Sympathie pour le Diable-Guillaume de Fontenay

4 prix au Festival International des Jeunes Réalisateurs de Saint-Jean-de-Luz 2019, 4 prix au Festival de Waterloo 2019

Film français (novembre 2019, 1h40) de Guillaume de FontenayAvec Niels Schneider, Ella Rumpf, Vincent Rottiers et Clément Métayer

Présenté par Georges Joniaux, le 25.02.2020

Synopsis : Sarajevo, novembre 92, sept mois après le début du siège.Le reporter de guerre Paul Marchand nous plonge dans les entrailles d’un conflit fratricide, sous le regard impassible de la communauté internationale. Entre son objectivité journalistique, le sentiment d’impuissance et un certain sens du devoir face à l’horreur, il devra prendre parti.

31 films sont recensés avec pour toile de fond la guerre en Yougoslavie, et Guillaume de Fontenay en réalise un de plus !  Projeté en 2020, il se déroule sur la période 1992, 1993 ». Chaque film est au service de son présent.

En 1994 on est dans l’évènement,  Marcel Ophuls réalise  « Veillée d’armes » qui  comme son titre l’indique est dedans, on va y aller, et on regarde alors  derrière soi,   la comparaison avec le nazisme et son cortège est au premier plan.

En 2006,  on est juste derrière, avec « Sarajevo mon amour » de Jasmila Zbanic, c’est la traumatologie de guerre qui est traitée, celle directe des adultes et celle indirecte des enfants.

En 2019, avec Guillaume de Fontenay cette guerre agit autant comme un passé refoulé,  que comme une actualité potentielle. Une guerre entre des gens qui s’entendaient bien, savaient vivre ensemble sans se sentir menacés dans leur identité,  où les traditions religieuses se perdaient un peu, où les mariages inter-religieux étaient courants, serait selon son point de vue, une menace présente tant les nationalismes, les replis identitaires de toutes obédiences inquiètent.  Le réalisateur fait donc d’une pierre deux coups, un film souvenir, car Sarajevo n’intéresse plus grand monde,  est actuel,  d’autant que désormais, les revendications identitaires s’accompagnent de beaucoup de bruits de bottes.

Mais ce film vaut autant pour son HISTOIRE  en forme d’avertissement que pour la petite histoire de  son personnage, Paul Marchand. La manière dont le réalisateur a vécu cette guerre de Sarajevo l’a été sous le prisme des éditoriaux et témoignages de Paul, reporter free-lance pour les Radio Francophones du Canada et d’Europe.

Guillaume de Fontenay  écoutait Paul  à la radio, et en 1997, il a lu son livre. Après un temps de dégoût et de rejet, cette lecture a fait son chemin. Il a rencontré Paul. C’était un écorché vif, intelligent et engagé qui écrivait d’une manière fulgurante.  Il y a certainement eu  chez le réalisateur une sorte de fascination pour cet homme et une amitié aussi d’ailleurs. 

Paul Marchand appartient  aux journalistes engagés, à ces témoins qui sont parfois acteurs, n’hésitant pas par exemple à transporter des détonateurs. En cela il n’est pas exceptionnel. John Laurence qui fut journaliste pour CBS au Vietnam entre 1965 et 1970 décrit des faits semblables au Vietnam. Ce qui est moins courant, c’est le rapport  de Paul au danger. « Dans l’odeur du sang et de la poudre, je m’épanouis enfin. Je suis dans la ligne de mire de la mort, c’est un bonheur exceptionnel » écrit-il. Son exposition courante au danger, son refus de porter un casque ou de se déplacer en véhicule blindé, son rodéo en vieille ford  sur la « Sniper alley », ne sont pas seulement des attitudes de bravoure et de provocation, elles sont d’abord un rapport aux mondes, son monde intérieur et le monde tel qu’il est. «Il avait trouvé la paix dans le chaos, la destruction, et le désespoir » estime Jean Hasfeld lui-même reporter à Sarejevo.

Paul Marchand est de ces personnages malades qui justement parce qu’ils sont malades savent mieux que quiconque  voir et exprimer avec force et sagacité les réalités dérangeantes. Ce n’est pas tant par sa bravoure de kamikaze qui révèle un rapport au monde assez distordu que par son courage de dire et d’obliger à entendre des vérités dérangeantes, que ce personnage se distingue.

Guillaume de Fontenay fait un film  juste du point de vue du personnage, et juste sur la situation, on est immergé dans cette histoire dont il a su rendre la violence la douleur et l’angoisse, la mort et la survie, son cadre, son ambiance.

D’autant que ce film est tourné sur place dans un pays qui n’a pas encore fini de panser ses blessures. Ni de les penser au demeurant ! Et c’est par ce talent à immerger le spectateur, à produire des émotions de toutes sortes que le cinéma est un art. (Quand je pense que c’est un premier film !)

Un point me semble constant qui forme un trait d’union entre les films que j’ai vu  sur ce sujet, la dénonciation du nationalisme des Serbes. Oui il fut et continue de l’être.  Mais,  il faudrait vérifier qu’il n’y a pas un biais de perception de milieu artistique et de l’opinion  dans cette manière de décrire la genèse de cette guerre.  Elle n’intervient pas seulement par le réveil d’une génération dormante de nationalistes extrême droitistes, elle intervient dans un contexte historique de déstabilisation globale, on peut nommer 1980, la mort de Tito, 1989, l’implosion de l’URSS, 1992, la préparation de Maastrich.  Il y a aussi une situation économique désastreuse après la mort de Tito, le pays a une lourde dette de près de 20 milliards, et une inflation insensée. La machine à produire de la pauvreté est une machine très inégalitaire. Et le nationalisme est le refuge et le cache-misère de cette situation. Les solutions « bouc émissaire » sont   typiques  des situations anomiques.  En d’autres termes, j’aimerais qu’on me confirme que tout était pour le mieux dans le meilleur des mondes avant le siège de Sarajevo et que donc les éléments de dissociation et de dislocation n’ont été  que le fait de nationalistes serbes, je crois que ce serait difficile. Sur ce plan, Boba Lizdek, (la fixeuse d’alors) dans une interview donnée à la « revue internationale » en 2012 ne dit rien d’autre.

Pour finir, chapeau bas à Niels Schneider qui une fois de plus, et peut-être davantage encore, grâce à ce film et à ce rôle,  démontre qu’il est un acteur exceptionnel. Je range ce film parmi les films importants de nos projections aux cramés de la bobine. Un film qui compte.

