gourmet → ça lui donne une grande fragilité…

(Et je pense à ce tableau de Bonnard, L’Enfant au pâté de sable -musée d’Orsay-, qui représente un petit garçon accroupi dans le sable, absorbé par son occupation il tourne le dos au spectateur, tendre nuque offerte entre sa blouse à carreaux et son béret noir, et je suis toujours épouvantée à l’idée qu’une grosse main la saisisse et la brise)

… → on a envie de voir son visage, ce qu’il pense, va-t-il se venger de celui qui a tué son fils → énorme tension.

Olivier avait interdit au jeune jouant l’assassin de l’approcher hors tournage à moins de trois mètres. C’était un jeu, dit Jean-Pierre Dardenne, ce que confirme l’acteur dans le documentaire de Luc Jabon et Alain Marcoen, L’âge de raison, le cinéma des frères Dardenne (2014, Belgique) que nous verrons mercredi matin. Un jeu sans doute. Ou présenté comme tel ? 

En Belgique existe le Tax shelter…

 (« Produit financier, mis en place en 2004 par le Gouvernement fédéral, destiné à encourager les entreprises à investir dans la production audiovisuelle en Belgique, moyennant un avantage fiscal intéressant[1] ». Un crédit d’impôt en quelque sorte) 

… qui permet à la société de production des Dardenne, Les Films du Fleuve, de produire des films de Cristian Mungiu ou de Ken Loach.

Le Gamin au vélo. Lors d’un déjeuner avec les frères et le gamin, Cécile de France, qui vient de tourner avec Clint Eastwood, explique que ce dernier ne fait qu’une seule prise (les Dardenne en font beaucoup : au bout de nombreuses prises, le travail disparaît). Aussi, quand à la fin d’une journée de tournage les frères ne sont pas contents du travail acompli, le gamin croit que c’est de sa faute quand ce sont les réalisateurs qui n’ont pas su placer leur caméra. Alors, pour lui faire plaisir, ils lui feront tourner une scène difficile en une seule prise, « à la Clint Eastwood ».

Le Silence de Lorna. Film -que nous (re)voyons à 14h- sur la mafia albanaise qui sévi(ssai)t à Seraing. Les Dardenne demandent à Jérémie Rénier une prouesse physique en lui faisant perdre 15 kilos (sous contrôle médical) pour son rôle de camé. 

Le film contient la plus belle ellipse…

(Qui ne peut être que celle-ci : Jérémie Rénier/Claudy a repris du poil de la bête, il part à vélo en se donnant un but. Au plan suivant, Lorna trie ses vêtements : il est mort)

…du cinéma des frères, dit Louis Héliot, responsable cinéma au Centre Wallonie-Bruxelles/Paris.

Dimanche 17 juillet

            Nous voilà dans un’ bell’ panade

Le soleil cogn’ comme un malade

Il doit bien fair’ trent’ six degrés, six degrés, six degrés, six degrés

Et ça doit encor’ monter.

Il fait un temps abominable

            Ah quelle chaleur c’est intenable 

Heureusement que le ciné, le ciné, le ciné, le ciné

L’ciné est climatisé.

Mais aujourd’hui, en l’absence de Jean-Pierre Dardenne… 

(Déjà reparti, un petit tour et puis s’en va -nous sommes déçus- et ceux qui comme nous ont choisi de ne pas revoir hier Le Gamin au vélo n’ont pas bénéficié de ses dernières confidences) 

… et ayant vu relativement récemment les films programmés en début de journée…

(Deux jours une nuit et La Fille inconnue. Quant à Rosetta, projeté à 21 heures, je ne prendrai pas le risque de vomir en pleine séance -caméra tourbillonnante- comme ce fut le cas en 1999, c’est encore ancré dans ma chair. 

N’irons pas non plus demain -re-voir Le Jeune Ahmed, vu en 2019 aux Cramés, son souvenir : encore vif. Ni Le Fils-pas vomi en 2002 mais atteinte tout du long de nausées, et la magnétique présence d’Olivier Gourmet ne me fera pas revenir aujourd’hui sur ma décision, je ne suis pas maso-)

… nous restons tranquillement chez nous, tous volets fermés, dans la brise du ventilateur.

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Chers amis cramés de la Bobine,

Sur le site de la Cinémathèque, un réjouissant court métrage de Jean-Claude Carrière qui me conforte (je ne serais donc pas la seule dans ce cas, d’autres, et des meilleurs, ressentiraient la même chose ?) dans mon impression que les objets ont une vie propre qu’ils s’emploient (et c’est même là le but de leur existence) à perturber la nôtre.