Georges

Bavardage sur les Oscars

2020-Oscars, So White
Le Canard Enchaîné du 12.2.2020

Lundi :

-Allo Marie-No! On vient de voir la cérémonie d’ouverture des Oscars à la Télé, formidable! tu n’aurais pas l’intention d’en parler dans le blog ?

-Merci de penser à moi, mais je n’ai pas bien suivi les Oscars cette année à part de voir des gugusses défiler et prononcer à tour de rôle le mot magique « Parasite »
Parasite, Parasite, Parasite 
Remarque ça peut-être rassurant qu’ils aient choisi ce film … mais pourquoi tout pour le même ?
C’est quand même démesuré. Cet engouement collectif fait flipper…

Extrait du Canard Enchaîné :

« Cérémonie toujours dominée par des réalisateurs blancs, même si le palmarès a couronné l’excellent « Parasite » de Boon Jong-Ho. Avec Queen & Slim, l’Académie avait pourtant l’occasion de distinguer un film puissant et stylé, alliant message politique percutant et romantisme désespéré qui a été imaginé écrit et réalisé par deux femmes noires, Lena Waithe et Melissa Matsoukas ».

Merci à Marie No pour son commentaire sagace, et Queen & Slim, à suivre! .

Georges

Gloria Mundi Robert Guédiguian

Coupe Volpi de la meilleure interprétation féminine pour Ariane Ascaride à la Mostra de Venise 2019

Film français(novembre 2019, 1h47) de Robert Guédiguian avec Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Anaîs Demoustier, Robinson Stevenin, Lola Naymark, Grégoire Leprince-Ringuet et Diouk Koma.

Présenté par Laurence Guyon le 28.01.2020

Synopsis : Daniel sort de prison où il était incarcéré depuis de longues années et retourne à Marseille. Sylvie, son ex-femme, l’a prévenu qu’il était grand-père : leur fille Mathilda vient de donner naissance à une petite Gloria.
Le temps a passé, chacun a fait ou refait sa vie… 
En venant à la rencontre du bébé, Daniel découvre une famille recomposée qui lutte par tous les moyens pour rester debout. Quand un coup du sort fait voler en éclat ce fragile équilibre, Daniel, qui n’a plus rien à perdre, va tout tenter pour les aider.

Au centre de Gloria Mundi  « Cash Service », qui nous dit  quelque chose sur l’état du monde d’aujourd’hui.   Aurore et Bruno  sont les petits chefs d’une entreprise qui porte en elle le signe d’un changement économique, le signe d’une économie de récession.  Economie de récession ? Oui,  pour une  partie croissante de la population, comme le disait l’un de nos Présidents, il  existe une fracture sociale. Et c’est le choix de Robert Guédiguian  de nous la montrer. 

Ce magasin est donc emblématique de la société actuelle, qui ayant perdu une large part de son industrie, propose essentiellement du travail dans les secteurs de service,  souvent de seconde main et quelquefois du travail au noir et pour une large part sous-payé et à durée déterminée.  Dans ce film,  Aurore (Lola Naymark, magnifique !) et Bruno (Grégoire Leprince Ringuet) les patrons sont chargés de bien cyniques et méchants rôles. Leur langage des affaires  singe à s’y méprendre le sabir du management actuel, à moins que ce ne soit l’inverse.

À côté,  il  y  a Sylvie (Ariane Ascaride)  la mère, Richard, le père (Jean-Pierre Darroussin) et Mathilda (Anaïs Demoustier), la fille aînée. Comme 75% de la population française ces gens travaillent  eux aussi dans le secteur tertiaire. 

Et, dans ce secteur tertiaire, on rencontre forcément la précarisation des emplois.  Elle explique la naissance prometteuse d’Uber dont Nicolas (Robinson Stevenin, bon sang ce qu’il ressemble à son père !)  est le représentant dans le film. Nous verrons que c’est un  travail  qui pour ne  pas être celui  d’un bras cassé, peut le devenir.  

Robert Guédiguian, montre la dynamique de déclassement/relégation des classes moyennes, mal payées,  précarisées, à la merci de tous les coups, fragilisées sans rémission possible, dont  même les lieux de vie  sont progressivement détruits ou bouleversés.

Et au total, un monde où ces classes moyennes paupérisées sont désunies à tous les niveaux, familial (Mathilda/Aurore), professionnel (Sylvie /ses collègues de l’équipe de ménage) (Nicolas/les chauffeurs de taxi).

L’arrivée dans le film du ténébreux Daniel (Gérard Meylan qui n’a aucunement à forcer le jeu) donne au film la touche romanesque dont il avait besoin pour ne pas être seulement  un inventaire de la misère du monde.

Avec ce film,  Robert Guédiguian  demeure dans sa veine réaliste, mais il semble que l’étau se resserre. Je me souviens par exemple, de Marius et Jeannette, le premier film que j’ai vu de lui (et en avant-première svp), les pauvres y étaient facécieux, parfois un peu roublards,  ils avaient de l’humour et pouvaient se défendre. Ce n’est plus le cas.

Gloria Mundi  m’apparaît d’abord comme  la nostalgie d’un temps que les moins de vingt ans ne peuvent pas connaître.  Celui où tout allait pour le mieux dans le meilleur des mondes possibles. Un monde qui tenait sur ses deux jambes. L’une, le profit et  l’enrichissement  continu par le  travail. L’autre,  la consommation avec pour  seule limite, un « pouvoir d’achat » qui n’était pas immuable, compte tenu d’une croissance exceptionnelle.  Une époque où  commence une ferveur quasi religieuse  pour le veau d’or de  la consommation.   

Tout cela s’accompagnant de solidarités humaines,  de famille,  de quartier de travail et de classe sociale …   Bref, de lien social.   La vision du Monde  de Robert Guédiguian c’est un peu celle de  la fin du  bonheur des boomers.  (Génération de nombreux Cramés de la Bobine, dont je suis)

Robert Guediguian comme son aîné Ken Loach réalise un cinéma de très bonne facture, mais qui est aussi celui d’une génération  un peu aveugle sur elle-même, son mode de vie et qui voudrait tant que ça continue.  Le film porte aussi  la vision un peu masochique d’un peuple qui subit et ne peut que subir face à un « système » tout puissant. 