Dominique

LA CINÉMATHÈQUE CHEZ VOUS 13 > 20 AVRIL Toute l’équipe de la Cinémathèque a hâte de vous retrouver dans ses espaces d’exposition/musée, ses salles de cinéma et de vous voir flâner dans le jardin de Bercy à l’heure des beaux jours. Pour tenir le coup, encore un peu, la plateforme HENRI s’est dotée de films exceptionnels à l’occasion de son premier anniversaire. Et oui, déjà ! Profitez également de nos nouvelles recommandations cinéma de la semaine, à travers une affiche de nos collections et les souvenirs de voyage d’une célèbre scripte. « Le rêve est la vraie victoire sur le temps. »Jean-Claude Carrière Et surtout, prenez soin de vous.          UN FILM EN VOD LA PINCE À ONGLES DE JEAN-CLAUDE CARRIÈRE Cette unique incursion de Jean-Claude Carrière dans la réalisation a la grâce poétique d’un rébus et pose de manière inédite une question : et si les objets avaient une vie qui leur est propre ?

Lundi 6 juillet 2020

            « Une rétrospective Jean-Claude Brisseau devait avoir lieu en janvier à la Cinémathèque : elle est annulée. Je me réjouissais d’avoir peut-être (tout étant fonction non seulement des jours proposés mais aussi des horaires des films et de ceux des trains), la possibilité de voir celles de ses œuvres que, par négligence (Un Jeu brutal) ou pure connerie (L’Ange noir, parce qu’y joue Sylvie Vartan…),  j’ai manquées. Pas de bol, les dirigeants de la Cinémathèque ont cédé, les cinéphiles sont sanctionnés », écrivais-je le 19 novembre 2017.

            16h 30 : dans le cadre d’un mini festival Michel Piccoli à L’Ecoles Cinéma Club ex Ecoles 21 ex Desperado ex autre chose encore, je vois L’Ange noir.  

            Où Brisseau filme le chignon de Sylvie Vartan comme Hitchcock celui de Kim Novak dans Sueurs froides, cette femme-là n’est pas celle qu’elle prétend être, le spectateur le sait depuis le début puisqu’il l’a vue assassiner froidement un homme (se faire ensuite brutaliser par sa servante/amie/complice pour faire croire à un viol), elle lui tire dans le dos, il est à plusieurs mètres de la chambre et tout habillé par-dessus le marché, comment la police peut-elle croire à cette mise en scène ? 

C’est égal après tout, l’important n’est pas là mais dans le passé de cette femme sur lequel enquête Tchéky Karyo, avocat de la défense, suivant un intrigant jeu de piste.

Dépravation. Rivalité mère-fille. Jalousie. Exploration du désir féminin, corps nus de femmes qui se caressent. Dénonciation de l’hypocrisie. 

            Auparavant :

            6h 20 : je prends le train en oubliant de composter mon billet acheté samedi. Ne m’en rends compte (gare bouleversée dans son arrangement, Relais H fermé, je suis déboussolée) qu’en entendant l’habituelle annonce du chef de bord « les voyageurs n’ayant pas acheté ou composté leur billet… ». Ne ferme pas l’œil avant de le voir se pointer, lève le doigt comme une élève, J’ai oublié… Au dos du billet il écrit BHC AVISE le 6/07/20 5900, appose un petit coup de tampon…

(D’un autre côté, mon billet AR ayant été réglé au tarif correspondant à la période dite blanche qui prend fin le matin à 8h et recommence à 17h, je ne peux le réutiliser dans la journée, ce billet « aller ». Alors, qu’il soit composté ou pas…)

… et c’est bon. Une place sur deux reste libre même après Nemours bien que ce train des travailleurs soit habituellement bondé (vacances ? télétravail ?).

            8h 30 : j’arrive aux Halles où il n’y a plus moyen de s’asseoir. Tous les bancs sont condamnés ou même, dans la cour, carrément retirés. Je pose ma thermos et son gobelet par terre et m’accroupis pour boire mon thé et grignoter mes petits gâteaux (après ça, il s’agit de se relever). 