Il serait intéressant que des gens de la nouvelle génération, tels Matthieu Barreyre (L’époque) ou d’autres, qui probablement ont un autre rapport au monde, nous parlent du même sujet avec le regard de  leur âge.

Mais revenons à Gloria Mundi,  pour notre bonheur  Robert Guediguian fait jouer ses acteurs fétiches, qui sont à chacun de ses films, un peu les nôtres, ils sont bons et crédibles, et on est heureux de voir que sa famille s’agrandit.

Georges

En Bref

Vu 1917 de Sam Mendes, un oscar possible!

Je lis que depuis American Beauty en 2000, Sam Mendes n’avait jamais été aussi près d’un Oscar. En fait, c’est un film dont le scénario ressemble un peu à un scénario de jeu vidéo. Alors, Amis gameurs bonne séance!

Georges

PS : 10 février, vu la remise des Oscars, mixage et son et effets spéciaux pour Sam Mendes. Tout à fait d’accord 🙂

An Elephant sitting Still- HU-BO

4 heures presque ! vous n’allez pas aller voir ça? 

Vous auriez tort ! Il faut absolument chercher à le voir maintenant.

Film du Festival Télérama à l’Alticiné de Montargis, dernière séance hier! Si vous ne l’avez pas vu, vous ne mesurez pas ce que vous avez perdu! Un film qui raconte la Chine, celle des déclassés des mégalopoles. Quatre personnages que le destin amène à différents instants à avoir quelque chose à vivre ensemble. La toile de fond, une Chine de polar, des rails de chemin de fer, des voies routières, des entrepôts et friches de terrains vagues, des maisons pauvres et sales…la « glauquitude » des choses… Et le bruit de la ville, un bruit et hors champ sans doute l’odeur.

Et cette manière de tourner, cette caméra qui tourne autour de ses personnages sans en avoir l’air, plans de visages, plans moyens. Jamais acteurs n’ont été autant filmés de dos, et ça nous semble naturel, nécessaire. Tout ce qui ne joue pas ou pas encore est flou. Alors moche? Non, très très beau au contraire, une chorégraphie. Quelques plans fixes qui nous mettent en attente, tout cela bien dosé, parfaitement équilibré. Il y a dans ce film sombre, une beauté lunaire, quelque chose de précieux, qui me semble unique, je n’avais jamais rien vu de semblable. La musique qui accompagne le film ? Parfaite.

-Le scénario ? du souffle! et avec ses ellipses, pas de gras- Dans cette Chine/Monde, quatre personnages dont les rapports au monde sont presque toujours déterminés de l’extérieur, comme le serait un éléphant assis. Personnages conduits par l’effet de lieu, de rôle social, de position, pris dans le tourbillon de la vie . Ils ne peuvent arriver qu’à cette conclusion :  » à côté, ce sera pareil »…Etre humain, où qu’on soit, est chose difficile, mais là… Ce film bouleversant est un exceptionnel moment de cinéma!

Peu après ce film Hu-Bo a mis fin à ses jours, il avait 29 ans. Plus rien derrière, un gâchis!

Georges

J’accuse-Roman Polanski

Soirée débat
lundi 6 janvier 2020 à partir de 18h

Présenté par Claude Sabatier en présence de Charles Dreyfus petit fils de Alfred Dreyfus (1).

La projection du film précédée d’une conférence d’Alain Pagès sur « l’Affaire Dreyfus au cinéma ».

Film français (novembre 2019, 2h12) de Roman Polanski
Avec Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Didier Sandre, Melvil Poupaud, Mathieu Amalric …. 

Synopsis : Pendant les 12 années qu’elle dura, l’Affaire Dreyfus déchira la France, provoquant un véritable séisme dans le monde entier.
Dans cet immense scandale, le plus grand sans doute de la fin du XIXème siècle, se mêlent erreur judiciaire, déni de justice et antisémitisme. L’affaire est racontée du point de vue du Colonel Picquart qui, une fois nommé à la tête du contre-espionnage, va découvrir que les preuves contre le Capitaine Alfred Dreyfus avaient été fabriquées.
A partir de cet instant et au péril de sa carrière puis de sa vie, il n’aura de cesse d’identifier les vrais coupables et de réhabiliter Alfred Dreyfus. 

Heureuse soirée du 6 janvier,  Claude Sabatier et les cramés de la Bobine présentaient  J’ACCUSE,  de Roman  Polanski.  Claude  avait invité Alain Pagès, spécialiste de Zola et d’Alfred Dreyfus,  ainsi que Charles Dreyfus le petit-fils d’Alfred. Du coup la Salle 3 était   comble et un peu juste pour cette soirée-conférence, film, débat.

 Si l’on en juge par le succès du film, l’affaire Dreyfus demeure  un lieu de mémoire.  Et s’il avait fallu une image pour décrire le souffle de l’Histoire et son empreinte sur les histoires de vie, il suffisait à chacun d’apercevoir Charles Dreyfus petit-fils, cet homme nonagénaire, dont le port, l’attitude et la vivacité du regard  rappellaient ceux de son grand-père . 

La conférence d’Alain Pagès portait sur la filmographie de l’Affaire et ses différentes approches. Elle préparait bien au film, nous n’en comprenions que mieux les choix scénaristiques de Polanski conçu à partir du roman de son co-scénariste Robert Harris. L’originalité de « J’accuse »   a consisté à décaler le point de vue du récit, nous montrer Dreyfus sous le prisme de Picquart,  et de choisir la forme thriller pour donner du mouvement au film, le sortir de la case documentaire où il aurait été aisé de l’y laisser-aller. Il y a dans cette démarche une volonté de distanciation. Picquart face à un dispositif : le haut commandement de l’armée,  ses serviteurs  et  à son idéologie. Idéologie qu’il partage entièrement antisémitisme compris, à un détail près : Il considère que la vérité l’emporte sur toute autre considération. Ce détail changera le cours de l’histoire.

Alain Pages nous dit que par souci d’équilibre et de raccourci, le scénario  a modifié légèrement certains faits, mais que globalement, l’exactitude historique prévaut.  Nous y reviendrons.

Il ajoute que  les décors et scènes s’inspirent de l’imagerie des journaux de l’époque et on a tous en tête « le petit journal » dont on peut apercevoir des exemplaires chez les bouquinistes.  Dans ses films, Roman Polanski, est un maître de l’imaginaire autant que de l’image. Avec lui nous y sommes.  