            9h : supputant qu’il me faudra ressortir de L’UGC Ciné Cité après chaque séance afin de ne pas croiser les spectateurs entrants, j’achète d’un coup mes billets pour les trois films que je veux y voir afin de ne pas perdre de temps en refaisant chaque fois la queue au guichet. Mais aux interséances personne ne vient guider les sortants vers l’extérieur, je peux aller aux toilettes comme bon me chante puis, les sièges du hall étant utilisables, m’asseoir pour attendre la séance suivante, manger un bout de sandwich et griffonner des notes sur les films que je viens de voir…

(Rassemblés, avec sept autres, sous le titre Forbidden Hollywood, l’ère pré-code, code Hays évidemment, qui fut appliqué en 1934)

… à savoir : 

            Ames libres, A Free soul…

            (Curieux comme une seule âme -Norma Shearer- se dédouble -Norma et, je présume,  Lionel Barrymore- chez nous. « Une âme libre », ça sonnait bien pourtant, non ?)

            … 1931…

(Je suis tellement perturbée par les évènements et changements de la matinée que j’en oublie d’être émue quand la salle plonge dans le noir et qu’apparait sur l’écran le lion de la MGM, c’est navrant)

… de Clarence Brown. Où Norma, fille de Lionel …

(La présentation des personnages est ambigüe : depuis la salle de bain, Norma demande à Lionel de lui passer ses sous-vêtements, on croit à deux amants)

… un grand avocat, tombe raide dingue amoureuse d’un séduisant tenancier de tripot clandestin -Clark Gable- accusé de meurtre et dont son père vient de prouver l’innocence. Lionel ne voit rien à redire à ce que Norma fréquente Clark jusqu’à ce que ce dernier lui fasse part de son désir de l’épouser. Là, il n’est pas d’accord et il se fâche tout rouge. Or, il est alcoolique. Alors, Norma lui propose un marché : je renonce à Clark si tu cesses de boire. Après trois mois de vadrouille en montagne et de couchage à la belle étoile, Norma croit Lionel guéri mais dès leur retour à la civilisation…

(Une gare. Norma est partie en avant. Elle se retourne, voit Lionel de l’autre côté des voies, un train passe, il est passé, Lionel n’est plus là) 

… il disparaît. En conséquence, Norma se sent déchargée de sa promesse et retourne chez Clark qui n’a pas digéré du tout du tout d’être largué et révèle sa véritable nature en la brutalisant et en arrangeant leur mariage pour le lendemain. Sur quoi arrive Leslie Howard à qui Norma s’était fiancée. Clark lui répond que rien à faire, il veut Norma et il l’aura et de toute façon elle n’est plus épousable vu que…

(Pas sûre que ce soit la vraie formule -trop stupéfaite pour la retenir, n’en croyais pas mes oreilles- mais celle qui me vient est équivalente dans l’élégance) 

… « elle a perdu son bonbon ». Le lendemain, Leslie tue Clark en prétextant une dette de jeu devant la police. Comment sauver sa tête ? Seul Lionel le peut. Alors Norma fait tous les bars et lieux où il pourrait se trouver et le retrouve in extremis dans un dortoir miteux.  Le procès de Leslie a commencé quand il fait son entrée au tribunal (il est malade, il tient à peine debout, il puise dans ses dernières forces), cite sa fille comme témoin… 

(Elle confesse ses relations avec Clark et la raison pour laquelle Leslie lui a tiré dessus, malgré les signes de refus que lui adresse ce dernier, c’est un gentleman) 

… et bat sa coulpe…

(L’a-t-il mise en garde contre Clark ? Non, il a laissé faire. Où était-il quand le drame est arrivé ? En train de boire)

… façon Raimu dans Les Inconnus dans la maison onze ans plus tard. Sa plaidoirie une fois terminée, il s’écroule et il meurt mais Leslie est sauvé.

Female…

(Ce titre me gêne, mais d’après mon dictionnaire classique anglais-français français-anglais publié en 1950 par la Librairie Hachette, il signifie aussi « (pers) femme f., jeune fille f. »)

… 1933, de Michael Curtiz. 

La « female » en question, incarnée par une actrice, Ruth Chatterton, que je ne connais

pas, dirige une entreprise de construction automobile. Autoritaire, pète-sec au boulot, elle se transforme en un être avenant et aguichant quand elle invite chaque soir chez elle un homme,  choisi parmi ses employés (il faut la voir faire son marché !), pour le consommer vite fait bien fait. Comme le lendemain elle redevient glaciale, les pauvres n’y pigent que couic. 

            Un homme, qu’elle drague incognito dans une fête foraine afin de savoir si elle peut être courtisée par un inconnu, lui fera effectuer un spectaculaire virage à 180° : elle le retrouve le lendemain à l’usine, c’est l’ingénieur qu’elle vient de débaucher chez un concurrent. Pas lèche-botte pour un sou, ce macho puissance dix (son credo : la raison d’être d’une femme est de se marier et d’élever des enfants !) fait de la résistance, finissant par plaquer son nouveau job pour repartir au volant de son automobile. Ce que voyant, elle monte dans la sienne et lui court après. Dernier plan du film : elle lui abandonne la direction de l’usine et conclut par cette phrase d’anthologie, Je veux neuf enfants ! 

Eh ben ! 

L’Ange blanc (Night nurse), 1931, de William A. Wellman.

L’ange blanc en question, c’est Barbara Stanwyck…

(Elle a 24 ans, en paraît 16 ou 17, et si je ne savais pas que c’est elle, pas sûr que je la reconnaitrais)

… une infirmière qui fait ses classes dans un hôpital…

(Une nuit elle y soigne, sans le dénoncer à la police, un bootlegger blessé qui,  n’étant pas un ingrat, lui prouvera bientôt sa reconnaissance) 

… et, une fois son diplôme obtenu…

(Les nouvelles promues récitent d’une même voix des phrases de Florence Nightingale, qui doivent être aux infirmiers ce qu’est aux médecins le serment d’Hippocrate)

… est engagée dans une famille pour s’occuper de deux petites filles dont elle découvre bien vite la santé déplorable et la cause de cet affligeant état, qui n’est autre que Clark Gable (encore lui !), chauffeur (dans son uniforme et ses bottes noires, il ressemble à un SS) qui manigance, avec l’aide d’un médecin ripou, pour se débarrasser des fillettes en les affamant (une troisième sœur est déjà décédée) parce qu’elles ont hérité de leur père une fortune sur laquelle il compte mettre la main en épousant leur mère réduite à l’état de loque alcoolique.

Tout est bien qui finit bien (si on peut considérer les choses sous cet angle) : le bootlegger s’arrange pour que des gangsters de sa connaissance s’occupent de Clark, c’est de l’assassinat mais plus efficace que la police où veut aller Barbara qu’il emmène (ne serait-il pas un peu amoureux ?), souriante et ravie (inclinaison partagée et acceptation du crime ?), dans sa voiture.

Et le film se termine là où il avait commencé, par les mêmes plans d’ambulance roulant dans les rues à toute berzingue vers les urgences, et d’un corps qu’on en descend, tout s’explique.

(Après L’Ange blanc, L’Ange noir, rien de prémédité, c’est le hasard, c’est rigolo) 

            18h 25 : je prends le métro…

(Ne sachant si une attestation dérogatoire est toujours obligatoire pour y voyager aux heures de pointe, je m’en suis imprimé une, cochant la case « déplacements pour motif familial impérieux, pour l’assistance des personnes vulnérables, pour le répit et l’accompagnement des personnes handicapées et pour la garde d’enfants »)

… à Maubert-Mutualité pour Odéon (peu de gens dans la rame, je m’assieds), d’Odéon je vais à Châtelet (un peu plus de monde mais je trouve encore un siège) et de là à Bercy par la ligne 14 où ce n’est pas non plus la foule des grands jours : pas de place assise mais, appuyant mon dos contre le dossier d’un strapontin relevé, je n’ai pas plus que précédemment besoin de poser la main sur quoi que ce soit pour garder l’équilibre, c’est parfait.

            18h 48 : je pénètre dans la gare de Bercy.

            19h 02 : le train démarre. À l’heure.

Josette de Christian Jaque

Nous voici de nouveau devant un écran pour voir, dans le cadre d’un « Voyage au cœur du cinéma français des années 1930 » proposant « une sélection de raretés et d’incunables issus des collections de la Cinémathèque française », Josette…

(Résumé dans le programme de la Cinémathèque : « Une fillette dont la mère est malade est recueillie par un voisin » et par Wikipédia : « Albert Durandal adopte la fille d’une ouvrière, envoyée dans un sanatorium, et recueille également un vieillard à bout de force qui n’est autre que le richissime Rothenmeier. Ce dernier va devenir le véritable père Noël de ces braves gens, aidant Albert à se faire un nom au music-hall et choyant intensément la petite fille. La jolie maman de Josette, alors guérie, apportera le bonheur à Albert. »)

… de Christian-Jaque, 1936. Incunable, je ne sais pas, rareté sans aucun doute.