Sur le plan technique, il travaille avec des techniciens fidèles et talentueux  à commencer par Pawel Edelman son Directeur Photo qui a été de presque tous ses grands films,   Hervé Deluze le chef monteur, idem  et Jean Rabasse son chef décorateur qui n’avait travaillé que pour  deux films avec Polanski, mais dont le CV est impressionnant. S’il n’était à ce point chargé d’histoire, ce film pourrait n’être regardé rien que pour ses décors,  ses plans et  changements de plans,  son habileté de montage. Tout cela dégage une impression de fluidité, de clarté saisissantes,   et de force. À l’extrême, l’image donne presque une impression de rutilance et de style pompier (au bon sens du terme). 

Nous avons aperçu  avec surprise ce que pouvait voir Alfred Dreyfus debout dans le Bureau d’un Général : Pimpante et victorieuse,  la Tour Eiffel, souvenir de l’exposition Universelle de 1889. Dreyfus devra peut-être quelque chose à l’exposition suivante, celle de 1900. Par cette affaire  la France faisait parler d’elle en des  termes exécrables dans la presse internationale, fâcheux retentissement. Lorsque fin  1899, il obtient la grâce du Président Émile Loubet… Il était temps. 

Les acteurs : D’abord, il y a Jean Dujardin magnifique dans ce rôle principal du Lieutenant-Colonel Marie-Georges Picquart, ensuite tous les personnages jusqu’au  moindre d’entre eux sont impeccables. Pour Louis Garrel en Capitaine Alfred Dreyfus, il faut dire « chapeau » au directeur de casting et au maquilleur…et à l’acteur. La métamorphose  est confondante, il est Dreyfus. La preuve ?  Charles Dreyfus le petit-fils dans la salle, parmi nous,  se tenait comme lui !  

On voit aussi par brèves incursions, la populace écumante,  avec ses violences, ses invectives. Ce qu’on ne voit pas ou peu,  c’est la presse déchaînée telle celle de l’action française.  Mais quel casting, le moindre rôle occupe tout l’espace.   Je me souviens celui du Professeur Bertillon (Denis Podalidés) graphologue de circonstance et de ses théories fumeuses…Sa fumisterie. Ou encore dans un rôle essentiel Grégory Gadebois interprétant le Commandant Hubert Henry , ce courageux serviteur issu du rang, faussaire de circonstance, capable de se battre comme un chien pour l’armée, prêt à n’importe quels coups bas pour cette (mauvaise) mère.

Et puis il y a l’histoire, et justement,  celle de Roman Polanski est originale. Il filme moins la vérité en marche, que le courage  et le prix de la vérité et a contrario, la puissance radicale et aveuglante du mensonge, avec ses faussaires falsificateurs de tous poils. (Aujourd’hui pour moins que ça, on parle de « post-vérité » !)  Il montre moins le Capitaine Dreyfus que les passions folles qui s’exercent autour de lui  dans le milieu militaire. Moins le bouc émissaire que les sacrificateurs. Et il donne des visages aux persécuteurs, ceux d’ailleurs identifiés par Zola dans « j’accuse ». Et tous ces gens forment pour l’essentiel, une caste d’officiers généraux et supérieurs, vaincus mais altiers, populaires  et aimés,  pétris de tradition catholique,   antijudaïque…Tout comme Picquart d’ailleurs.    

Impossible dans ce film de séparer le fond et la forme, le fil de l’histoire, la manière passionnante dont elle est racontée, dont elle s’enchaîne, les dialogues, toujours brefs et signifiants, la musique d’Alexandre Desplat, le refus du pathos,   tout  est là pour en faire une merveille. 

 Je voudrais toutefois revenir sur un point qu’Alain Pagès considère juste comme un raccourci. On voit le lieutenant-colonel Picquart, s’entretenir avec Emile Zola, lui suggérer d’agir, lui en démontrer la nécessité.  Cette nécessité qui deviendra pour Emile Zola aussi intime que celle de Voltaire pour Callas. Et d’ailleurs, l’aura  et le charisme de Zola plane sur toute l’histoire. Mais tout de même il faut le rappeler, l’homme qui a aiguillonné Zola, c’est Bernard Lazare. Signalons que le texte de  « J’accuse » en forme d’anaphore dont le film porte le nom lui doit beaucoup. Zola  lui a donné  sa forme  définitive  et l’a incarné, avec sa stature et son courage. Et près de Zola,  il faudrait ajouter son ami Octave Mirbeau…  Ce bémol est peu de chose, peu en regard de ce que montre ce très grand film. 

Les blancs dans le récit…Les intellectuels, les politiques, la presse, le peuple, l’église, l’antisémitisme endémique européen et ici français, constituent un hors-champ béant et volontaire. 

Le film montre le courage, celui de résister,  et ce courage définitivement minoritaire n’est pas seulement symbolique et moral, il est aussi physique.  Celui du Capitaine et des siens, de Fernand Labori, l’avocat de Dreyfus, de Zola… Et enfin celui  de Picquart dont on peut discuter bien des traits,  mais qui lorsqu’il a  découvert qu’il avait fait erreur et qu’il avait été trompé, est devenu celui par qui  le scandale a pu se manifester…et il fallait  être capable d’en supporter les conséquences. 

Après la conférence d’Alain Pagès on connaissait les originalités de ce film « J’accuse », il  figure en bonne place parmi tous ceux sur l’Affaire Dreyfus.  On peut dire que Roman Polanski dont nous avons fait une rétrospective en 2015 a réalisé une fois encore un film qui compte ! 

Noura Rêve- Hinde Boujemaa


Film tunisien (novembre 2019, 1h30) de Hinde Boujemaa avec Hend Sabri, Lotfi Abdelli et Hakim Boumsaoudi 

Synopsis : 5 jours, c’est le temps qu’il reste avant que le divorce entre Noura et Jamel, un détenu récidiviste, ne soit prononcé. Noura qui rêve de liberté pourra alors vivre pleinement avec son amant Lassad. Mais Jamel est relâché plus tôt que prévu, et la loi tunisienne punit sévèrement l’adultère : Noura va alors devoir jongler entre son travail, ses enfants, son mari, son amant, et défier la justice…

Présenté par Georges Joniaux 07.01.2020

Le nœud du film (si l’on peut dire)  est à son milieu, lorsque Jamel pénètre dans le garage et viole  Lassad l’amant de sa femme. Cette vengeance  inattendue ainsi que la contre mesure immédiate de la victime Lassad, qu’on ne comprend pas tout de suite, sont  du vrai cinéma. En effet, Lassad pris d’un élan machiavélique, organise le vol et déprédations de son propre garage pour en accuser Jamel et ainsi se venger de la violente humiliation par justice interposée. Cette séquence sépare le film en deux. 