Le programme de la Cinémathèque indique « avec Josette Contandin, Fernandel » quand le générique, lui, annonce carrément « Josette Fernandel » : tout en donnant son propre prénom à l’héroïne, elle est ainsi révélée sans détours pour ce qu’elle est dans la vie, à savoir la fille de la vedette. Ce qui nous vaut un dernier plan mignon tout plein quand, après avoir magouillé (avec finesse, culot, raison et succès) pour que sa mère dans le film épouse Albert (le personnage joué par son père dans la vie -est-ce bien clair ?-) qui s’était épris d’une intrigante, elle va de l’un à l’autre, mettant sa joue contre leur joue, disant « maman » puis un « papa » à double sens (autre moment charmant : quand Josette, qui parle pointu, reprend son accent marseillais le temps d’un « Et tu te rends compte » conservé au montage).

Ceci dit : « La France aux Français » dit, tout en s’éloignant, Fernandel chanteur des rues qu’un Espagnol a supplanté…

(Ce n’est peut-être ici qu’un terme de dépit, mais difficile de ne pas penser au sens que cette expression a prise de nos jours)

… à la terrasse d’un café.

Cependant le meilleur est à venir, quand Josette qualifie de « sauvage » (« ton sauvage », dit-elle) le serviteur noir d’Albert…

(Lequel a enfin trouvé le succès en abandonnant la chanson d’amour pour un répertoire comique, interprétant Célestine -musique de Vincent Scotto- qui « a une coquetterie dans l’œil, quand on croit qu’elle va dire bonjour à Germain, c’est à Paul qu’elle tend la main, elle louche sur leurs portefeuilles, elle a une coquetterie dans l’œil »)

… suivi un peu plus tard d’un élégant « Bamboula », lequel Bamboula se voit attribuer des répliques façon Banania, « Y’a pas bon caviar, y’a pas bon poulet » qu’il exprime, comme il se doit, avec un sourire jusqu’aux oreilles, je n’en crois pas les miennes, mais si, j’ai bien entendu, ah comme il était beau le temps des colonies !

Samedi 16 septembre 2017

Le Pays d’où je viens de Marcel Carné

Noël, c’est aussi, tiens pourquoi pas, le film de Marcel Carné que j’ai vu le mois dernier à la Cinémathèque, Le Pays d’où je viens, avec Gilbert Bécaud dans un double rôle, celui d’un fugitif (pas un malfrat, il ne s’évade pas d’un centre pénitentiaire ni ne fuit des complices qu’il aurait doublés, ceci est un conte de Noël, les deux Gilbert sont sympathiques) et d’un musicien sans le sou, amoureux transi de Françoise Arnoul.

Françoise aussi aime Gilbert 2, mais comme il n’ose le lui dire, elle commence à en avoir marre. Le seul moyen qu’il a trouvé de déclarer sa flamme, c’est de déposer chaque matin une fleur d’edelweiss sur sa fenêtre, ce qui 

primo, est anonyme et je ne vois pas en quoi ça avance ses affaires 

deuxio, n’est pas très écologique mais peut-être les edelweiss n’étaient-ils pas protégés en 1956, ou bien les trouvait-on cultivés en pot chez les fleuristes, cependant dans le premier cas je ne vois pas Gilbert 2 crapahuter régulièrement dans la montagne en côtoyant les précipices pour faire sa cueillette, dans le second il n’est pas assez riche pour en acheter tous les jours. 

Si Gilbert 2 n’a pas le sou, Gilbert 1 est riche. Il offre à Françoise (qui le prend pour Gilbert 2 sans s’étonner de cette fortune soudaine) une longue robe du soir vaporeuse qui la transforme, elle petite serveuse de bar, en une somptueuse princesse. Et alors qu’il a abondamment neigé (dans sa fuite, Gilbert 1 a dévalé une pente couverte de poudreuse dans de coûteuses chaussures de ville, c’est pas ça qu’a dû en arranger le cuir) elle ne trouve rien d’autre, pour s’y faire admirer, que de sortir dans sa cour ainsi (dé)vêtue, les épaules et le dos nus, c’est une robe bustier, sans ressentir le moindre froid quand les autres personnages, pas fous, ont enfilé de chaudes pelisses.

Bon, la période réalisme (même si on le disait poétique) de Carné est derrière lui, et bon sang c’est un conte, au diable ce foutu réalisme ! Et vive les tournages en studio !