Il y a d’un côté Noura, la femme adultère qui fuit le risque d’être condamnée par la loi à 5 ans de prison si son mari la dénonce. C’est-à-dire subir les foudres d’une institution répressive, basée sur la prohibition  de l’infidélité, afin de préserver les familles. (Et qui paradoxalement n’hésite pas à emprisonner, ce qui n’est pas des plus protecteur pour la famille en question! )

Il faut alors préciser que cette loi est d’apparence égalitaire, dans la mesure où seraient théoriquement réprimés autant les hommes que les femmes. Ajoutons que le conjoint trompé peut à tout instant interrompre la procédure avant la sentence, ce qui en d’autres termes transfère un immense pouvoir « de négociation » au conjoint trompé. Or les femmes n’utilisent jamais cette loi, alors que les hommes le font. Et le comportement de Noura, est fortement déterminé par les potentialités répressives de cette loi. Elle va induire pour une large part, sa manière de composer avec son mari, son amant, ses enfants, la justice. Pour une  part seulement car nous constatons que sa démarche de divorce est autant dissimulée au mari que ne l’est sa liaison. Tout cela contribue à transformer une femme ordinaire, avec ses sentiments et son projet de vie meilleure, en équilibriste, en menteuse et donc la diminue.

De l’autre côté donc,  ce n’est plus de la loi de l’État dont il est question mais de la loi de l’homme dans sa famille. Ici l’homme est un délinquant, un voleur de profession. Sa vengeance lorsqu’il apprend que sa femme le trompe est déconcertante et il faut l’espérer peu coutumière. (Sinon, comme Lassad, beaucoup parmi les hommes se sentiraient alors obligés de se promener avec dans la poche un certificat médical de virginité anale !). Ce qui est remarquable chez  Jamel, c’est qu’il n’est pas libre. Il exerce comme voleur dans une entreprise de Pick Pocket dont on voit que son patron (inspecteur de police) la gère d’une main de fer. Jamel est affectueux avec ses enfants, si ce n’est son  accès de violence d’un instant pendant lequel, il fiche toute sa famille dehors, sur le pas de la porte. Et cette violence lui appartient comme à la société, au milieu et à la condition dans lesquels il vit ;  elle est ordinaire. Quant à son choix de vengeance, sodomiser son rival pour l’humilier, il appartient à l’imaginaire social masculin,  l’inspecteur pourri ne lui dit-il pas en parlant de Lassad : « moi à ta place je l’aurais niqué ». Remarquons l’essentiel,  à aucun moment, dans son dépit,  Jamel cherche à  blesser Noura mais son choix de vengeance demeure tout verbal, il exclut totalement une  violence physique contre sa femme et à aucun moment il ne cherche à faire usage de la loi sur l’adultère. En d’autres termes, certainement à sa manière, il la respecte et il l’aime. Et peut-être, l’aime-t-il  mieux que Lassad, le possessif amant de sa femme.

Ce film nous montre l’enchevêtrement entre la loi nationale qui épouse comme un gant les us et coutumes de la gente masculine, remarquons alors les déterminants dans lesquels les personnages sont  piégés. 

Le principal d’entre eux,   c’est le sexe, le Phallus devrait-on dire. Ce viol de Lassad par Jamel est une manifestation phallique qui structure totalement cette société. Et au fond si Noura rêve que la loi ne vienne pas dans son lit,  si elle aspire seulement à être heureuse, dans un monde où les femmes et les hommes seraient égaux,  elle n’en vit pas moins dans une société dont l’imaginaire est aussi raide qu’un phallus.

Et c’est ce que démontre Hinde Boujemaa, une société qui n’a jamais pu se distancier des questions sexuelles, qui n’a jamais pu par exemple créer des œuvres d’humour  sur le libertinage ou l’adultère. Une société  où femmes et hommes sont figés dans des rapports de domination et de possession, sans distanciation possible par rapport aux questions de sexe. Et on suppose du même coup que l’interdit religieux, dont il n’est jamais question dans le film surdétermine tout cela. Une religion aussi raide que le genre de phallus qu’elle a produit en plaçant autant d’interdits dans les têtes et dans les lits. 

Bavardage

En bref pour finir l’année,  nous n’avons pas pris le temps de parler des derniers films, et de celui de Kosta  Gavras, « Adults in the room » et le second de Ken Loach, « Sorry  We Missed You ». L’un et  l’autre se complètent, j’ai éprouvé le même  plaisir mitigé à les voir. Leur sujet nous absorbe, nous place dans un état émotionnel propice à la compassion, nous trouvons les situations injustes, nous qui sommes nécessairement justes.

D’abord la Grèce, cette pauvre Grèce.  Frédérique nous avait campé le décor,  d’abord la faillite de Lehman Brother, (dans laquelle l’ombre de Goldman Sachs se profile).  Survient alors, l’effondrement des banques grecques puis les révélations sur ses finances publiques. On se souvient des formules répétées dans la presse, « les  grecques ne paient pas d’impots, corruption, fraude fiscale, magot de l’église orthodoxe etc ». Puis il y a  ce qu’on  voit indirectement se profiler  dans le film, coupes sauvages dans les finances publiques, hausse des taxes en tous genres, réforme de la sécurité sociale, abaissements drastiques des pensions de retraite, privatisation de tout,   et plus généralement, interdiction  de toutes les marges de manœuvre, particulièrement envers les plus modestes. Le talon de fer disait Jacques London… Et le film de Costa Gavras reprend le livre d’un acteur de premier plan Yanis Varoufakis. Costa Gavras s’entoure pour l’essentiel d’acteurs professionnels, il n’y a en effet pas de place pour l’improvisation,  on suit le texte, et les personnages, jusqu’au physique,  sont ressemblants ( Pour la France, Sapin, Moscovici sont très crédibles). Et on assiste à ce qui pourrait être une sorte de vaudeville,  avec son balai  de portes qui s’ouvrent et se ferment, des postures, des réactions de prestance, des mots, des formules, de la communication de presse etc… Mais là s’arrête la comparaison, car il n’y a aucun humour dans cette histoire. Et cette histoire est sinistre pour tous les grecs, elle n’est pas seulement celle de la chèvre de Monsieur Seguin.   Les spectateurs qui ont suivi Costa Gavras, se remémorent des films. Pour ma part je pensais à « Z », ce que le régime des Colonels avait établi par la répression et la torture, soit l’asservissement d’un peuple pour, ou à cause de profits qui ne sont pas les siens, le management moderne l’obtient sans effusions de sang. Mais puisque  j’en suis à « Z », il y avait dans ce film une tentative de sortie au grand air, on voyait des manifestants, des militants,  un peuple. Dans « Adults in the room », on est  invité à une sorte de kriegsspiel de bureau… à une danse macabre, ou une valse dans les allées du pouvoir (ce que C.Gavras illustre superbement). Il nous montre des gens qui se disent des choses abstraites mais terriblement inquiètantes, devant laquelle nous sommes invités à nous indigner. Bien sûr c’est prenant, mais tout de même on peut souhaiter que ce film en inspire d’autres qui  exploreront les conséquences concrètes et vécues de cette histoire. 