             Mardi 18 décembre 2012

Sholay deRamesh Sippy

Loufoque (extravagant, fou, insensé) aussi, samedi dernier : Sholay de Ramesh Sippy, avec le dieu du cinéma indien, Amitabh Bachchan, qui incarne ici un sympathique et courageux voleur/escroc recruté, avec son acolyte, par un ancien policier pour défendre (genre samouraïs ou mercenaires, mais là c’est encore plus fort car ils ne sont que deux) les habitants d’un village contre une bande de brigands qui les rançonne. Le chef des brigands, qui a des faux airs de Fassbinder, est vraiment très très méchant. Il massacre plein d’innocents parmi lesquels, pour se venger de l’ancien policier qui l’a fait arrêter (mais après il s’est évadé) la famille entière de ce dernier (à l’exception d’une belle-fille qui en a réchappé parce qu’elle était partie à la mosquée) qui voyant ça (c’est un flash-back) se précipite tout seul armé de sa seule douleur dans le repaire des brigands là-haut dans la montagne, ce qui est bien imprudent.  La preuve : Fassbinder, tenant un sabre dans chaque main, lui coupe d’un seul coup d’un seul (hors champ, dieu merci) les deux bras. Et c’est pourquoi il fait appel à Amitabh Bachchan et à son pote pour remplacer ses bras (il est toujours vêtu d’une cape, car bien sûr l’acteur a ses vrais bras repliés dans le dos, et ça lui donne une carrure imposante). Il y a aussi une incurable bavarde qui conduit un buggy et qui tombe amoureuse du pote à Amitabh Bachchan et réciproquement, je ne sais pas comment le pote peut supporter ça, d’ailleurs Amitabh il peut pas et il s’enfuit à chaque fois qu’elle se pointe. A un moment, le pote et sa dulcinée sont faits prisonniers par Fassbinder qui met à la nana ce marché en main : tu danses pour nous, tant que tu danses ton bien-aimé vit, si tu t’arrêtes il meurt. La malheureuse entreprend alors de danser, mais avec une telle vigueur qu’on a envie de lui dire ménage-toi, à ce rythme-là tu vas bientôt t’écrouler, songe à ton amoureux qui va alors périr. Mais non, elle continue avec autant d’énergie et elle est bien méritante parce que pour corser l’affaire Fassbinder fait jeter des morceaux de verre sous ses pieds. Elle souffre, elle saigne, le soleil tape dur, elle s’écroule, c’est la fin, non elle tient bon, elle se relève et ça donne à Amitabh Bachchan le temps d’arriver et de les sauver, après quoi il se sacrifie pour couvrir leur fuite. Quand il retrouve Amitabh mort, son pote fou de douleur retourne tout seul dans le repaire des brigands mais Amitabh a réussi à en éliminer pas mal alors Fassbinder se retrouve lui aussi tout seul et ils se battent férocement et le pote est sur le point de tuer Fassbinder quand stop ! voilà l’ancien policier : tu m’avais promis de me le laisser c’est à moi de l’éliminer. –Mais tu n’as pas de bras. –Non mais j’ai mes pieds. Et bing bang il commence à en foutre de sacrés coups sur Fassbinder déjà bien esquinté par le pote à Amitabh, il faut dire. Quand même, parfois il tombe mais il a un fameux coup de reins et même sans bras il se relève d’un bond et il est sur le point d’écrabouiller la tête à Fassbinder avec ses godillots cloutés (gros plan de semelle) quand stop ! la maréchaussée est là qui lui fait la leçon : on ne fait pas justice soi-même, ce n’est pas toi l’ancien policier intègre qui va nous dire le contraire. Honteux, l’ancien policier lève le pied et livre le criminel. Mais avec tout ça, Amitabh Bachchan est mort et bien mort, c’est affreux pour la belle-fille de l’ancien policier qui avait conquis son cœur. Après avoir perdu son premier amour dans le massacre susmentionné (le goût de la parole et des couleurs lui en avait du même coup été ôté), elle perd le second et s’enferme à jamais derrière ses volets ce qui est bien triste. Heureusement, tout finit bien pour le pote que sa bavarde rejoint dans le train du départ (on lui souhaite bien du plaisir avec, à portée d’oreille, une bonne provision de boules Quiès). 

Oser la démesure ! (Dec 2005)

         

Les Conquérants du Nouveau Monde

The Squaw man

Rétrospective Cecil B. DeMille à la cinémathèque. L’idéologie que trimballe Les Conquérants du Nouveau Mondeest fort déplaisante : Indiens menteurs, traîtres à la parole donnée, et gloire aux Blancs défenseurs de libertés ne valant que pour eux, celle de piquer la terre des autres par exemple, et qui ne se laissent jamais abattre malgré les revers.

            A part ça, il y a quelques beaux moments de cinoche, comme celui où Gary Cooper faisant brûler de la poudre, sort d’un nuage de fumée comme une apparition surnaturelle dans le camp des Indiens qui s’apprêtent à faire passer un sale quart d’heure à Paulette Goddard attachée entre deux poteaux les bras en diagonale, elle est très sexy Paulette avec ses cheveux épars et dans ses jupons blancs que déchirent des Indiennes vindicatives sans doute jalouses de sa beauté de Blanche, tandis que Gary abuse momentanément le chef (qui est Boris Karloff déguisé) et son grand sorcier (sont-i bêtes ces sauvages) à l’aide de la magie d’une boussole, ce qui lui permet de délivrer Paulette et de prendre la fuite  avec elle jusqu’à ce que les Indiens dessillés les poursuivent sur une rivière avec des rapides et une chute mais Gary et Paulette s’attachent ensemble avec une ceinture et Gary attrape une branche d’arbre qui dépassait par là et tous deux atterrissent sur un rocher et les indiens qui voient leur canoë retourné en bas les croient noyés et abandonnent la chasse, et on voit un gros plan des pieds de Paulette chaussés d’escarpins qu’elle n’a pas perdus dans la furie des eaux, et dans le plan suivant elle a des mocassins que lui a confectionnés Gary c’est quand même plus pratique pour marcher dans la nature sauvage.

            Mépris déjà pour les Indiens en 1931. The Squaw man est un lord anglais qui s’est exilé dans les plaines du Far West, est sauvé par une squaw qu’il épouse et dont il a un fils, et quand ses amis du Vieux Monde débarquent pour le faire rentrer chez lui, il dit non, je ne peux pas abandonner ma femme je lui dois la vie et que deviendrait-elle, mais il se laisse convaincre de laisser partir son fils afin qu’il reçoive une éducation digne de ce nom à Oxford ou Cambridge sinon il deviendra comme son grand-père indien un pas grand-chose alcoolique. 

C’est pas joli joli tout ça.

   Samedi 4 avril 2009

Les Dix Commandements

            Ma déception est à la mesure de mon attente.

            Déjà indisposée avant le générique : une scène de théâtre aux rideaux fermés, un homme les écarte, apparaît, se plante devant le spectateur, ce doit être Cecil B. De Mille himself. Et là, il nous inflige un sermon sur Dieu. L’esclavage d’un peuple par un autre c’est pas bien, je suis d’accord, mais si la solution c’est seulement Dieu (God, God, God, il en a plein la bouche), là je dis non. Dieu aussi rend esclave. Y’en a marre de Dieu.

            En plus, c’est boursouflé, son film, c’est ridicule ! La moumoute de Moïse quand il a rencontré Dieu ! Avant, il avait le poil normal, Charlton Heston, des petits cheveux courts et châtains (il y a bien cette natte, sur le côté, un chouïa ridicule, moins ridicule cependant que lorsqu’elle pendouille du crâne lisse de Yul Brynner qui a l’avantage, sur Charlton, de bien porter la jupette). Après, un brin ébouriffé il est, surtout la deuxième fois, super brushing en arrière, ah ! ça décoiffe de voir Dieu. Ça fait pousser les cheveux aussi, il en a bien plus épais qu’avant, un vrai miracle, et c’est ce qu’il me faudrait à moi aussi, marre de perdre les miens rien n’y fait. Dieu comme lotion anti-chute, voilà qui le rendrait un peu utile.

  Jeudi 31 octobre 2013

            Ce film de Jean-Pierre Mocky raconte les aventures d’une famille (nombreuse) hollandaise qui accompagne à Paris le maire de son village afin de le soutenir dans un concours de chansons. Ils affrètent un car où tout le monde s’entasse, sauf un petit rouquin marié à une jeune femme momentanément aphone, ce qui n’est pas grave vu que le film, plutôt que parlant, est sonore, les Hollandais en question étant incarnés par des acteurs français (inconnus sauf quelques-uns dont on connaît la trogne sans savoir le nom) qui, n’en parlant sûrement pas un mot, ne peuvent qu’émettre des sons aux accents vaguement néerlandais et réduits au strict minimum. Les seuls à faire de vraies phrases dans une vraie langue, c’est la grand-mère d’origine italienne et le pizzaïolo de son cœur à qui elle était fiancée avant d’épouser, allez savoir pourquoi, un Russe homosexuel qui ne rêve que d’aller à l’Opéra pour voir un ballet (et aussi les danseurs) mais pas de bol c’est complet.