Pour les conséquences concrètes, on a Ken Loach avec « Sorry We Missed You », là on sait  tout de suite à quoi s’en tenir. Le choix des acteurs, est essentiellement constitué de « non professionnels ». « L’acteur non acteur » apparaît souvent dans les films sociaux. Ils ont un effet leur esthétique, les réalisateurs souhaitent de l’authentique,  de la tête de pauvre, des réactions et des phrases naturelles et populaires. Autant il faut des acteurs pro pour jouer les riches (voir ci-dessus Costa Gavras), autant, pour les pauvres, c’est pas terrible. 

Nous avions été bouleversés par le précédent film « Moi Daniel Black », qui était un film sur l’oppression bureaucratique néolibérale. Et ce film avait en effet l’avantage de montrer que cette forme de pouvoir est aussi une bureaucratie. La trame était simple, la loi de l’emmerdement maximum, autrement dit,  un enchaînement inéluctable et  fatal,  pour ce pauvre Daniel B. Pour « Sorry We Missed You », même modèle, encore cette bonne vieille loi.  Ricky un brave jeune homme va devoir  accepter de devenir « travailleur indépendant associé » d’une société de livraison rapide.  En 1971, (ça ne me rajeunit pas plus que ça !) je voyais mon premier Ken Loach, « Family Life », c’était l’époque de l’antipsychiatrie, et la famille était alors abominable, et Ken Loach, nous le confirmait. Aujourd’hui, chez Ricky, la famille est devenue le dernier lieu solidaire, aimant et viable. Et quand Ricky en sort,  ce qui valait pour  Daniel Black vaut pour lui, il sera également victime de la loi en question. Et cette loi est le produit de choix politiques qui pour la bonne cause de la rentabilité, du prétendu client roi, autrement dit du profit, opprime les gens modestes comme lui. Bien sûr on approuve la démonstration. On se dit tout de même qu’au plan cinématographique et du scénario, on est resté sur le modèle du précédent film. 

D’un film à l’autre, on est passé du dedans au dehors, des salons diplomatiques bruxellois au grand large  des routes anglaises, ça se complète, mais tout de même,  c’est un peu déprimant. Existe-t-il un sujet actuel où les victimes ne le demeureraient pas ? Vous savez comme les Q. Tarantino « Inglourious basterds » ou de  « Django Enchained » ;  mais en vrai !

Le traitre- Marco Bellochio

Titre original : Il Traditore

Film italien (octobre 2019, 2h31) de Marco Bellocchio avec Pierfrancesco Favino, Maria Fernanda Cândido et Fabrizio Ferracane

Présenté par Georges Joniaux

Synopsis : Avertissement : des scènes, des propos ou des images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs

Au début des années 1980, la guerre entre les parrains de la mafia sicilienne est à son comble. Tommaso Buscetta, membre de Cosa Nostra, fuit son pays pour se cacher au Brésil. Pendant ce temps, en Italie, les règlements de comptes s’enchaînent, et les proches de Buscetta sont assassinés les uns après les autres. Arrêté par la police brésilienne puis extradé, Buscetta, prend une décision qui va changer l’histoire de la mafia : rencontrer le juge Falcone et trahir le serment fait à Cosa Nostra.

D’abord, il y a le style magnifique de Marco Bellochio, la beauté de son cinéma, son souffle. Chez lui, il n’y a pas d’images pour l’image,  elles sont au service du sens. Ses scénarios sont rigoureux,  pour ce film  les coscénaristes sont au nombre de 3, dont deux sont des experts de la Mafia.  (L’un romancier et l’autre historien). 

J’ai eu l’avantage de voir ce film deux fois, mais pour les esprits lents dont je suis,  trois auraient été mieux, car il me vient quelques conclusions que je vais vous soumettre tout à l’heure et que tout de même, j’aurai mieux fait d’avoir au moment de la présentation !

Comme j’ai eu l’occasion de le dire,    ce film comporte des reconstitutions quasi documentaires, tels le maxiprocès de Palerme  ou les crimes mafieux,  d’autres scènes sont  plus romanesques, elles servent à préciser des rapports aux personnes ou au monde, par exemple l’échange de cigarettes entre Falcone et  Buscetta n’a pas existé, mais cet artifice  permet de signifier la naissance d’une estime réciproque (réciproque mais nous le verrons, pas de même nature). Où encore la citation de Butor, qui est fictive mais qui permet de souligner l’importance du non verbal et du regard dans la Mafia. 

Je me propose de rapprocher certains éléments du film avec des données biographiques que je connais concernant Tommaso Buscetta(magistralement interprété par Pierfrancesco Favino,) afin de cerner la nature du rapport de ces deux personnages Buscetta /Falcone.

On est d’abord saisi par « l’extradition » du Brésil  de Tommaso Buscetta qui se fait  en toute sérénité, sans contention, en classe affaires et donc il  débarque de l’avion avec une couverture  sur les avant-bras pour cacher… L’absence de menottes. 