 Le jeune rouquin doit subir un contrôle sanitaire dans son usine de fromages, raison pour laquelle il part après les autres, seul en voiture, en embarquant un énorme frometon dans son coffre à destination de sa cousine qu’il doit retrouver à Paris où vraisemblablement elle réside, sinon pourquoi s’embarrasser d’un tel machin qui pèse des tonnes, si elle vivait en Hollande elle pourrait s’approvisionner sur place. 

Bref il prend sa voiture à l’intérieur de laquelle, profitant d’un arrêt essence, se glisse une belle Noire sans papiers qui, lorsqu’elle se retrouvera seule à Paris après l’arrestation de son mec comme dealer, ne cessera de lui coller aux basques, courant derrière l’auto sans se faire semer (une vraie championne), ce qu’il tente pourtant avec persévérance et moult ruses.

Dans la capitale, le rouquin se fait mettre voiture et fromage à la fourrière. Avec un couple d’Américains, il est arrosé par un employé municipal. Dans un pressing, une dame les sèche avec un séchoir à cheveux. Quand ils peuvent enfiler à nouveau leurs vêtements, a lieu un malencontreux échange de papiers et de portefeuilles, à la suite de quoi le Hollandais présente, au commissariat où il est venu s’enquérir de son automobile, un passeport US, ce que le policier trouve à juste titre hautement suspect. Alors le rouquin s’enfuit et, afin d’échapper aux recherches, pique à un Ecossais son kilt et son béret.

Pendant ce temps-là sa mère (qui sous un chapeau tyrolien porte de grosses nattes jaunes et, sous sa jupe, des culottes façon petites filles modèles de la comtesse de Ségur née Rostopchine) ne songe qu’à aller au Salon de l’Agriculture. Elle s’y fait draguer par un Espagnol très excité qui se met en slip devant elle dans une cabine, mais quand il veut ressortir, son pantalon a disparu. 

Quant à son horticulteur de père, il est pris à piquer des fleurs dans le jardin des Tuileries par un agent de la force publique et se fait illico embarquer dans un commissariat qui s’avère être celui duquel s’enfuit son fils avant de se faire passer pour Ecossais.

Et à un moment on voir JPM qui court sur un trottoir en disant des choses qu’on ne comprend pas plus que le reste, c’est joyeusement foutraque, un film burlesque où ça s’agite beaucoup sans besoin de paroles, c’est le geste qui compte.  

A la fin de la journée (et du film), le maire ne gagne pas le concours. De désespoir il se jette à l’eau et un de ses compatriotes tente de le sauver et il l’attrape par les cheveux qui sont  une moumoute mais l’eau est peu profonde.

Et on rentre au bercail (la belle Noire aussi, adoptée par l’aphone qu’elle aide à récupérer son sac lorsqu’un gamin le lui pique dans un grand magasin, ce qui fait qu’elles se retrouvent dans le commissariat déjà évoqué deux fois, Paris est tout petit) sauf les grands-parents (la grand-mère suit son pizzaïolo et le grand-père les danseurs du corps de ballet) et la sœur du rouquin qui est venue retrouver un correspondant français qui lui a écrit des lettres enflammées.

« Suite à un problème technique, les toilettes [pour hommes, au sous-sol de la cinémathèque] sont fermées pour une durée indéterminée »^[1]. Au cas où les messieurs n’auraient pas compris, une seconde affiche juste en dessous précise « Toilettes hors service ».

  C’est la raison pour laquelle lesdits messieurs se retrouvent tous, à côté, dans les toilettes des femmes qui sont, de ce fait, surchargées. J’ai de la chance, lorsque j’y entre il en reste de libres. Ce qui n’est audiblement plus le cas quelques secondes plus tard : à peine ai-je eu le temps de poser mes affaires qu’une voix masculine proteste, Merde, merde, merde, merde, et que des coups de pied sont donnés dans les portes. Quand ils résonnent dans la mienne, je dis, Doucement. Dans la cabine d’à côté, un monsieur ironise, On se croirait dans un film de Mocky. A quoi je réponds, Oui, c’est le film qui continue.

    Lundi 21 juillet 2014

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^[1] Quand la même chose arrive à l’UGC Ciné Cité Les Halles, la note sur la porte dit que « nos super héros se démènent pour vous sortir de là ». Ce qui ne l’empêche pas d’être toujours affichée la semaine suivante et parfois au-delà. Les super héros sont fatigués.