Revenons en arrière dans la vie de Buscetta, avant la partie  filmée : Il est le 17ème  et dernier  enfant d’une famille de braves gens, le père est miroitier,  évolue dans les  quartiers pauvres de Palerme.  Il commence  par des petits larcins et adolescent, comme beaucoup de jeune, en 1943,  il participe à l’aide du débarquement allié. Plus tard, il  rencontre la famille Bontate plutôt spécialisée dans le trafic de cigarettes. Ensuite, comme tout bon Sicilien, il part découvrir   le vaste monde. En 1949 il est au Brésil,  il y retourne en 1956. Le reste du temps, la rue et la prison seront ses écoles. Il est intelligent, il  a aussi une faculté remarquable à se fondre dans différents milieux, il parle l’italien, le dialecte sicilien, l’espagnol, le portugais, l’anglais, et je peux faire des oublis.

En 1957, un certain Giuseppe Bonano dit Joe Bananas, arrive des USA à Rome, il est lié à la mafia sicilienne  de New York de Luchi Luciano, il y est accueilli par le ministre du commerce italien. Ensuite, il se rend à Palerme, il y rencontre les mafieux,  entre autre Buscetta qu’il connaît bien. Ce Joe Bananas cherche des débouchés  nouveaux pour son transport international,   Cuba vient  de tomber aux mains de Fidèle Castro.  A Bananas, la mafia de Palerme lui doit pour une large part, l’intensification du trafic d’héroïne, et l’organisation dans sa forme pyramidale de la Cosa-Nostra, avec ses conseils, ses cantons, ses régulations.  À partir de 1962, nouveaux débouchés, nouvelles convoitises, une guerre se déclenche entre deux familles mafieuses, les Greco et les La Barbera, elle fait moult morts (environ 2000). Dans ce contexte, en  1966 Buscetta file à New-York pour y « ouvrir une Pizzeria ». En 1968, il est condamné en Italie par contumace pour un double meurtre. Il est arrêté à New-York, mais l’administration italienne, (sans doute distraite,  ne réclame pas son extradition !). Il part au Brésil d’où il finit tout de même par être extradé et emprisonné en Italie. En 1980 bénéficiant d’une permission pour  bonne conduite, il fugue,  repart au Brésil,  échappant du même coup à une nouvelle  guerre entre les clans palermitains et le clan Corléonesi dirigé par Toto Riina. (Extrait de CV : premier assassinat à 19 ans, suivent 40 autres et 110  commandités). 

En 1982 Toto Riina fait assassiner le Général Delachiesa qui avait décidé d’en finir avec la mafia, (sans doute était-ce réciproque).

En 1983, Buscetta est  de nouveau « extradé » et là commence le corps du film. Lorsqu’on lit son  parcours, les heureuses conjonctions de sa vie de mafieux, on a le sentiment qu’il est né sous une bonne étoile… Voilà un homme qu’on oublie d’arrêter et qui quand on l’arrête pour ses crimes, peut bénéficier de  permission, se sauver…et voyager.  Mais entre-temps, durant cette guerre mafieuse,  Toto Riina a fait assassiner le fils Bontate, Stefano, son ami ;   deux enfants de Buscetta ;  son frère ;  son beau-frère ;  son neveu.

Le juge Falcone attend Buscetta, ces deux hommes ne sont pas de même  milieu, mais ils ont en commun d’être tous deux de Palerme. Ils vont se jauger, et se juger puis s’estimer.  Très vite Buscetta instaure des règles  d’échange, « ne me parlez pas de mon passé », « je n’ai jamais fait de trafic de drogue », « je suis un simple soldat ». Et surtout « Je ne suis pas un repenti, je suis un homme d’honneur »… Et la Cosa-Nostra a trahi, elle tue les femmes, les enfants et les juges ».

Falcone ne peut lui donner tort sur ce dernier point,  en 1979, les juges Cesare Terranova puis plus tard, Rocco Chinicci ont été assassinés.  Et le film fait apparaître en filigrane les qualités du juge Falcone. Moyennant ces concessions, avec  patience et complicité, il va pouvoir mettre en accusation 474 mafieux, obtenir 360 condamnations et occasionner 2265 années de prison.

Mais à la fin  on meurt et puis basta ! dit le juge Falcone, conscient que sa mission était plus grande que sa vie. Et  il sera assassiné par 600 kg de TNT placés sur son chemin,   sous l’autoroute, le 19 juillet 1992.  Il le sera sur ordre de Toto Riina qui a échappé au Maxi procès de Palerme. Dans sa folie furieuse,  à peine deux mois plus tard, ce mafieux fera assassiner le juge intègre Paolo Borsellino  et d’autres personnes de renom mais moins cleans, prêtre, hommes de lois et politiciens, tous en lien avec la Mafia. Arrêté en 1993, ce petit homme de 1m58,  qui a épousé son institutrice, fidèle, aimant la vie familiale,  sans charisme, humble, croyant,  et bien élevé, mais qui étrangle et torture sans état d’âme,  aime l’argent sans limite, et par n’importe quel moyen, va enfin  pouvoir aller  en prison jusqu’à sa mort. Buscetta témoignera contre lui. 

En dépit de la mort du juge Falcone et en son honneur, Buscetta témoignera  contre l’ex Président du conseil  Giulio Andreotti soupçonné de complicité avec la Mafia.  Lors de sa déposition, comme il tient ses informations contre l’accusé par ouïe-dire, comme il n’a plus le statut  de mafieux d’honneur  que Falcone lui prêtait, il sera disqualifié. Andreotti  est trop  grand pour lui dans cette hiérarchie sordide.

Dans ce film, il y a une histoire dans l’histoire. Celle de l’homme à l’enfant.  Celle d’un homme condamné à mort par la mafia, et que Buscetta devait exécuter.  Le devinant, il se couvre en tenant son enfant contre son cœur.  Dès lors toute sa vie jusqu’au mariage de son fils, il l’utilisera comme bouclier.  Mais au départ du fils, Buschetta surgit de l’ombre…deux coups de feu. 

Cette scène de meurtre de cet homme à l’enfant qui est présentée à la fin du film est essentielle. D’abord, c’est un meurtre. Mais c’est aussi un meutre honorable. On ne tue pas un père devant son enfant !  C’est une fable, une légende ! Aucun chef mafieux, qui ordonnerait une exécution ne tolérerait que l’exécution attende 15ans.  Donc en racontant cette histoire,  Buscetta invente. Si Bellochio  filme cette scène qui repose sur  l’allégation de  Buscetta ce n’est pas pour faire beau dans le film.  C’est comme si Buscetta nous disait : «  je suis un meurtrier, mais tout de même, j’ai  une conscience et de l’honneur » et c’est ce besoin de légitimité et de reconnaissance que le juge Falcone remarquera avant même de le rencontrer.   

Ce que suggère Bellochio, c’est que  de même qu’on peut douter que Buscetta  soit un tueur raisonnable, on peut douter qu’il soit allé au Brésil ou à NYC juste pour le tourisme, mais que peut-être le trafic d’héroïne y est pour quelque chose… Il y a chez Buscetta un besoin constant de justification morale.

Le juge Falcone a compris cela avant de le voir. Son  témoin, a besoin de sa recouvrer sa  dignité perdue,  besoin de manifestations d’estime, besoin de reconnaissance.  Alors la procédure  d’extradition en Classe Affaires participe déjà de tout cela.

Le juge va apprendre à connaître en lui un homme intelligent, solide, ferme et cohérent, qui a toutes les qualités pour devenir sa pièce maitresse. Il a deux objectifs premiers, inspirer confiance (les regards, la cigarette, le respect du silence,  la sobriété)  et réparer cet homme, il accepte donc les termes qui feront de Buscetta non pas un repenti ordinaire, un simple traitre, mais un homme d’honneur. Il l’aide à reconsidérer son jugement sur la traîtrise. Le traître, c’est  Giuseppe Calo et consorts et non lui car lui, il est fidèle à la vraie tradition mafieuse. 

Mais il fait mieux que ça, il aide Buscetta à se débarrasser de ses ennemis mieux qu’il n’aurait pu le faire avec un revolver. En ce sens ce film sur la vie de Buscetta serait aussi  et surtout un film sur la sagacité du Doctor Giovani Falcone, et son courage aussi. 

Au vu de ses éléments, très parcelaires, j’en conviens, on peut s’interroger sur « les coups de chance de Buscetta», qui au total l’ont toujours préservé du pire, et jusqu’à la fin de sa vie. 

Tu mérites un amour de Hafsia Herzi (2)

Film français (septembre 2019, 1h39) de Hafsia Herzi avec Hafsia Herzi, Djanis Bouzyani et Jérémie Laheurte

Synopsis : Suite à l’infidélité de Rémi, Lila qui l’aimait plus que tout vit difficilement la rupture. Un jour, il lui annonce qu’il part seul en Bolivie pour se retrouver face à lui-même et essayer de comprendre ses erreurs. Là-bas, il lui laisse entendre que leur histoire n’est pas finie… Entre discussions, réconforts et encouragement à la folie amoureuse, Lila s’égare…

Présenté par Laurence Guyon

En dépit d’une présentation bien documentée et d’un bon débat , j’avais un sentiment mitigé après avoir vu ce film avec ses gros plans de films sentimentaux, je le classais dans la catégorie « à la rigueur », mais en y repensant, (toujours avec l’esprit d’escalier), je me dis qu’il est plutôt réussi. C’est un film capable de nous faire oublier les moyens financiers plus que ric-rac dont disposait Hafsia Herzi la réalisatrice et actrice pour ce premier film.

D’abord, ce n’est pas un scoop, Hafsia Herzi (Lila) est belle au sens vrai du terme. Ensuite, c’est un film plutôt pudique qui présente  des situations intéressantes et des dialogues graves et drôles, jamais ennuyeux. Hafsia Herzi reconstitue un peu la démarche du cinéma de la nouvelle vague. Elle fait jouer ses amis, les matériaux du dialogue sont piochés dans la vie quotidienne, les lieux du tournage, par exemple Belleville,  sont modestes. En cela je la trouve plus proche d’Agnès Varda, particulièrement  de Cléo de 5 à 7 que d’Abdellatif Kechiche (son mentor) , j’y reviens tout de suite.

 Je me souviens que Marie-Annick  disait quelque chose comme  « tout est dit dès le début du film. Une femme aime un homme indigne de l’être et ne peut faire la démarche de s’en séparer ».  Mais justement, ce sujet à lui seul est intéressant, Hafsia filme cet « entre-deux », cette transition. Elle filme l’espace  et le temps où elle demeure sans avoir à se confronter au réel : « Remi est un manipulateur ».  Lila, en congédiant  le réel, l’irréversible,  s’évite la charge de la souffrance, de la séparation et du deuil. L’espèce humaine est  fabulatrice, et n’appréhende le réel qu’à peu de moments, le deuil par exemple, ici il s’agit donc de ne pas s’y confronter. Et ce passage est parfaitement rendu, avec intelligence, finesse, humour et profondeur. (A l’exemple, les dialogues avec Myriam  ou Ali ) 

Marie-No dans son article,  a l’excellente idée de ne pas résister à reproduire dans son article le superbe poème de Frida Kahlo.  Pour ce qui me concerne, dans ce prolongement, je vois des similitudes entre Cléo de 5 à 7 (pour cet entre deux), et je vois aussi des ressemblances  entre Frida Khalo et Lila. Il est vrai, comme le dit Charly,  qu’elle lui ressemble physiquement. Mais je suppose  qu’Hafsia Herzi  a dû se plonger  dans la vie de cette femme. Et qui voit-on ?  Amours tumultueuses avec Diego de Rivera et des amourettes en tous genres le long de sa vie. Alors, La vie de Lila se présente un peu comme une sorte de « repentir » de la vie de Frida.  

Dernière remarque, la modernité du sentiment amoureux exprimé dans le film, je ne résiste pas à  recopier quelques extraits de la 4ème de couverture de « Pourquoi l’amour fait mal » d’Eva Hillouz, paru en 2012 : « aimer quelqu’un qui ne veut pas s’engager, être déprimé après une séparation »   autant de forme d’une modernité, de l’individu dans la société contemporaine avec «  ses fantasmes d’autonomie et d’épanouissement personnel, ainsi que les pathologies qui lui sont associés : incapacité de choisir, refus de s’engager, évaluation permanente de soi et du partenaire, psychologisation a l’extrême des rapports amoureux… »

Et au total, vous m’excuserez cette parodie : « Lila outragée, Lila brisée, Lila martyrisée, mais Lila libérée ; libérée par elle-même » (et ses sympathiques amitiés), libérée par elle même et surtout d’elle même.  Ce film assez confidentiel,  il me faudra l’avoir en DVD. C’est le premier film d’une cinéaste qui compte.

Georges